Quellen: Bloody Disgusting, FirstShowing
UPDATE:
Mittlerweile ist bekannt, dass Resident Evil 6, der aktuell den Titel Resident Evil: The Final Chapter trägt und der letzte Teil der Reihe mit Milla Jovovich werden soll, erst 2016 in die Kinos kommen wird. Im August 2015 sollen voraussichtlich die Dreharbeiten anlaufen. Der Dreh des Films wurde aufgrund der Schwangerschaft von Mila Jovovich nach hinten verschoben.
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Hier mal eine News, die wirklich niemanden überraschen sollte, aber den Fans zumindest Freude bereiten wird. Resident Evil 6 wird seinen Weg in die US-Kinos am 14.09.2014 bahnen. Erfahrungsgemäß wird der deutsche Starttermin im gleichen Zeitraum liegen. Somit hat er ein ähnliches Startdatum wie alle Resident-Evil-Sequels vor ihn. Diese sind fast wie ein Uhrwerk. Seit 2002 gab es immer im 2-Jahres-Rhythmus einen neuen Resident Evil (mit der Ausnahme der dreijährigen Pause zwischen Teil 3 und Teil 4). Als Resident Evil: Afterlife in die Kinos kam, versprach der Regisseur Paul W. S. Anderson (der mit Afterlife zum Franchise zurückkehrte, nachdem er Teil 2 und Teil 3 nur als Produzent betreut hatte) damit den Anfang einer neuen Trilogie. Resident Evil: Afterlife war auch der erste 3D-Film der Reihe und spielte mit $296 Mio weltweit mehr ein als seine beiden Vorgänger Apocalypse und Extinction zusammengenommen. Resident Evil: Retribution konnte zwar letztes Jahr nicht ganz an diesen Erfolg anknüpfen, doch auch $222 Mio weltweit sind für eine $65 Mio-Produktion nicht übel. Das Ende des letzten Films versprach eine Fortsetzung und diese werden die Fans nun bekommen. Mit Resident Evil 6 soll nun die Geschichte, die mit Teil 4 begann und von Paul W. S. Anderson auf drei Filme angelegt wurde, zu Ende gehen. Ob aber das Franchise angesichts des großen Erfolgs damit ebenfalls zu Ende geht, ist anzuzweifeln.
Ebenfalls bestanden nie Zweifel darüber dass Anderson und seine Ehefrau Milla Jovovich, die die Hauptrolle in allen bisherigen Resident-Evil-Streifen gespielt hat, wieder mit von der Partie sein werden. Das wurde jetzt auch offiziell bestätigt. Ebenso kann man sicherlich davon ausgehen, dass auch der sechste Film im 3D-Format in die Kinos kommen wird, obwohl Sony sich dazu noch nicht geäußert hat.
Auch wenn die Resident-Evil-Filme von großer Filmkunst weit entfernt sind, hatte ich bislang bei jedem davon meinen Spaß und freue mich auf das Wiedersehen mit Alice und Co.
Der einfachste Weg, eine neue Filmserie ins Leben zu rufen, besteht nicht darin, von Null anzufangen, sondern etwas mit einer bereits existierenden „Fanbase“ zu finden. Man denke an Verfilmungen von erfolgreichen Romanen, TV-Serien und Comicbüchern. Da es jedoch immer weniger genuin populäres Material gibt, das noch nicht für das Kino oder das Fernsehen adaptiert wurde, lässt sich Hollywood seit Jahren von ungewöhnlicheren Quellen inspirieren. Von Videospielen (Max Payne, Resident Evil) über Freizeitpark-Attraktionen (Pirates of the Caribbean) bis hin zu Spielzeug (Transformers, G.I. Joe) – in Hollywood ist man sich für nichts zu schade. Daher ist es kaum eine Überraschung, dass nun die Brettspiele herhalten müssen. Bereits 1985 hat Paramount eine Filmversion von Cluedo produziert (bei uns mit Alle Mörder sind schon da betitelt). Letztes Jahr kam jedoch mit Battleship die erste Big-Budget Adaption eines Spiels (hierzulande als „Schiffe versenken“ bekannt und in der Regel lediglich mit Papier und Bleistift zu spielen). Zugleich ist Battleship aber auch ein HASBRO-Produkt, also vom gleichen Spielwarenhersteller, der Paramount bereits Hit-Franchises mit Transformers und G.I. Joe beschert hat. Also dachten sich die wohl Studioköpfe von Universal, dass es an der Zeit sei, die Popularität von HASBRO weiter zu melken und einem altbekannten Spiel (dessen Anfänge ins 19. Jahrhundert zurückreichen) eine Blockbuster-Generalüberholung zu verpassen.
