Quelle: Deadline
Seit J. J. Abrams bekanntlich die Aufgabe übertragen wurde, den nächsten Star-Wars-Film zu inszenieren, war es ziemlich schnell klar, dass er nicht gleichzeitig auch bei Star Trek in der Regieposition bleiben konnte. Zwar gab es lange diesbezüglich keine klare Äußerung seitens Paramount oder Abrams, doch ziemlich schnell hat es sich herauskristallisiert, dass Abrams zwar als Produzent weiterhin kreativen Einfluss auf die Reihe haben würde (wie auch schon bei Mission: Impossible – Phantom Protokoll), dass die Regie des nächsten Films aber jemand anderer übernehmen würde, insbesondere da Paramount viel daran liegt, beim dritten Star-Trek-Film (nach neuer Rechnung selbstverständlich) nicht mehr so viel Zeit verstreichen zu lassen wie zwischen Star Trek und Star Trek into Darkness. Die vierjährige Wartezeit wird als einer der Gründe angegeben, warum der neue Film, trotz sehr positiver Resonanz, in Nordamerika finanziell doch hinter seinem Vorgänger zurückgeblieben ist.
Im August wurden dann die Filmfans mit der Nachricht schockiert (ja, schockiert), dass Jon M. Chu, der Regisseur von Klassikern wie Justin Bieber: Never Say Never, Step Up 3D und G.I. Joe – Die Abrechnung (Achtung, Internetvolk, Sarkasmus-Alarm!), den neuen Star Trek inszenieren sollte. Dies wurde von seinen Presseleuten zum Glück schnell verneint. Als weitere Kandidaten tauchten daraufhin Joe Cornish (Attack the Block), Brad Bird (Mission: Impossible – Phantom Protokoll) und Justin Lin (Fast & Furious 3-6) auf – nicht alle davon die optimalen Kandidaten, jedoch alle besser als Chu. Nur kurze Zeit darauf wurde wiederum Rupert Wyatt (Planet der Affen: Prevolution) als der Wunschkandidat von Paramount genannt. Kürzlich äußerte sich auch Abrams selbst in einem Interview positiv über Wyatt als Regisseur.
Doch jetzt wendet sich das Blatt erneut. Laut Deadline soll doch Joe Cornish ganz oben auf Paramounts Kandidatenliste stehen. Mit Attack the Block legte er ein sehr solides Regiedebüt hin und arbeitet häufig zusammen mit Edgar Wright (The World’s End) (welcher wiederum bei einer Szene von Star Trek into Darkness selbst Regie führen wurfte). Natürlich wäre es ein Risiko, Cornish, der noch keine Big-Budget-Erfahrungen vorzuweisen hat, direkt ein solches Riesenprojekt zu übertragen. Jedoch haben gerade solche ungewöhnlichen Entscheidungen bei Filmen wie Baman Begins, Planet der Affen: Prevolution und Marvel’s The Avengers zu großen Erfolgen geführt. Cornish wäre jedenfalls eine deutlich interessantere Wahl als Chu, Lin und sogar Wyatt. Bald dürften wir etwas Offizielles hören, denn laut Spock-Darsteller Zachary Quinto sollen die Dreharbeiten zu Star Trek 3 bereits kommendes Jahr anlaufen.
Man muss zugeben: Die Idee des Films ist nicht neuartig. Prostitution bei Jugendlichen und jungen Erwachsenen ist ein Thema, das sich vor allem in europäischen Filmen häufig finden lässt. Und dennoch bietet „Jung & Schön“ keinen Platz zum gelangweilten Gähnen. François Ozon inszeniert den zunächst schwer erscheinenden Stoff auf eine sehr nahbare Art und Weise. Er stellt ein 17-jähriges Mädchen in den Mittelpunkt des Geschehens und lässt den Zuschauer sie ein Jahr lang begleiten. Dieser wird zu einem stillen Beobachter, der selbst über moralische Schlüsse nachdenken muss. Denn Ozon beurteilt nicht, und er verurteilt auch nicht. Er lässt die Protagonistin weder als überglückliche Nebenjobberin noch als gesellschaftlich Abgestürzte erscheinen. Stereotypen werden ausgeklammert, es geht nicht um Drogen, Gewalt und Missbrauch. Es geht einzig und allein um ein Mädchen, das irgendwie in die Figur der Prostituierten gerät. Die zentrale Frage, die sich auch die Mutter immer wieder stellt, nach dem Warum, bleibt weitestgehend unbeantwortet. Genau diese eben genannten Punkte machen den Film so nahbar und nicht so schwer verdaulich, wie man es aus vielen älteren französischen Filmen kennt.
Die Geschichte wird in insgesamt vier Teile gegliedert: Sommer, Herbst, Winter, Frühling. Die Jahreszeiten stellen die Entwicklungsstufen der Protagonistin chronologisch dar. Die Übergänge zwischen diesen Teilen werden musikalisch untermalt mit Stückender vor allem in den 60er-Jahren aktiven Chansonnière Françoise Hardy. Mithilfe ihrer Songtexte werden die Übergänge zwischen den Stufen kommentiert. Sie wurden sehr bewusst von Ozon gewählt und tragen die Handlung zu einem Großteil mit, sie resümieren, verbinden aber auch die einzelnen Phasen. In den Handlungsteilen selbst wird viel mit unterschwelligem Humor gespielt, der viele Situationen auflockert, anstatt sie unnötig zu verkomplizieren. Das bekommt dem Film zusätzlich und lässt ihn noch weniger als trockene Charakterstudie wirken.
