M3GAN, USA 2022 • 102 Min • Regie: Gerard Johnstone • Drehbuch: Akela Cooper • Mit: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps, Lori Dungey, Stephane Garneau-Monten, Amie Donald • Kamera: Peter McCaffrey • Musik: Anthony Willis • FSK: ab 16 Jahren • Verleih: Universal Pictures • Kinostart: 12.01.2023 • Deutsche Website
Gerard Johnstones „M3GAN“ beginnt mit dem Werbespot zu einem fiktiven Spielzeug: Ein Kind trauert an dem Grab seines Haustieres, doch soll es bald mit dem beworbenen Produkt von seinem Leid erlöst werden. Ein flauschiges Geschöpf, das die Bedürfnisse eines Kleinkindes simuliert, wird digital per Tablet mit Nahrung versorgt und kann auditiv mit Fürzen oder dem Ausscheiden von Plastikkot demonstrieren, dass es nicht ordnungsgemäß vom Besitzer behandelt worden ist. Bereits dieser Anfang des von Jason Blum („Der Unsichtbare“) und James Wan („Conjuring“) erstmals gemeinsam produzierten Sci-Fi-Horrors führt vor Augen, was die Zukunft 2.0 für uns bereit hält. Selbst eigentlich dem Zwischenmenschlichen vorbehaltene Tätigkeiten können nun über Computerprogramme aus der Distanz bedient werden – so wird es dem Nachwuchs zumindest von Kleinauf vermittelt. Eine schöne neue Welt?
An der Entwicklung der zwischen Robotik, Software und Plüsch pendelnden Kreation ist die geniale Ingenieurin Gemma (Allison Williams) beteiligt gewesen, die zusammen mit ihrem kleinen Team nun ohne Kenntnis ihres cholerischen Chefs David (Ronny Chieng) an dem Prototyp eines enorm kostspieligen KI-Androiden namens M3GAN (kurz für Android der M3-Generation) arbeitet. Der karrierefixierten Frau kommt mitten in der heißesten Phase urplötzlich der Tod ihrer Schwester und ihre dadurch verwaiste Nichte Cady (Violet McGraw) zwischen die Planungen. Pflichtbewusst aber auch ohne angebrachte Selbstreflektion, übernimmt Gemma Cadys Sorgerecht und integriert sie in ihr eigentlich nicht auf Familie ausgerichtetes Leben. Doch schon bald zeichnet sich ab, dass sie der Herausforderung nicht gewachsen ist und das trauernde Mädchen von ihr nicht den notwendigen Halt bekommt. Wie schon bei ihrer Arbeit, gelingt es Gemma scheinbar, das Problem mit ihrem technischen Know How zu lösen: M3GAN (unter der künstlichen Fassade gespielt von Amie Donald und gesprochen von Jenna Davis) soll Cadys neue beste Freundin werden und gleichzeitig soll die hier wachsende Beziehung zwischen Mensch und Maschine als Anschauungsmaterial für den geplanten Verkaufsschlager dienen. Wäre da nicht das Problem mit M3GANs mörderisch ausgeprägtem Beschützerinstinkt und das Erwachen eines eigenen Bewusstseins …
Das Drehbuch zu „M3GAN“ stammt aus der Feder von Akela Cooper nach einer Story von James Wan. Zusammen hat das Duo zuvor den äußerst wilden und reichlich bizarren Grindhouse-Schocker „Malignant“ erschaffen, mit dem sich der neue Stoff die Fülle an irren Einfällen teilt. Als „Terminator“ meets „Annabelle“ hat Wan unlängst das Projekt zusammengefasst, doch lässt sich nach Sichtung festhalten, dass eine Mischung aus dem „Chucky“-Reboot „Child’s Play“ und Alex Garlands smartem „Ex Machina“ dem Werk eher gerecht wird. „M3GAN“ ist ohne Frage beste Genre-Unterhaltung, wie man sie eben von den Studios Blumhouse und Atomic Monster erwartet, doch entpuppt sich der Film zugleich als intelligentere Zeit-Satire als es zunächst den Anschein hat. Diesen als erfrischend feminine und deutlich weniger blutrünstige (trotz PG-13 und ohne Gore schocken einige Szenen dennoch mit ihrer bösartigen Konsequenz) Antwort auf „Child’s Play“ anzupreisen, wäre nicht verkehrt, doch würde dies die weiteren Themen der Geschichte völlig unterschlagen.