Wohl oder übel, Michael Bay hat diese Art gänzlich alberner, gigantisch angelegter Blockbuster vorgemacht und der Battleship-Regisseur Peter Berg (Hancock, The Kingdom) strebt auch nicht mehr an. Zugegeben, seine bisherige Filmografie legt kein sonderlich distinktes Markenzeichen des Regisseurs nahe, doch Battleship erhält durch ihn gar keinen persönlichen Stempel verpasst. Der Film hätte ebenso gut von Michael Bay oder Roland Emmerich inszeniert werden können und man hätte keinen Unterschied bemerkt. Im Gegenteil, der Streifen bemüht sich der Marke „Bay“ so zu folgen, wie es nur geht und hakt dabei scheinbar eine Checkliste ab. Draufgängerische, großangelegte Action? Ist da. Lauter Patriotismus und Militärfetisch? Absolut. Ein Modell als Hauptdarstellerin mit einer obligatorischen Bikini-Szene? Check. Riesige Explosionen und Zerstörungsorgien ohne eine emotionale Nachwirkung? Richtig! Sogar wenn einer der Hauptcharaktere einen frühen Tod erleidet, hinterlässt das weder bei den Zuschauern noch bei den betroffenen Charakteren einen sonderlichen Eindruck. Diese geben nicht einmal vor, zu trauern. Schließlich würde so etwas wie „Emotionen“ den mit 131 Minuten bereits leicht überlangen Film doch nur aufhalten.
Natürlich sieht niemand einen solchen Film für seine Charaktere, doch sogar für einen Sommerblockbuster sind die Figuren extrem unterentwickelt. Diverse Blockbuster der vergangenen Jahre (X-Men: Erste Entscheidung, Iron Man, nur um einige zu nennen), haben gezeigt, dass solche Filme gute Charaktere haben können, ohne dafür den Spaß oder die Action opfern zu müssen. Das war den Machern von Battleship herzlich egal. Taylor Kitsch (den Hollywood unbedingt zu einem Star machen will und bislang scheitert – siehe John Carter) ist der unberechenbare Kerl mit Autoritätsproblemen, der (natürlich dank der Navy) zu sich selbst findet und Verantwortung übernimmt. Seine Handlungen über lange Strecken im Film machen es dem Zuschauer ungemein schwer, mit ihm zu sympathisieren. Wenn Liam Neeson in einer Szene zu ihm sagt, er wisse nicht, was seine Tochter in ihm sehe, kann man als Zuschauer nicht anders, als Neeson einfach zuzustimmen. Kitschs eindimensionale Darbietung in dem Film lässt Shia LaBeoufs Auftritt in Transformers als hohe Schauspielkunst aussehen. Kitschs beste Szene erfolgt bereits zu Beginn des Films, wenn er in eine Tankstelle einbricht, um einen Hähnchen-Burrito zu stehlen. Amüsant ist hierbei, dass der Regisseur Peter Berg scheinbar 
Und nichtsdestotrotz, wie schon mit diversen Michael Bay-Filmen, gibt es etwas inhärent Unterhaltsames darin, Zeuge dieser unverfrorenen, respektlosen und zuweilen seiner eigenen Absurdität durchaus bewussten Albernheit zu werden. In einem amüsanten Moment der Selbsteinsicht seitens der Filmemacher ruft ein frustrierter Charakter aus: „Wer zum Teufel redet so?