The Neon Demon, USA/F/DK 2016 • 117 Min • Regie: Nicolas Winding Refn • Drehbuch: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham • Mit: Elle Fanning, Karl Glusman, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Desmond Harrington • Kamera: Natasha Braier • Musik: Cliff Martinez • FSK: ab 16 Jahren • Verleih: Koch Media • Kinostart: 23.06.2016 • Facebook-Seite
Eigentlich hat man es ja schon immer geahnt: Das Grauen in der Welt kommt aus den Modemagazinen. Und während Heidi Klum das hiesige Fernsehpublikum mit "Germany’s Next Topmodel" terrorisiert, schickt sich Nicolas Winding Refn mit seinem ersten Horrorfilm „The Neon Demon“ an, die Ängste vor zickigen Laufsteg-Häschen noch weiter zu provozieren. So wirklich aufgehen will dem „Drive“-Regisseur sein Projekt jedoch leider nicht. Glatt und oberflächlich sind nicht nur seine Pro- oder Antagonistinnen ausgearbeitet, auch die schicke Werbeästhetik ertränkt die wohl angedachte, schmerzende Milieu-Satire gnadenlos in klebrigem Glitzer und Flutlicht. Es mangelt an Biss, Energie und Aggression. Da schwadronieren die narzisstischen Charaktere im gefühlten Minutentakt über die Bedeutung von Schönheit und man fragt sich irgendwann: Haben diese Leute eigentlich noch andere Probleme? Beziehungsweise: Wen interessiert es überhaupt?
Ohne besonderes Talent und lediglich mit einem attraktiven Äußeren gesegnet – so betrachtet sich die blutjunge Jesse (blass: Elle Fanning), die den Einstieg in die Modelwelt von L.A. schaffen will, selbst. Bis sie schließlich die Makeup-Stylistin Ruby (Jena Malone) kennenlernt, die sie in die Szene einführt und mit ihrer Clique bekannt macht. Neid wird geschürt, denn während der Neuen der Start aus dem Sprung gelingt, zieht beispielsweise die verbitterte Sarah (Abbey Lee) beim Casting den Kürzeren. Gemäß dem Motto "Rache ist Blutwurst" werden solche Konflikte um die Schneewittchen-Frage nicht bei einer gemeinsamen Shopping-Tour gelöst, sondern gehen richtig ans Eingemachte. Außerdem gibt es da noch die Agentin Jan (Christina Hendricks), die mit Nachdruck darauf besteht, dass die minderjährige Newcomerin sich stets als Neunzehnjährige ausgibt, einen rumfummelnden Fotografen (verwegen: Desmond Harrington) sowie einen zwielichtigen Motel-Besitzer (unrasiert: Keanu Reeves) mit wenig Verständnis für seine Gäste. Die Lage für Jesse stellt sich im weiteren Verlauf als deutlich unkomfortabel heraus …
Es ist schon interessant zu beobachten, mit welcher Beharrlichkeit Nicolas Winding Refn sein Renomee, das er spätestens seit seinem Regie-Sieg in Cannes 2011 genießt, sabotiert: Auf den Kritiker-Liebling „Drive“ folgte mit dem bildstarken „Only God Forgives“ (2013) ein Werk, welches man wohlwollend als selbstverliebte, ultraprätentiöse Grütze bezeichnen konnte. Auch wenn sich diese Beschreibung bereits auf dessen, ähm, spezielles Wikinger-Abenteuer „Walhalla Rising“ (2009) anwenden ließ, scheint es der Däne inzwischen immer mehr zu genießen, sein Publikum mit allerhand kruden Ideen und einer sperrigen Montage absichtlich vor den Kopf zu stoßen. In Anbetracht von „The Neon Demon“ ist der Gedanke an eine unheilige Allianz von Neo-Exploitologen Eli Roth mit Skandal-Papst Lars von Trier nicht zu weit hergeholt. Das Resultat ist ein sich leider noch zu ernst nehmendes Stück Trash, das vermutlich von einigen als Kunst tituliert wird, nur weil die Gestaltung edler anmutet als die grenzwertigen Auswüchse eines Joe D’Amato („Buio Omega“).
