Quelle: Deadline
Sinister gehört für mich zu den stärksten Horrorfilmen des vergangenen Jahres und zeigte erneut, wie man ohne viel Effekthascherei effektiv nachhaltigen Schrecken erwecken kann. In dem Film ging es um einen Autor (gespielt von Ethan Hawke), der mit seiner Familie ein Haus bezieht, in welchem zuvor eine Familie Opfer grausamer Morde wurde. Dabei entdeckt er eine Reihe von Video-Tapes, die nahelegen, dass übernatürliche Kräfte daran beteiligt waren.
Bei einem Budget von nur knapp $3 Mio spielte Sinister weltweit fast $78 Mio ein. Klares Zeichen – ein Sequel muss her. Dieses wird wohl schon bald kommen, und zwar vom gleichen Team, das uns den ersten Film gebracht hat. Scott Derrickson und C. Robert Cargill schreiben erneut das Drehbuch. Ob Derrickson bei Sinister 2 wieder den Platz auf dem Regiestuhl einnehmen wird, ist noch unklar.
Oz liegt am Ende des Regenbogens – oder vielleicht gar auf der anderen Seite der Kinoleinwand: Regisseur Sam Raimi nutzt alle Möglichkeiten der modernen 3D-Technik, um uns in seinem Fantasyabenteuer „Die fantastische Welt von Oz“ mitten in die von L. Frank Baum erdachte Zauberwelt zu entführen. Dieser Film basiert dabei jedoch nicht direkt auf einem Werk des berühmten US-Schriftstellers, sondern spinnt eine Vorgeschichte zu dessen Kinderbuch-Klassiker „Der Zauberer von Oz“ von 1900. Wir lernen zu Beginn den Zirkusmagier Oscar Diggs (James Franco), kurz Oz genannt, kennen, der irgendwo im tristen Kansas sein Publikum mit billigen Tricks bei der Stange hält – er verkauft Illusionen, aber zu wahrer Magie ist er nicht imstande. Auf der Flucht vor Verantwortung und einem aufgebrachten Pöbel, gerät sein Ballon in ein finsteres Unwetter, das sein Leben zwar verschont, aber ihn in eine eigentümliche Landschaft katapultiert. Von der Hexe Theodora (Mila Kunis) bereits sehnlichst erwartet, erfährt er, dass dieses bunte Reich seltsamerweise seinen Namen trägt und er womöglich der lang erwartete Zauberer sein könnte, der die dortige Smaragdstadt von dem Schrecken einer weiteren Hexe befreien soll. Anstelle des flinken Reichtums erwartet Oz ein Abenteuer voller Gefahren, neuer Gefährten und einer unerwarteten Wendung …
In einer Szene des Films berichtet Oz, was wahrer Zauber für ihn bedeutet. Er findet diesen beispielsweise in den Arbeiten von Thomas Edison, der die Welt mit der Erfindung des Kinetographen veränderte. An dieser Stelle schlägt das Werk einen sympathischen Bogen und offenbart seinen Zuschauern dabei seine eigene Intention: Es möchte uns mit allen verfügbaren Mitteln der Traumfabrik ins Staunen versetzen, uns ebenfalls in einem magischen Bann gefangen nehmen. Dazu beginnt der hier verantwortliche Kinomagier Raimi mit trister Schwarz-weiß-Gestaltung und einem beengten Normalbild (1,33:1), das sich erst nach der Ankunft von Oz in der surrealen Welt mit knalligen Farben füllt und zum mächtigen Cinemascope-Format (2,35:1) heranwächst. Durch die großen Augen von Oscar-Nominee James Franco („127 Hours“) erleben wir die Reise eines egoistischen Mannes, die ihn letztlich nicht bloß in eine neue Heimat, sondern ebenso zu einer neuen, selbstlosen Aufgabe führt. Die Geschichte hier ist bewusst einfach gestrickt, so dass „Die fantastische Welt von Oz“ trotz der einen oder anderen milden Horroreinlage (der Regisseur ist einst schließlich aufgrund seiner „Evil Dead“-Trilogie zu Weltruhm gelangt) ein vor allem visuell berauschendes Spektakel für Jung und Alt bereithält.