So ist die lebensechte Roboter-Puppe mit ihren krassen Skills vordergründig klar die Antagonistin des Films. Doch fällt schon bald auf, dass man diese eigentlich kaum für ihre Taten verantwortlich machen kann. Es ist eine hypermoderne, hektische und auf ständige Leistung getrimmte Gesellschaft, die Schöpfungen wie M3GAN befördert, weil es mit der sogenannten Work-Life-Balance dann eben doch nicht immer gelingt. In Zeiten von Erzieherinnen- und Lehrkräftemangel werden dann die Kleinen gerne mal vor den Smartphones oder anderen technischen Gimmicks geparkt, ohne diese anzuleiten oder die Zeit in der virtuellen Welt einzuschränken. Auch M3GAN ist trotz ihres nahezu menschlichen Anlitzes immer noch eine digitale Kreatur. Wie stark die Bindung zum Androiden werden kann, erklärt im Film Cadys Psychologin: Ein verwaistes Kind baut eine besonders intensive Beziehung zur ersten Person auf, die sich seines annimmt – eben auch, wenn es sich dabei um ein menschliche Gefühle perfekt simulierendes Kunstprodukt handelt. Somit prägt sich Cady nicht nur M3GAN mit ihrem Daumendruck als erste Bezugsperson ein, sondern auch umgekehrt.
Während Cady als genau das dargestellt wird, was sie ist – nämlich ein schwer traumatisiertes und verwirrtes Kind -, konzentriert sich der neuseeländische Regisseur Gerard Johnstone im Nachfolgewerk seiner vorzüglichen Horrorkomödie „Housebound“ im Zentrum auf die von Allison Williams („Get Out“) gespielte Gemma. Die erfolgreiche Nerd-Frau ist, ähnlich wie M3GAN ihr Produkt ist, selbst ein Produkt ihres Karrieredrucks. Im Herzen versteht sie die Bedürfnisse ihrer Nichte und möchte bestmöglich für sie sorgen. Auf der anderen Seite ist sie selbst an der auch emotionalen Ausbeutung des Kindes von Seiten ihrer Firma beteiligt – der grausamste Aspekt des Films! Es ist Gemmas schwierige Lernphase, die hier vermittelt wird und welche stellvertretend für wohl viele überforderte Eltern heutzutage steht. So etwa auch für die Mutter eines reichlich auffälligen Jungen, der während einer Szene seine Zeugerin wild beschimpft und sich später wie ein psychopathischer Triebtäter über den Androiden beugt. Da hat es jemand verpasst, diesem liebevoll die Ohren langzuziehen, bevor dies auf grausame Weise nachgeholt wird.
Tonal bewegt sich das Werk überwiegend auf einem fies-schwarzhumorigen Pfad. Wenn Cady im Film von Trauer überwältigt wird und ihre Roboter-Gefährtin ihr in bester Disney-Tradition ein kitschiges Lied trällert, auf welches Teile des Firmenvorstandes wiederum mit Tränen reagieren, geht der Witz jedoch nicht auf Kosten des Kindes sondern spiegelt zynisch eine plumpe und auf einfache Lösungen bedachte Gesellschaft wider. Trauriges Kind plus singendes Spielzeug gleich Glück gleich Erfolg zum Quadrat, lautet die Formel. Den zunächst gar nicht so in den Vordergrund gerückten Horror steigert Johnstone dann nach einer Anspielung auf Wes Cravens Frankenstein-Verschnitt „Der tödliche Freund“ im letzten Drittel. Auch wenn der Klimax relativ vorhersehbar abläuft und dann der von James Wan angeführte „Terminator“ etwas bemüht zur Geltung kommt, ist „M3GAN“ ein unerwartet cleverer kleiner Techno-Schrecken mit einer definitiv prägnanten Titel-Schurkin.