“ und steht damit stellvertretend für die Zuschauer. Es bedarf schon des Vierzehnjährigen in jedem von uns, um einen Film wie Battleship wirklich zu genießen, doch wenn man es schafft, das Gehirn abzuschalten und sich auf diesen Sinnesangriff einfach einzulassen, so gibt es sicherlich schlechtere Wege, zwei Stunden zu verbringen. Im Gegensatz zu den Transformers-Sequels von Bay, hat Battleship keinen ausgedehnten Showdown, dessen monumentale Action durch schnelle Schnitte ruiniert wird. Berg setzt seine Action mit deutlich mehr Klarheit (aber nicht weniger Absurdität) in Szene und das $200 Mio-Budget kann man auf der Leinwand wirklich sehen. Die Effekte sind erste Klasse (wobei sich Universal überraschenderweise gegen 3D entschied, obwohl sich diverse Szenen durchaus dafür anbieten). Hervorzuheben ist die Szene, in der ein Alienschiff in Hong Kong abstürzt – ein Musterbeispiel einer effektvoll inszenierten Großstadt-geht-zugrunde-Szene, in der mal ausnahmsweise nicht New York hinhalten muss. Die Spiel-Wurzeln des Films werden in einer Szene beleuchtet, die bei den Zuschauern mit einer Mischung von Kopfschütteln und ungläubigem Lachen begrüßt werden wird. Peter Berg stellt „Schiffe versenken“ im Großformat nach – samt eines karierten Felds, des Beschusses von Koordinaten und Sprüchen wie „Wollen wir noch einen versenken?“. Spätestens in dieser Szene wird es klar, dass die Macher von Battleship der Lächerlichkeit und der Absurdität der Idee, „Schiffe versenken“ zu verfilmen, nur allzu gut bewusst waren, diese einfach mit offenen Armen empfingen und an die Sputze trieben. Kein Klischee bleibt unberührt und es gibt mehr Löcher im Drehbuch als die Alienschiffe in den Zerstörern im Laufe des Films hinterlassen. Doch das spielt hier keine Rolle. Michael Bay wäre stolz über seinen Einfluss.
Es gibt wohl kaum zwei Studios, Schauspieler, Regisseure oder Produzenten in Hollywood, die seit so langer Zeit in solch direkter und unermüdlicher Konkurrenz stehen, wie Pixar und DreamWorks Animation. Obwohl beim finanziellen Erfolg DreamWorks seinem Konkurrenten in nichts nachsteht, spielte das Studio bei den meisten Animationsfans in qualitativer Hinsicht jahrelang die zweite Geige. Jeder neue Film der beiden Animationsstudios führte unweigerlich zu Vergleichen, bei denen DreamWorks üblicherweise den Kürzeren zog. Überzeugte Pixar mit einer guten Mischung aus liebenswerten, nuancierten Charakteren, emotionsgeladenen Geschichten und umwerfenden visuellen Schauwerten, verließ sich DreamWorks in den früher Jahren allzu häufig auf Popkultur-Witze, skurrile Nebencharaktere, actionreiche Plots und große Hollywoodstars als Stimmgeber für die Figuren. Natürlich war das nicht zwangsläufig schlecht. Ab durch die Hecke ist durchweg amüsant und zumindest der erste Shrek ist eine clever umgesetzte Disneymärchen-Dekonstruktion. Dennoch konnte DreamWorks mit den hohen Standards, die Pixar in der Animationswelt gesetzt hat, kaum mithalten. Während Pixar die Grenzen der Animation immer weiter ausgelotet hat, verließen die Filmemacher bei DreamWorks selten die eigene Komfortzone und gingen relativ risikoarm vor. Erst mit Drachenzähmen leicht gemacht kam die Wende. Auch wenn der Film seinerzeit den Animationsoscar an Toy Story 3 verlor (zu Unrecht, wie ich finde), beeinflusste er den Ruf von