Vampirismus, Kannibalismus, Nekrophilie und die Legende um die „Blutgräfin“ Elisabeth Báthory fährt Winding Refn auf, um am Ende der Gier nach ewiger körperlicher Jugend Ausdruck zu verleihen. Nur die Qualität der Hülle zählt. So auch beim Film selbst, der sich etwa eine Stunde lang in Style-over-Substance-Eskapaden mit unerträglichen Dialogen wälzt, um dann in der zweiten Hälfte (die Spielzeit ist eindeutig zu lang geraten) aus dem Ruder zu laufen und sich in morbiden Fantasien – nun ja – zu baden. Auch wenn sich der Regisseur und Co-Autor, wie beim Vorgänger, gelegentlich in elendig langen Einstellungen verliert und außer dem reichlich belanglosen Blick auf den Schönheitskult wenig bis nichts zu erzählen hat, ist „The Neon Demon“ ein unterhaltsameres Output als der äußerst zähe „Only God Forgives“ geworden. Wenn das Geheimnis letztlich jedoch gelüftet ist, werden sicherlich viele Zuschauer ernüchtert auf das Werk zurückblicken: Mehr als einen Sturm im Wasserglas, der sich obendrein grundlos mysteriös aufbauscht, bekommt man hier nämlich nicht geboten.
Hätte sich NWR (die Initialen Winding Refns werden beim wirklich eleganten Vorspann direkt als Branding abgebildet), abgesehen von zwei indiskutabel grotesken Szenen, mehr getraut, hätte aus „The Neon Demon“ zumindest eine wahrhaft wilde filmische Obskurität werden können. Zu zahm und sauber für echten Horror, zu pervers und hohl für anspruchsvolle Kinogänger, wird es diese enttäuschend wenig spannende oder involvierende Genrearbeit nicht gerade leicht an den Kassen haben. Aber auch das dürfte aktuell wohl zum (Anti-)Konzept des Regisseurs gehören.
Trailer
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Eine wirkliche Berechtigung hat Thomas Alfredsons Old-School-Agenten-Thriller in dieser Kollektion nicht unbedingt, da Hardy als Ricki Tarr nur eine kleinere Rolle hat. Die paranoide Schachfigur im Schatten mimt er jedoch mit einer nuancierten Nervosität. Ganz im Gegensatz zum stark zurückhaltenden Film selbst. Mit einem feinen Auge inszeniert und verschachtelt Tomas Alfredson seine überaus komplexe Intrigen-Story punktgenau und überaus kalkuliert. Hoyte van Hoytemas (
Nach der Pusher-Trilogie und vor überheblichen Fehlversuchen wie Walhalla Rising und Only God Forgives drehte Nicolas Winding Refn seinen besten Film. Nicht 
„Ivan Locke.“ Nach der Arbeit steigt er in sein Auto und fährt los. Geradeaus, nur geradeaus. In den nächsten 80 Minuten werden wir bei ihm sein. Einem Mann, der ehrlich und richtig handelt und dem einen Fehler, den er begangen hat, der nun droht, seine gesamte Existenz auf den Kopf zu stellen. Das Autotelefon ist pausenlos in Benutzung, Ivan muss das wichtigste Projekt in seiner Karriere fernsteuern, sein Job steht auf der Kippe, seiner Familie muss er etwas beichten und seinen Ausrutscher handhaben. Stolpert von einem Telefonat und Gefühlsextrem ins andere. Steven Knights Inszenierung hält den Zuschauer auch visuell durchgehend am Haken. Alles unterwirft sich einer emotionalen Logik, der die ausgangslose und absolut nachvollziehbare Motivation des Protagonisten zugrunde liegt, angeführt von einem Tom Hardy in Hochform. Mit No Turning Back hat die deutsche Titelgebung zur Abwechslung den Nagel auf den Kopf getroffen und beschreibt die Agenda des stetig treibenden Kammerspiels mit tief emotionalen Kern, großartigen Darsteller und fantastischen Score. 84 Minuten Emotionen. 4,5/5
Das Tom Hardy Box-Set ist seit dem 12. Mai 2016 im Verleih von Studiocanal erhältlich und enthält die drei Spielfilme in einem Schuber.