Ein potenzielles Sequel hat man bei der Ausarbeitung der Geschichte schonmal eingeplant, weshalb man sich hoffentlich auf eine ähnlich bissige wie unterhaltsame Fortsetzung freuen darf.
Cameron griff auf bewährte Motive zurück. Die Grenzen zwischen Gut und Böse waren klar abgesteckt. Unterdrückte naturliebende Underdogs verteidigen ihr Land gegen skrupellose, seelenlose und gut bewaffnete Ausbeuter. Mittendrin ist eine "Romeo und Julia"-Liebesgeschichte und ein durch und durch fieser Schurke. Es ist ein simples Konzept, doch es funktioniert. Avatar war kein weiteres Sequel, Prequel, Reboot oder eine Comicverfilmung und dennoch war er vertraut. Die Zuschauer hatten das Gefühl, in eine ganz neue Welt einzutauchen, ohne dabei aber besonders herausgefordert zu werden. Camerons größter Geniestreich war dabei jedoch, dass der Film das Publikum dazu gebracht hat, mit den häufig als Invasoren im Kino dargestellten Aliens in ihrem Kampf gegen die Menschen mitzufiebern. Auch mich hat Avatar in seinen Bann gezogen, sodass ich ihn bis heute siebenmal im Kino gesehen habe.
Die Antwort darauf ist ein entschiedenes jein. Mit Avatar: The Way of Water feuert James Cameron an der Bild- und Ton-Front aus allen Rohren und sorgt dafür, dass die Kinogänger für jeden Cent ihrer teuren Kinotickets auch wirklich etwas geboten bekommen, das sie so zu Hause nicht erleben können. Wie bereits Top Gun: Maverick dieses Jahr, erinnert The Way of Water daran, was große Kinospektakel sind. Groß und noch größer ist hier das Motto und nach Jahren mittelmäßiger 3D-Präsentationen zeigt Cameron uns wieder, welchen Mehrwert die Technologie bieten kann, wenn jemand mit Ahnung davon im Regiestuhl sitzt und den Film entsprechend konzipiert. Camerons Entscheidung für die HFR(High Frame Rate)-Technologie, also die hohe Bildrate, die Peter Jackson bereits bei seinen Hobbit-Filmen und zuletzt Ang Lee bei 
Davon abgesehen gibt es visuell an Avatar: The Way of Water nichts auszusetzen. Cameron konnte diesmal seine Liebe zum Meer und den Ozeanen in vollen Zügen ausleben und integrierte sie ins Worldbuilding. Sogar Erinnerungen an Titanic werden in einer längeren Sequenz wach, in der Charaktere versuchen, von einem sinkenden Schiff zu entkommen. Die Motion-Capture-Aufnahmen haben einen großen Qualitätssprung seit dem ersten Film gemacht und können jede Emotion der Na’vi-Darsteller perfekt einfangen. Ganz besonderes Lob geht dabei an die fabelhafte Zoe Saldaña mit einer mal wütenden, mal verzweifelten, mal kämpferischen Performance als Muttertier und taffe Kriegerin. Überhaupt ist es bemerkenswert, wie nahtlos die menschlichen Schauspieler mit CGI-Kreaturen interagieren, sodass man irgendwann tatsächlich vergisst, dass man in vielen Szenen im Prinzip nichts Anderes als einen Animationsfilm sieht.