DreamWorks nachhaltig positiv. Seinerseits beeinflusst vom erfolgreichen Konkurrenten, ist Drachenzähmen leicht gemacht der beste Pixar-Film, den Pixar nie gemacht hat. Dabei verlor er nicht alle DreamWorks-Attribute, sondern erreichte eine nahezu perfekte Verbindung von heiterem Humor (frei von Popkultur-Anspielungen), liebenswerten und vertrauten Charakteren (natürlich von Top-Hollywoodstars gesprochen) und beeindruckender Action. Insbesondere die letztere bot die atemberaubendsten visuellen Eindrücke, die man bis dato in einem Animationsfilm gesehen hat (der Kamera-Maestro Roger Deakins wirkte als visueller Berater mit) und der 3D-Aufschlag war mehr als gerechtfertigt. Da Drachenzähmen leicht gemacht auch noch zum größten finanziellen Erfolg von DreamWorks jenseits des Shrek-Franchises wurde, wussten die Studioköpfe, dass man sich auf dem richtigen Weg befand. Obgleich kein nachfolgender Film von Dreamworks mit Drachenzähmen mithalten konnte, erlebte das Animationsstudio in den letzten drei Jahren seit dem Film seinen qualitativen Höhenflug. Kung-Fu Panda 2 und Madagascar 3 überraschten und wurden zu den jeweils besten Filmen in den jeweiligen Reihen. Die Hüter des Lichts enttäuschte zwar an den Kinokassen, war aber zumindest in visueller Hinsicht nicht minder prachtvoll und bewundernswert als Drachenzähmen leicht gemacht.
Zugegeben, das Aussehen der Hauptcharaktere ist zunächst gewöhnungsbedürftig, denn sie entsprechen nicht den üblichen „süß“ oder „schön“ Schemata aus Animationsfilmen, doch ihr grobschlächtiges Äußeres dient ebenfalls als Quelle von visueller Komik. Die schwindelerregende Jagdszene zu Beginn des Films, bei der die Croods einem prähistorischen Monster-Vogel sein Ei abluchsen, macht klar, wie der Hase hier läuft. Die Beziehungen der Figuren und sogar der eigentliche Plot der Reise zur Sicherheit sind nebensächlich. Viel interessanter ist hier die Welt, die Sanders, De Micco und die Animatoren zum Leben gebracht haben. Völlig absurd, jegliche Regeln der Physik und Biologie missachtend und die gesamte Farbpalette ausnutzend gehört Die Croods vielleicht nicht zu den schönsten Animationsfilme der letzten Jahre (obwohl auch hier wieder Deakins als Berater fungierte), jedoch sicherlich zu den einfallsreichsten. Von Krokohunden, siamesischen Zwillingsmäusen und Festlandwalen bis hin zu Eulenbären, boxenden Affen und etwas, was sich als eine Mischung aus einer riesenköpfigen Katze und einem Papagei, beschreiben lässt, erstaunt die Vielfalt der ausgedachten Wesen immer wieder aufs Neue. Bemerkenswert ist hier auch die Aufmerksamkeit, die den Details gewidmet wurde. Viele fantastische Kreaturen tauchen nur sekundenlang auf (haltet Ausschau nach dem Säbelzahn-Kaninchen!). Die irrwitzigen Geschöpfe sind aber nicht die einzige Humorquelle des Streifens. Auch trockener Witz kommt nicht zu kurz – Monty Pythons John Cleese war an der ersten Drehbuchfassung beteiligt und es scheint so, als hätte etwas von seinem Einfluss bis in die Endfassung überlebt. Bei den Popkultur-Gags hat mich sich diesmal glückicherwiese zurückgehalten.