"Zumindest können wir uns darauf einigen, dass der dritte in der Regel der schlechteste ist", beteuert die junge Jean Grey (Sophie Turner aus "Game of Thrones"), nachdem sie gemeinsam mit anderen jungen Mutanten Die Rückkehr der Jedi-Ritter gesehen hat. Mit Sicherheit als Bryan Singers und Simon Kinbergs (gerechtfertigte) Stichelei gegen Brett Ratners X-Men – Der letzte Widerstand gedacht, entbehrt dieser Satz nicht einer bitteren Ironie. Es wird nicht die erste, nicht einmal die zehnte Filmkritik sein, die mit diesem Zitat beginnen wird, doch wenn der Film eine solche Meta-Steilvorlage bildet, die sogar Deadpool anerkennend nicken lassen würde, wie kann man da widerstehen? Auch X-Men: Apocalypse ist der dritte Film einer neuen Trilogie und wird den hohen Maßstäben seiner beiden Vorgänger ebenfalls nicht gerecht. Mit dem erfrischend lockeren, stylischen und dennoch sehr auf seine Charaktere bedachten X-Men: Erste Entscheidung wurde das Franchise vor fünf Jahren aus der Asche von X-Men – Der letzte Widerstand und X-Men Origins: Wolverine wiedergeboren. Mit dem ambitionierten und zwei Zeitebenen umspannenden 
Neben einigen Ähnlichkeiten zu Der letzte Widerstand ist X-Men: Apocalypse hauptsächlich ein Spiegelbild von Erste Entscheidung, eine Tatsache, die Bryan Singer mit so vielen Flashbacks zu einigen großartigen Szenen aus dem Film unterstreicht, dass man sich fragt, wieso es nicht einfach zu Beginn eine "Was bisher geschah"-Montage gibt, um vergesslichen Zuschauern den Einsteg zu erleichtern. Der gesamte Aufbau findet sich hier in leicht abgewandelter Form wieder. Charles ist immer noch der naive Idealist, der fest an das Gute in seinem alten Freund und in der Menschheit glaubt. Fassbenders Erik schreibt das Drehbuch einen weiteren Schicksalsschlag vor, der ihn wieder mit Wut und Rachegelüsten erfüllt und Mystique zweifelt wieder einmal an ihrem Platz und ihrer Rolle in dieser Welt. Junge, unerfahrene Mutanten müssen in den Kampf gegen einen übermächtigen Mutanten ziehen. Dieser handelt ohne klar erkennbare Motivation, hat lediglich das Ziel, die Welt in Schutt und Asche zu legen, ohne sich die „Und was dann?“-Frage zu stellen, und in seinem Plan spielen Nuklearwaffen eine Rolle. Man muss nicht tief in die Analyse gehen, um die Ähnlichkeiten in der Konstellation zu finden. Darüber hinaus flammen wieder die romantischen Gefühle zwischen Charles und Rose Byrnes CIA-Agentin Moira MacTaggert auf, die das Geheimnis der ewigen Jugend gefunden zu haben scheint und 20 Jahre nach den Ereignissen auf Kuba kein bisschen gealtert ist (eine Tatsache, die das Drehbuch immerhin mit einer Bemerkung anerkennt). Dies sorgt für einige amüsante Momente zwischen McAvoy, Hoult und Byrne, insbesondere da sich Moira dank Charles’ Gedankenmanipulation an ihre gemeinsamen Abenteuer aus den Sechzigern nicht erinnern kann. Doch wie auch die halbherzig aufgegriffene Beast/Mystique-Romanze, verläuft diese Geschichte ins Nichts. Abgesehen vom coolen Einsteig ihrer Figur, ist Byrnes resolute Agentin im neuen Film leider deutlich zahmer geworden, doch ein Wiedersehen ist dennoch sehr willkommen.
Wenn sich der Text bislang auch überwiegend negativ liest, so liegt es hauptsächlich an der hohen Messlatte, die Bryan Singer mit den vier Filmen, an denen er als Regisseur oder zumindest Produzent maßgeblich beteiligt war, vorgelegt hat, denn auch hier gibt es wieder viel zu loben. War sie in seinem allerersten X-Men noch etwas holprig, beherrscht Singer die Inszenierung der Actionszenen mittlerweile meisterhaft. Alle Rädchen im Film drehen sich hauptsächlich, um auf den größten Showdown der X-Men-Filmgeschichte hinzuarbeiten. Dieses Versprechen wird auch eingehalten. Trotz des üblichen CGI-Overkills, den man bei solchen Kämpfen erwarten würde, gibt es viele visuell großartige Einfälle im finalen Endkampf, die viele Comicfans jubeln lasen werden, wenn einige ihrer Lieblingsfiguren ihre Kräfte voll entfalten. Eine bestimmte Szene wird sicherlich nicht nur bei mir für echte Gänsehaut gesorgt haben. Leider ist das Finale nicht so emotionsgeladen wie in Erste Entscheidung oder 
Schauspielerisch macht sich die neue "alte" Garde am besten und zeigt wieder einmal, was für ein Besetzungscoup Matthew Vaughn mit Erste Entscheidung gelungen war. Wie schon bei seinem ersten Auftritt in der Rolle, ragt Michael Fassbender aus dem großen Ensemble heraus. Er spielt den Part in jeder seiner Szenen so voller Hingabe und lässt den Schmerz, die Wut und die Zerrissenheit von Magneto so spürbar werden, dass er über die dramaturgischen Schwächen seiner Charakterentwicklung, die sich seit Erste Entscheidung in Kreisen zu drehen scheint, leicht hinwegsehen lässt. Als sei sein Leid noch nicht deutlich genug für die Zuschauer, erinnert uns der Film auf eine leicht fragwürdige, aber dennoch effektive Weise an den Tod seiner Mutter im Konzentrationslager. McAvoy und Lawrence ziehen sich ihre Rollen wieder wie eine zweite Haut über, wobei der Status von Lawrence als größter Name in der Besetzung auch dazu geführt hat, dass sie ihre bislang größte Rolle übernehmen darf und diese über weite Strecken auch ohne blaues Makeup spielt.