Wer jedoch gehofft hat, dass Cameron und sein Autorenteam sich in der langen Zeit seit dem ersten Film eine originellere Handlung überlegt haben, wird ebenfalls eines Besseren belehrt. Es bleibt denkbar simpel. Tatsächlich wiederholt sich der Plot des Vorgängers sogar über weite Strecken. Die bösen Menschen beuten weiter Pandoras Ressourcen ohne Rücksicht auf Verluste aus, bloß handelt es sich diesmal um die kostbare, lebensverlängernde Hirnflüssigkeit hochintelligenter Walwesen. Stephen Langs Quaritch ist immer noch ein weitgehend eindimensionaler Bösewicht, der zwar um eine durchaus interessante Facette erweitert wird, die ihn jedoch nicht wesentlich verändert. Zudem vermisst man leider auch die charismatische Ausstrahlung seiner menschlichen Ausgabe. Derweil müssen sich Jake und seine Familie das Waldvolk an die Lebensweise der Metkayina gewöhnen, was im Prinzip Jakes erste Begegnungen mit den Na’vi widerspiegelt, einschließlich eines neuen Baumes der Seelen – nur diesmal unter Wasser – und der obligatorischen Zähmung fliegender (aber diesmal auch untertauchender!) Tierwesen. Also frei nach dem Motto, repariere nicht, was nicht kaputt ist.
Die neu hinzugekommene Familiendynamik der Sullys bewegt sich in ihrer Oberflächlichkeit leider irgendwo zwischen Seifenoper und familiären Verwicklungen à la Star Wars. Wir haben den braven ältesten Sohn, der seinen Verpflichtungen nachkommen und seinen Vater stolz machen will, die spirituelle Adoptivtochter mit einer geheimnisvollen Gabe, den rebellischen jüngeren Außenseiter-Sohn, der seinen Vater am laufenden Band enttäuscht, die kleine Tochter, die im Prinzip nur da ist, um süß zu sein und den Menschenjungen mit Identitäts- und Treuekonflikten. Die Figuren sind Abziehbilder mehr denn tatsächliche, ausgearbeitete Charaktere und man wünscht sich, dass Cameron vielleicht etwas mehr Zeit in sie investiert hätte.
Nichtsdestotrotz erfüllen die Charaktere und die Handlung ihren Zweck. Letztlich war Cameron nie für ausgeklügelte Plots oder hochkomplexe Charaktere bekannt, dafür aber für mitreißende Action, bahnbrechende Effekte und hochemotionale Geschichten und von all dem wird hier jede Menge geboten, insbesondere im atemlosen dritten Akt, bei dem jegliche vorige Bedenken endgültig vergessen werden und man einfach wieder mit Jake und seiner Familie mitfiebert, ihre Erfolge feiert und auch mal eine Träne verdrückt. Seine epische Laufzeit von 193 verdient sich der Film mit einem durchweg flotten Tempo und einem fortwährenden Bilderrausch und das können nicht viele überlange Blockbuster (siehe 
"It takes all kinds of critters to make Farmer Vincent’s fritters" – Wer hat behauptet, dass diese Liste komplett bierernst werden muss? Kevin Connors humorvoller Motel Hell von 1980 mag vielleicht nicht jedem etwas sagen, doch der Film gehört zweifellos zu den gutmütigsten Vertretern des Grindhouse-Kinos. Selbst der verstorbene US-Kritiker Roger Ebert hat trotz seiner Aversion gegenüber Slashern seinerzeit warme Worte für die Geschichte eines Farmer-Geschwisterpaares übergehabt, das Reisende entführt, um sie zu ihren regional berühmten Delikatessen zu verarbeiten. Yummy! Und der Kampf gegen einen Gegner mit Kettensäge und Schweinsmaske ist legendär.
Mit Jorge Michel Graus mexikanischem Vertreter kommt etwas Arthouse-Sensibilität ins Spiel. Nach dem Tod ihres Vaters muss sich eine in Armut lebende Kannibalen-Familie neu sortieren und zunächst herausfinden, wer von den beiden Söhnen nun buchstäblich das Essen auf den Tisch schaffen soll. Während der ältere Alfredo eher ruhiger Natur ist, entwickelt sich der jüngere Julian schnell zum gewalttätigen Hitzkopf. Seitdem ich den Film erstmals auf dem Fantasy Filmfest gesehen habe, ist er über die Jahre bei mir hängengeblieben und hat sich im Kopf festgebrannt. Denn natürlich ist er oberflächlich betrachtet blutiger Horror, doch steckt darunter vor allem der verzweifelte Versuch von Individuen, gegen ihre Determination anzukämpfen und der Rolle im Patriarchat zu entfliehen. Das etwas andere US-Remake von 2013 ist übrigens auch nicht übel.