Wo der Film letztlich scheitert, ist der Versuch der Geschichte eine emotionale Seite abzugewinnen. Die Beziehung zwischen der rebellischen und missverstandenen Tochter und den überfürsorglichen, wohlmeinenden Eltern wurde letztes Jahr mit mehr Feingefühl und besserer Charakterzeichnung in Pixars 
Filmbiografien (im Hollywood-Jargon „Biopics“) sind seit jeher ein beliebtes Untergenre des historischen Films in Hollywood. Wenn man eine Filmgattung nennen könnte, die bei den Oscars generell die besten Chancen hat, so wären das Filme, die auf realen Persönlichkeiten basieren. Ganze 14 der letzten 40 Oscargewinner in den vier Schauspielkategorien spielten reale Menschen. Das Leben schreibt nun mal die besten Geschichten. Allerdings steht jeder Film, in dem eine reale Person einen zentralen Part einnimmt vor zwei großen Herausforderungen: wie verpackt man ein interessantes Leben in einem einzigen Film und kann der Zuschauer dazu gebracht werden, einem berühmten Schauspieler die Person abzukaufen, die sie spielt? Insbesondere der letzte Punkt ist heikel und entscheidet häufig darüber, ob der Film als Ganzes funktioniert. Bei Streifen wie A Beautiful Mind oder Kinsey, bei denen die breite Öffentlichkeit die dargestellten Personen nicht direkt vor dem inneren Auge parat hat und wenig über sie weiß, ist es deutlich weniger ein Problem. Auch bei historischen Figuren, die häufig nur auf bestimmte Merkmale reduziert werden (siehe Lincoln) ist es leichter, den Zuschauer zu überzeugen. Deutlich schwieriger gestaltet es sich, wenn es um eine berühmte Persönlichkeit handelt, die das Massenpublikum gut kennt – betreffend das Aussehen, die Sprache und die Manierismen. Einen Sonderfall stellt hier wiederum die Situation dar, in der Hollywoodstars andere Hollywoodstars darstellen sollen.
Die erste Herausforderung umgeht Sacha Gervasis Hichcock, indem er sich trotz seines sehr „allgemeinen“ Titels nicht sonderlich ambitioniert gibt und statt des ganzen Lebens des Regiemeisters (was mit einem Film kaum denkbar wäre), sich nur auf einen sehr kurzen Abschnitt davon konzentriert. Basierend auf Stephen Rebellos Tatsachenbuch „Alfred Hitchcock and the Making of Psycho“ wäre dies auch der passendere Titel für den Film, marketingtechnisch jedoch weniger wirkungsvoll. Anstatt sich auf die Person Hitchcocks selbst zu konzentrieren und sich womöglich auf dünnes Eis zu begeben (schließlich ist Alfred Hitchcock bekanntermaßen ein komplexer Mensch gewesen), gibt man sich damit zufrieden, seinen Kampf um Psycho darzustellen und die Zuschauer daran zu erinnern, wie wichtig Alma Revilles Rolle in seinem Leben und seinen Werken war. Die Filmemacher machen es sich dadurch deutlich leichter, vermeiden mögliche Kontroversen oder gewagte Spekulationen und verlassen nie ein sicheres Terrain. Der Film wandert ständig auf dem dünnen Grat zwischen Drama und Komödie, mit ausreichend Elementen von beiden und dennoch nicht genug, um einem der beiden Genres wirklich gerecht zu werden. Diese Entscheidung macht Hitchcock zu einem federleichten Erlebnis und zugänglich für das Massenpublikum, zugleich aber auch einen Tick langweilig, weil man selten das Gefühl bekommt, hinter den (Dusch)Vorhang zu blicken.
Es ist aber die zweite Herausforderung eines Biopics, bei der sich der Film schwer tut. Mit Anthony Hopkins hat man bei Hitchcock einen Schauspieler an Bord, der mehr reale Persönlichkeiten in seiner Karriere gespielt hat als kaum ein anderer Mime. Adolf Hitler, Pablo Picasso, Richard Löwenherz, C.S. Lewis, Richard Nixon und Yitzhak Rabin – sie alle hat Hopkins bereits verkörpert und wird demnächst als Ernest Hemingway zu sehen sein. Den Dreh hat der Hannibal-Lecter-Darsteller also raus. Dennoch, wenn man Hitchcock im Film ansieht, sieht man nicht Alfred Hitchcock, sondern Anthony Hopkins in einem Fettanzug und mit einem künstlichen Doppelkinn. Das Problem ist hier einfach, dass Hitchcock selbst die Öffentlichkeit nie gescheut hat und sich selbst in den Median blendend vermarktet hat. Daher haben viele ein ziemlich deutliches Bild von ihm. Vor einem ähnlichen (wenn auch noch weitaus größeren) Problem stand vor einigen Jahren auch Josh Brolin mit seiner Verkörperung von George W. Bush in Oliver Stones W. Hopkins imitiert Hitchcocks Sprache, seine Bewegungen und einige seiner bekannten Eigenarten, doch er verschwindet nicht in seinem Charakter wie Daniel Day-Lewis es in Lincoln und Jamie Foxx es in Ray gelang. Es ist eine tolle Imitation, keine Frage, doch es bleibt eine Imitation. Ich bezweifle allerdings, dass ein anderer Schauspieler hier Besseres geleistet hätte.