Etwas gemischter sieht es bei den Franchise-Newcomern aus. Kodi Smit-McPhee ist perfekt als Nightcrawler und bringt die ansonsten eher rar gesäten Humor und Leichtigkeit in den Film. Tye Sheridan und Sophie Turner bleiben als Cyclops und Jean Grey dafür eher blass und verdrängen die alte Besetzung der Rollen nicht so schnell aus dem Gedächtnis, wie es Fassbender, Lawrence und McAvoy einst mit ihren Charakteren gelungen ist. Gerade Turner scheint trotz optischer Passung von der interessant angelegten Rolle etwas überfordert zu sein. Derweil sind die drei Neulinge in den Rängen der Bösen nichts weiter als eindimensionale Handlanger, Mittel zum Zweck für spektakuläre Kampfeinlagen, und bekommen keinerlei Entwicklung oder Hintergründe. Immerhin macht Olivia Munn als Psylocke eine in jeder Hinsicht imposante Figur und sieht in jeder Szene aus, als sei sie gerade den Comicseiten entsprungen. Hier bleibt zu hoffen, dass sie im unvermeidlichen nächsten Film einen interessanteren Part haben wird als Badass-Ninja ohne Überzeugungen oder Motivationen.
Es liegt aber wieder an Evan Peters’ Quicksilver, in die Geschehnisse hineinzurasen und allen prompt die Show zu stehlen. Nachdem seine Küchenszene in 
Ein halbes Jahr nach dem Kinostart von James Camerons 3D-Kassenschlager Avatar – Aufbruch nach Pandora schloss sich Disney mit der losen Adaption von Lewis Carrolls Klassiker Alice im Wunderland der neuen Filmwelle an. Kein anderer als Tim Burton (abgesehen von Guillermo del Toro der perfekte Mann für dieses Ausgangsmaterial) nahm den Platz auf dem Regiestuhl ein, durfte dort offensichtlich aber nur wenig selbst bestimmen. Von dem Visionärgeist, den man von Burton zumindest bis zu diesem Punkt gewohnt war, steckte merkbar wenig in Alice im Wunderland. Allein in der Ausstattung konnte man aber noch ausmachen, dass es sich um einen Burton-Film handelte. Das halbwegs solide Drehbuch (Linda Woolverton) übertraf locker das, was man an Inszenierung geboten bekam. Wie auch im Vorgänger bedient sich selbige Drehbuchautorin wieder an Details aus Carrolls Roman und dessen Fortführung, um sich stückchenweise ihre Weitererzählung aufzubauen.
Nachdem Alice (Mia Wasikowska) auf ihrem Schiff drei Jahre auf Expedition war, muss sie feststellen, dass ihre Mutter (Lindsay Duncan) sich von der Familie ihres Beinahe-Ehemanns aus dem ersten Teil (Leo Bill) zu einem Deal überreden lassen hat, der Alice ihr Schiff und damit ihre Zukunft kosten könnte. Außerdem ist Schiffskapitän sowieso kein Job für eine Frau. Ein Streit entzweit die beiden und Alice wird kurz danach zurück ins Wunderland manövriert. Ein weiteres Abenteuer beginnt, bei dem Alice sich wieder von der Unterdrückung ihrer Persönlichkeit freimachen muss. Zielstrebig stößt Alice im Wunderland: Hinter den Spiegeln dabei feministische Untertöne an und entwickelt den Appell des Vorgängers damit wirkungsvoll weiter. Auch die sentimentale Disney-Botschaft wird wieder metaphysisch, wenn auch plakativ, in die Erzählung eingearbeitet. Alice muss sich doppeldeutig mit der Zeit (Sacha Baron Cohen) und den Folgen von Taten auseinandersetzen und viele wichtige Zeigefinger-Lektionen lernen.