Hier nun der versprochene Klassiker, dessen Vorhandensein auf der Liste eigentlich einen Spoiler darstellt – nur können wir eben nicht auf jeden Rücksicht nehmen, der Richard Fleischers Schock-Dystopie seit 1973 verschlafen hat. Wie es aktueller kaum sein könnte, kommt in dem 2022 (!) angesiedelten Werk Charlton Heston als NYC-Detektiv bei einer Mordermittlung etwas Großem auf die Spur. In dieser Story ist die Welt bereits mehr von der globalen Erwärmung und Überpopulation gebeutelt als wir es heute sind. Eine Lösung, den Menschen genügend Nahrung bereitzustellen, besteht in der Herstellung einer mysteriösen Waffel namens Soylent Green. Nun, woraus könnte Soylent Green wohl bestehen, wenn es zu viele Menschen und zu wenig natürliche Lebensmittel gibt? Richard Fleischer spart sich die zynische wie raffinierte Antwort für den bitterbösen Klimax auf.
Ein weiterer Grindhouse-Vertreter, der im Laufe der Zeit zum Genre-Meilenstein gereift ist, folgt auf Platz 2 mit Tobe Hoopers phänomenalem Terror-Original von 1974. Gerne dem Slasherfilm zugeordnet, fallen das Kettensägenmassaker und sein ikonisches Aushängeschild Leatherface doch ziemlich aus dem Rahmen, wenn man es mit den Werken rund um Freddy, Jason oder Michael vergleicht. Die Schaudermär von einer psychotischen Sippe, welche im texanischen Hinterland Durchreisende zu Blutwurst verarbeitet, ist so dreckig, hysterisch, roh und unangenehm, dass die Erstsichtung zu einem echten Erlebnis wird. Das Finale mit einer kreischenden Marilyn Burns, die vom scheintoten Opa mit einem Schlachterhammer gequält wird, wird man nie vergessen. Entstanden ist das Werk während der Gegenbewegung zum Vietnamkrieg und implizit kann man den Konflikt der progressiven Jugend mit dem barbarischen Angriff der USA in dem Überlebenskampf der Protagonisten gegen die, nun, arg konservative Südstaaten-Familie herauslesen. Fun Fact: Dies war ein Lieblingsfilm von 2001-Meisterregisseur Stanley Kubrick!
Jetzt kommt der Moment, an welchem ich mich sicherlich bei einigen Lesern komplett diskreditiere. Ja, Ruggero Deodatos berüchtigter Cannibal Holocaust gehört nicht ohne Grund zu den kontroversesten Filmen überhaupt. Als ich die VHS zum ersten Mal in die Finger bekam, ist mir von Tiersnuff-Szenen im Vorfeld nichts bekannt gewesen (es war die Prä-Internet-Zeit!) und mir kam an den betreffenden Stellen ohne Übertreibung das Essen hoch! Um das klarzustellen: Echte Gewalt für die Produktion eines Films lässt sich durch nichts rechtfertigen und solche Taten sind zur Zeit der Entstehung von Cannibal Holocaust keine Seltenheit gewesen – der Fehler ist nun schlichtweg gemacht. Selbst Deodato schämt sich inzwischen für die damaligen Entscheidungen, weshalb er nun eine Tiersnuff-freie Version für die neuen Auswertungen angefertigt hat. Diese hat es selbstverständlich weiter in sich, nämlich dann, wenn es um die Thematik dieses Artikel geht.