Anmutig springt die schwarze Katze auf die Mauer. Sie schleicht zum Fenster hin, immer der Musik nach. Eine melancholische Weise, die dennoch leichtfüßig wie das Tier durch die triste, graue Szenerie schwebt. Durch das geöffnete Fenster huscht die Katze in einen leeren Raum. Kahle Wände, keine Möbel, lediglich durch das Fenster dringt fahles Licht. Dort steht der Flötenspieler. Ein blasser Junge mit buschigen, tiefschwarzen Haaren. Er trägt ein gestreiftes T-Shirt und spielt auf der Flöte. Sein Gesicht ist spitz zulaufend, kurz unter dem Pony sitzen zwei große, traurige Augen und über einem spitzen Kinn sitzt ein schmaler, kleiner Mund. Die Katze schmiegt sich an den Jungen. Er setzt die Flöte ab, die Musik verstummt. Eine Stimme aus dem Off verrät uns, dass der Junge Vincent heißt und sieben Jahre alt ist. Ein höflicher, netter Junge, der immer das täte, was man von ihm verlangt. Tief in seinem Inneren wünschte er aber, dass er Vincent Price, der große Grusel-Darsteller wäre. Von einem auf den anderen Moment verändert sich das Bild. Vincents Haare stehen struppig zu Berge, seine runden Pupillen werden zu starren, kleinen Punkten in schwarz umrandeten Augen, über seinem Mund ist ein feiner Schnurrbart zu sehen, und statt der Flöte hält er eine Zigarette an einem langen Filter in der Hand, mit der er Rauchwolken in die Luft bläst.
Das war 1982, Vincent war damals sieben Jahre alt. Mittlerweile ist es 2013, Vincent ist gerade 50 geworden.
Durch alle diese Projekte zieht sich der rote Faden, der mit „Vincent“ zu spinnen begonnen wurde. Ob Biopic („Ed Wood“) oder Märchen („Edward mit den Scherenhänden“), ob Blockbuster („Alice im Wunderland“) oder Franchise-Beitrag („Batmans Rückkehr“), die Figuren des Burton-Kosmos stehen meist abseits einer durch Regeln und Normen festgelegten Gesellschaft. Der Kürbiskönig Jack Skellington hat genug vom ewigen Spuktrott an Halloween und möchte das Weihnachtsfest aufpeppen, der idealistische, aber talentlose Edward D. Wood Jr. versucht seine abstrusen Ideen, Idole und Kaschmirpullover im Studiosystem von Hollywood unterzubringen, und den Sieg über die fiesen Marsmenschen feiern zwei Afroamerikaner, eine Seniorin und zwei rebellische Teenager vor den Trümmern des Weißen Haus. Meistens mit dabei: Danny Elfmann, wilde Kringel und Spiralen, Helena Bonham Carter und Johnny Depp.
Ja und nein. Es ist richtig, dass sich Burton gerne an bekannten Themen abarbeitet und in dieser Hinsicht einen unverwechselbaren Motiv- und Stilkatalog entwickelt zu haben scheint. Die Neuerfindung des Burton-Kosmos blieb bisher aus. Es gab den betont heiter-kitschigen „Big Fish“ und den derben „Sweeney Todd“, im Grunde fand man aber auch dort wieder bekannte Burton-Themen (den lebensbejahenden Eskapismus in „Big Fish“, die Rebellion gegenüber etablierten Obrigkeiten in „Sweeney Todd“, so zu finden auch in „Sleepy Hollow“). Dennoch fügen sie dem Gesamtbild immer wieder kleine, aber dennoch bemerkenswerte Facetten hinzu. Selbst im Großen und Ganzen eher misslungene Projekte wie das „Planet der Affen“-Remake oder die Disney-Cash-Cow „Alice im Wunderland“ sind insofern zumindest sehenswert, und sei es bloß, um einen weiteren, flüchtigen Blick in die dunklen Windungen unter dem schwarzen Haarschopf von Tim/Vincent zu wagen.
Außerdem sollte man sich vor Augen halten, dass sich jeder große Regisseur Lieblingsmotiven angenommen hat. Von Chaplin und Hitchcock bis Tarantino und Haneke, der sprichwörtliche und berühmte „rote Faden“ muss nichts Schlechtes sein. Er zeugt immerhin von Hingabe für eine Sache, Standfestigkeit im System der großen Studios und Verleihe, im besten Fall auch für eine Weiterentwicklung. Letzteres ist bei Burton in den letzten Jahren -leider – weniger zu beobachten. Selbst der phantastische „Frankenweenie“ ist, bei genauerem Betrachten, ein Mash-Up, ein Best-Of-Burton und vor allem eine Neuauflage der Anfänge. Die gewollte Kleinstadtidylle, oder besser: Vorort-Hölle, in die auch „Edward mit den Scherenhänden“ gerät, die feiste Dekadenz der Obrigkeiten aus „Sleepy Hollow“ oder „Corpse Bride“, die Anspielungen auf Horror- und Science-Fiction-Klassiker und B-Movies und ein etwas absonderlicher, aber netter Junge mittendrin. Wie Charlie (aus dem Film mit der Schokoladenfabrik) oder wie Vincent, diesmal keine Katze, dafür ein Hund.