Es klingt allerdings schwerwiegender als es sich eigentlich darstellt und ruiniert den Film mit Sicherheit nicht. Das liegt auch daran, dass Helen Mirren hier erneut eine Top-Leistung als Hitchcocks leidende Frau Alma Reville abliefert. Ein von Hitchcock überliefertes Zitat wird hier sehr zu Herzen genommen: „Mit Ihrer Erlaubnis möchte ich nur vier Menschen namentlich nennen, die mir die größte Zuneigung, Wertschätzung, Ermutigung und die ständige Bereitschaft, mit mir zusammenzuarbeiten, zuteilwerden ließen. Die erste dieser Personen ist eine Cutterin, die zweite eine Drehbuchautorin, die dritte ist die Mutter meiner Tochter Pat [Patricia Hitchcock] und die vierte eine grandiose Köchin wie eh und je, […]. Und all diese Personen heißen Alma Reville.“. Mirren und dem Drehbuch geling es, diese enorme Wichtigkeit, die Reville in Hitchcocks Leben einnahm, überzeugend rüberzubringen. Mirren hat natürlich den großen Vorteil, dass im Gegensatz zu Hitchcock die meisten kein klares Bild von seiner Ehefrau haben, was ironischerweise wiederum darauf hindeutet, warum es wichtig ist, ihre Rolle zu betonen. Hin und wieder hat man das Gefühl, diese Performance von Mirren bereits gesehen zu haben, beispielsweise als Tolstois Gattin in Ein russischer Sommer, aber es ändert dennoch nichts daran, dass es einfach Spaß macht ihrer leidenschaftlichen und zugleich verletzlichen Performance und ihrem Schlagabtausch mit Anthony Hopkins zuzusehen. Nach Ein russischer Sommer und Hitchcock, kann man nur hoffen, dass Mirren ab jetzt nicht in die Schublade der leidenden Ehefrau eines großen Künstlers gesteckt wird.
Wer allerdings den Film sieht, um mehr über Hirchcocks Genie und Wahnsinn zu erfahren, wird enttäuscht sein. Im Gegensatz zur letztjährigen HBO-Produktion The Girl (um den Dreh von Hitchcocks Die Vögel) mit Toby Jones und Sienna Miller in den Hauptrollen, werden nahezu alle dunklen Seiten des Filmemachers ausgelassen. Überhaupt erfährt man wenig darüber, wie Hitchcock tickt und wie er auf die vielen seiner großartigen Ideen kam (die ihm nicht von Reville empfohlen wurden). Es ist amüsant hinter die Kulissen der berühmten Duschszene von Psycho zu blicken, doch man erfährt dadurch nichts über den Künstler. In dieser Hinsicht beschränkt sich der Film nur auf einige kleine Momente (Hitchcock bespannt seine Blondinen durch ein Guckloch in der Garderobe, isst heimlich viel Foie Gras und wird schnell ungeduldig). Den einzigen vertieften Einblick bieten Hitchcocks imaginäre Unterhaltungen mit Ed Gein (Michael Wincott), die von Publikum mit Sicherheit gespalten aufgenommen werden. Am Ende ist Psycho im Kasten, wird ein großer Erfolg und die Wogen mit Alma sind geglättet (hoffentlich fühlt sich nun niemand gespoilert), doch Hitch bleibt nach wie vor ein Mysterium. Aber vielleicht würde das ja auch dem echten Hitchcock gefallen.