Es ist kein Geheimnis, dass die zentralen Themen des Sequels und sein schwermütiger Ton aus einer traurigen Notwendigkeit heraus geboren wurden. Als erste Comicverfilmung, die bei den Oscars als "Bester Film" nominiert wurde, schrieb der erste 
Es ist nachvollziehbar, dass Marvel aus Respekt Bosemans Charakter so kurz nach seinem Tod nicht neu besetzen wollte, doch die Charisma-Lücke, die sein Fehlen im Film hinterlassen hat, kann niemand wirklich füllen. Um das zu kompensieren, wurden die Rollen des restlichen Wakanda-Casts ausgebaut, 
So gut die DarstellerInnen auch sind, niemand hat Bosemans majestätische Ausstrahlung oder körperliche Präsenz aus dem Originalfilm. Am nächsten kommt Franchise-Neuzugang Tenoch Huerta als Namor dran, einer der ältesten Marvel-Antihelden überhaupt, der in dem Film endlich sein Realdebüt feiert. Huerta wechselt als Namor mühelos zwischen einem gewitzten, charmanten, begeisterungsfähigen Herrscher und einer erbitterten, wütenden Naturgewalt, die es schafft, dass sogar seine comicgetreuen Mini-Flügel an den Fußknöcheln nicht lächerlich wirken. Die von der Vorlage abweichende Neuinterpretation des Charakters, der in den Comics über Atlantis herrscht, und seines Volks ist inspiriert von der aztekischen Kultur und verleiht ihnen exotischen und dennoch real wirkenden Flair. Auch wenn er nicht ganz die feurige Performance von Michael B. Jordans Killmonger aus dem ersten Film erreicht, gehört Namor definitiv zu den besseren und komplexeren MCU-Antagonisten.
Es steckt wieder einiges unter der Oberfläche bei Wakanda Forever. Dass die Gier der Industriewelt ausgerechnet zwei indigene Völker, die nur ihre Ruhe haben wollen, in blutigen Konflikt miteinander stürzt, anstatt dass sie sich verbünden, ist eine von Coogler mit Sicherheit beabsichtigte Spiegelung unserer realen Welt. Ging es im ersten Film noch um Verantwortung und die Bürde eines Vermächtnisses, spielen diesmal Wertvorstellungen, die Konsequenzen unserer Entscheidungen und die Fähigkeit, mit der traurigen Vergangenheit abzuschließen, um optimistisch nach vorne zu schauen, zentrale Rollen.
Während Iron Man und Captain America drei Solo-Auftritte im Kino gebraucht haben, um am Ziel ihrer Entwicklung anzukommen, Scarlett Johansson erst nach dem Tod ihrer Figur endlich einen 
Zugegeben, Waititis hochenergische Inszenierung mit ihren unbestrittenen Albernheiten, von denen manche mehr (schreiende Ziegen!) und andere weniger (Sturmbrechers Eifersucht auf Mjönir) funktionieren, wirkt nicht mehr ganz so überraschend und neu wie beim ersten Mal. Es wäre wohl auch zu viel, das zu erwarten. Dafür hat Love and Thunder einen etwas ernsteren und vor allem emotionaleren Unterbau als der dritte Thor-Film, ohne Waititis typische Markenzeichen dabei einzubüßen. Es wäre nämlich trotz seiner irrwitzigen und abgedrehten Ideen ein Trugschluss zu glauben, Waititi würde seine Figuren, ihre Gefühle und Probleme nicht ernst nehmen. Wie er es u. a. bei seinem oscarprämierten Geniestreich Jojo Rabbit gezeigt hat, ist der Filmemacher ein Meister darin, sehr ernste und tragische Themen unter einem humorvollen Gewand zu verbergen.