Als Alice durch den Spiegel ins Wunderland taucht, sieht es schon fast aus, als hätte man der tristen, leblosen Welt aus dem ersten Film endlich etwas Leben eingehaucht. Der Effekt ist jedoch nur von kurzer Dauer und nur im Kontrast zum toten blau-grau des Vorläufers einigermaßen spürbar. Doch zum zweiten Mal begrüßt uns Disney im seelenlosen CGI-Wunderland, wo Emotionen kalt und aufgesetzt sind, und die Fantasie aus Computer-Codes besteht. Es macht nicht einmal Spaß, sich diese Effekte anzuschauen. Sechs Jahre nach der anfänglich genannten CGI-Kinorevolution ist es nicht mehr beeindruckend, riesige, komplett animierte Welten zu sehen, die zudem nicht einmal glaubhaft sind. Jede reale Person setzt sich immens vom Knetesumpf ab. Neben den zumindest recht amüsanten Gags (wieder knuddelig und lustig: Tweedledee und Tweedledum) ist es zwischendurch auch zum Lachen grotesk, wenn sich beispielsweise Baron Cohen (Borat) mit Werner-Herzog-Akzent, merkbar im Greenscreen stehend, an einer Art (im Film fliegenden) Wippkarren abmüht.
Vergangenen Montag und Dienstag hatte ich die einzigartige Gelegenheit, in London die Pressekonferenz anlässlich der großen Europapremiere von 
Trotz der starkräftigen Besetzung vor Ort ging ein großer Teil der Fragen an Kevin Feige, denn er ist schließlich das Superhirn hinter dem Marvel Cinematic Universe, wie wir es kennen (und zudem stand er als einer der wenigen später nicht für Einzelinterviews zur Verfügung). So erzählte er, dass die Idee, die "Civil-War"-Storyline aus den Comics filmisch umzusetzen, zum ersten Mal vor etwa zehn Jahren aufkam, gerade als Marvel Studios noch im Aufbau war und die Comicreihe publiziert wurde. Allerdings habe er sich damals nicht träumen lassen, dass man irgendwann in der Lage sein würde, tatsächlich eine Verfilmung auf die Beine zu stellen. Erst vor zweieinhalb Jahren wurde es konkret und man hatte das Gefühl, genug Charaktere im Kino eingeführt zu haben, um "Civil War" auf der Leinwand gerecht zu werden. Zudem verriet Feige, dass die Idee, Black Panther in dem Film einzuführen, relativ früh im Entwicklungsprozess aufkam. Er wollte einen Charakter in dem Film, der weder auf Captain Americas noch auf Iron Mans Seite steht, sondern eine eigene Agenda verfolgt. Eine Frage fand Kevin Feige besonders interessant, und zwar, welcher Superheld seiner Meinung nach in der realen Welt die meisten Probleme lösen könnte und gab die diplomatische Antwort, dass es eine Führungsperson wäre, die die Moral von Tony Stark und Steve Rogers in sich vereinen würde. Für Paul Bettany war die Antwort hingegen offensichtlich: natürlich ist es The Vision, denn er ist schließlich allmächtig und kann sogar Thors Hammer heben. Robert Downey Jr. nominierte stattdessen Hawkeye, weil er alle zehn Minuten in den Ruhestand zieht, wenn es ihm zu stressig wird.
Eine der cleversten Fragen der Pressekonferenz wurde an die beiden Regisseure Joe und Anthony Russo gerichtet und betraf Spider-Mans Einführung in den Film, die in gewisser Hinsicht als Tonys Rekrutierung eines Kindersoldaten gesehen werden könnte. Nach einem kurzen Augenblick der Verdutztheit, erklärte Russo, dass Peter Parker in dem Fall wohl der mächtigste Kindersoldat der Welt wäre. Für Tony sei er die stärkste nicht-tödliche Waffe, die es gibt. Der narzisstische Teil von Tony will den Kampf unbedingt gewinnen und sieht Spider-Man als seine Gelegenheit dazu, sorgt sich aber dennoch um ihn und ermahnt ihn, im Kampf Distanz zu bewahren. Dennoch sei Tonys Verhalten tatsächlich sehr unverantwortlich, ergänzte Anthony Russo, um die durchaus heikle Frage möglichst diplomatisch zu beantworten. Anthony erzählte außerdem, dass Joe und er sich als Action-Fetischisten sehen. Jedoch muss die Action, egal wie fulminant sie ist, die Geschichte und die Charaktere vorantreiben, ansonsten sei es nur stumpfsinnige Action, von der die Zuschauer nicht mehr als 30 Sekunden ertragen können, ohne sich zu langweilen. Stattdessen soll sie dabei helfen, den Zugang zu den Figuren auf eine dynamische Art und Weise zu finden. Davon könnten sich so manche Filmemacher eine Scheibe abschneiden, würde ich sagen.