Portman, die im Fitnessstudio fleißig Gewichte stemmte, um als The Mighty Thor eine gute Figur zu machen, hat sichtlich Spaß an der Rolle und diesen werden auch die Zuschauer an ihrer Performance mehr denn je haben. Es ist leicht nachvollziehbar, wie Waititis es geschafft hat, sie zum Franchise zurückzulocken, nachdem sie diesem desillusioniert den Rücken gekehrt hatte. Jane ist endlich nicht auf die Rolle des Love Interests oder der "Jungfrau in Nöten" reduziert, sondern darf auch kämpfen, alberne Sprüche klopfen und Witze reißen, um ihre eigentlich schlimme Situation zu verbergen. Nachdem das Offscreen-Ende von Thors und Janes Beziehung zuvor mit einem Satz lieblos abgehandelt wurde, wird es in Love and Thunder mit Flashbacks gebührend aufgearbeitet und so wird eine erzählerische Lücke im Franchise endlich zufriedenstellend gefüllt.
Das gilt auch für Christian Bales Figur Gorr der Götterschlächter. Die besten Bösewichte sind häufig diejenigen, deren Motivation man nachvollziehen und mit denen man sogar mitfühlen kann. Deswegen gehören Michael B. Jordans Kilmonger, Daniel Brühls Zemo und sogar Josh Brolins Thanos zu den interessantesten Schurken des MCU und nach Love and Thunder wird Gorr seinen Platz an ihrer Seite einnehmen. Waititi verschwendet keine Zeit, den neuen Bösewicht einzuführen und seine Beweggründe zu verdeutlichen. In der allerersten Szene des Films, die als Cold Open noch vor dem Marvel-Logo zu sehen ist, erfahren die Zuschauer, weshalb Gorr einen Groll gegen alle Götter hegt und man kann es ihm schwer verübeln. Seine Antipathie findet in einer späteren Szene weitere Berechtigung, als Götteranführer Zeus, wundervoll theatralisch gespielt von Russell Crowe, die Selbstsucht der Götter und die Gleichgültigkeit gegenüber dem Leid der anderen unberührt zur Schau stellt.
Gorr ist verbittert, wütend und hasserfüllt, und Bale spielt die Rolle mit vollster Hingabe, die man vom wandlungsfähigen Method Actor erwarten würde. Er macht keine halben Sachen, ob er nun Batman verkörpert oder einen intergalaktischen Bösewicht, der wie eine Kreuzung aus Onkel Fester, Voldemort und dem Tod aus Bill & Ted aussieht. Sein ausgezehrter, sehniger, mit Narben übersäter Körper zeugt von den Spuren, die der Besitz des Nekroschwerts auf ihm hinterlassen hat. Die Waffe vergiftet seine Seele und seinen Körper, sodass er bei seinem Kreuzzug gegen die Götter ohne Rücksicht auf Kollateralschäden vorgeht und mit seinen Opfern gerne sadistische Spielchen treibt. Dabei ergibt sich eine interessante Parallele zu Janes Nutzung des Mjölnir, denn beide magische Waffen verleihen ihren Trägern Superkräfte, während sie sie langsam auch zugrunde richten. Große Macht fordert ihren Tribut.
Last, but not least ist Thor: Love and Thunder aber natürlich auch die Fortsetzung von Thors Reise zur Selbsterkenntnis, wobei sich seine ersten Szenen in dem Film, in denen er sich neben den Guardians übermütig, unbedacht und ohne Rücksicht auf Verluste in den Kampf stürzt, fast schon wie ein Rückschritt für den Charakter anfühlen. Doch Thor Wiedersehen mit seiner Ex, die Konfrontation mit seinen schlummernden Gefühlen, die Angst, sie wieder zu verlieren und die augenöffnende Begegnung mit Zeus und den anderen Göttern lassen Thor weiter wachsen und reifen. Hemsworth hat die selbstironische, gänzlich uneitle Darstellung des Charakters inzwischen perfektioniert und man merkt, dass er den Part seit 
Waititi packt viel, vielleicht sogar zu viel, in die nach Blockbuster- und Marvel-Maßstäben sehr knackige 119-minütige Laufzeit des Films, schafft es aber dennoch, zwischen den atemlosen Action- und Humorsequenzen Atempausen für seine Hauptfiguren und ihre Entwicklung zu finden. Das gelingt, indem er den Fokus ganz auf die Charaktere der Thor-Reihe hält, ohne jegliche Multiversum-Spielereien oder besondere Anknüpfungen an das erweitere Marvel-Kino- und Serienuniversums, abgesehen von den Gastauftritten der Guardians im ersten Akt. Im Gegensatz zu seinem MCU-Vorgänger 
Unterwegs bekommt Raimi, der seit neun Jahren keinen Film mehr inszeniert hat, die Gelegenheit, sich richtig auszutoben. Mit seinen ersten beiden Spider-Man-Filmen hat er zwei der besten Comicbuchverfilmungen überhaupt erschaffen. Diesen Rang läuft Doctor Strange in the Multiverse of Madness ihnen nicht ab, bietet Raimi aber mit Hexen, Dämonen, Zauberern und sogar einem waschechten Untoten die perfekte Vorlage, seine Markenzeichen und stilistischen Kunstgriffe als Horrorregisseur richtig auszukosten. Nein, In the Multiverse of Madness ist nicht Marvels erster Horrorfilm, wie einige besonders reißerische Schlagzeilen einen im Vorfeld vielleicht glauben ließen, doch er ist definitiv eine Spur unheimlicher, abgefahrener, böser und brutaler als man es von den MCU-Kinofilmen gewohnt ist.
Dass in einer gut geölten, hochgradig durchstrukturierten Maschine wie dem Marvel Cinematic Universe Filmemacher wie James Gunn, Ryan Coogler und nun Sam Raimi dennoch die Gelegenheit bekommen, ihren Vorlieben freien Lauf zu lassen, ist höchst bemerkenswert. Zugleich ist es auch ein Zeugnis dafür, wie "kugelsicher" und souverän geführt das Universum ist, in dem solche stilistischen Ausbrüche dennoch zu einem großen Ganzen verschmelzen.
Das lässt sich jedoch leicht verschmerzen, denn im Kontext des MCU macht der Film dennoch neue Türen auf und zeigt abermals, dass Doctor Strange das visuell beeindruckendste unter allen Solo-Franchises des Filmuniversums ist. Wer auf CGI-Spektakel allergisch reagiert, wird auch hier sicherlich die Nase rümpfen, doch die digitalen Effekte sind wieder einmal – mit einigen wenigen Ausnahmen – herausragend. Das stets hohe Tempo des Films, der nie auf die Bremse drückt und mit knapp über zwei Stunden Laufzeit nach modernen Blockbuster-Maßstäben schon kurz und knackig daherkommt, sorgt auf dafür, dass man über manche Ungereimtheiten oder verpasste Gelegenheiten hinwegsehen kann.
Der unumstrittene Star des Films ist Elizabeth Olsen als Wanda, die mehr denn je endlich zu der Scarlet Witch wird, auf die Comicfans schon lange gewartet haben. Wut, Schmerz, Verzweiflung und Entschlossenheit vermischen sich bei ihr zu einer komplexen, facettenreichen und emotionalen Performance, mit der sie nahtlos an die Disney+-Miniserie "WandaVision" anknüpft. Darin liegt auch die Krux der Sache. Habe ich im letzten Absatz 
Eingefleischte Marvel-Fans werden jedoch sehr auf ihre Kosten kommen, denn auf sie warten grandiose Überraschungen und Gastauftritte, bis in die Abspannszene hinein. Das Marketing zum Film hat sich nicht viel in die Karten blicken lassen und auch diese Kritik lässt bewusst viel vage. In the Multiverse of Madness profitiert davon, dass man möglichst wenig über den Film im Vorfeld weiß. Im Gegensatz zu No Way Home hat die Produktion es diesmal sogar geschafft, dass einige wirklich große Knüller, die vermutlich noch Auswirkungen auf die Zukunft des MCU haben werden, nicht schon lange im Vorfeld geleakt sind.