Doch trotz des wunderbaren Auftakts, der für die Zuschauer bereits mit dem liebevoll gestalteten Vorspann vielversprechend beginnt, und des cinephilen Finales, das erneut die bewegten Bilder als wahrhaft mächtiges Instrument etabliert, gibt es auch an dieser insgesamt unterhaltsamen und inszenatorisch beeindruckenden Arbeit Schwachstellen zu verkünden: So viel Spaß man nämlich anfangs mit all den menschlichen wie unmenschlichen Charakteren (am meisten werden neben dem charismatischen Oz sicherlich der von „Scrubs“-Star Zach Braff gesprochene, fliegende Affe Finley und die lebendige Porzellanpuppe China Girl im Gedächtnis haften bleiben), der aufwändigen 3D-Gestaltung und dem klassischen Märchenrahmen hat, so sehr leidet der Film im Mittelteil spürbar an erzählerischem wie innovativem Leerlauf. Sam Raimi ist stets dann voll in seinem Element, wenn er bei diesem Stoff over the top schießen darf und das manchmal etwas enge Hollywood-Korsett, das er spätestens seit seinen drei „Spider-Man“-Filmen kennt, genüsslich auszudehnen vermag. Konventionen, wie ein Auge auf das Zielpublikum und eine möglichst niedrige Altersfreigabe, standen ihm möglicherweise im Weg, um eine ganz persönliche Vision jener populären Fantasiewelt umzusetzen.
„Die fantastische Welt von Oz“ ist dabei sicherlich kein solch halbherziges Projekt wie etwa Tim Burtons phänomenal erfolgreiche Verfilmung von Lewis Carrolls „Alice im Wunderland“ (2010), aber auch hier hätte ein wenig mehr Mut zum Ausbruch aus altbekannten Strukturen nicht geschadet. Sicherlich, formal ist das alles sauber, doch der letzte Kick zum ganz großen Kinohighlight fehlt irgendwie. Das könnte eben daran liegen, dass sich der heraufbeschworene Leinwandzauber dann zu technisch, klinisch, perfekt anfühlt – es fehlt streckenweise an ablenkender Spontanität, so dass man schließlich doch die gespannten Drähte auf der Bühne wahrnimmt. Und das ist ein wenig schade, hätte doch gerade eine so grenzenlose Träumerei wie Baums Kreation einen noch viel ungezügelteren Ursprung verdient.
Bevor nun aber ein zu negativer Eindruck entsteht, sei abschließend noch einmal angemerkt, dass „Die fantastische Welt von Oz“ als potentieller Frühlingsblockbuster eine durchaus ansehnliche Figur macht. James Franco gelingt es, seinen Charakter eben nicht als typisch-aalglatten, strahlenden Helden zu interpretieren, sondern das Publikum aufgrund der schelmischen Darstellung bis zum Schluss in einer spannenden Ungewissheit bezüglich dessen edler Absichten zu lassen. Die Abenteuer, die sich jenseits des gelben Ziegelsteinweges zutragen, halten das, was man eben von einer solchen Großproduktion erwarten darf. Ja, Raimis Film ist ein Kompromiss zwischen einem kreativen Geist und wirtschaftlicher Kalkulation – das kann niemand abstreiten. Und so ist es auch mit „Der Herr der Ringe“, „Harry Potter“ und Co gewesen. Ein offenes Geheimnis. Hier kauft man ein Ticket, von dem man sich Spaß und ein paar eskapistische Stunden erhofft. Es funktioniert. Im ersten und letzten Drittel allerdings besser als im etwas dahindümpelnden, kraftlosen Mittelteil. Ein Gefühl von Kinomagie und ein zufriedenes Grinsen überkommen einen am Ende tatsächlich.
Ein Problem des bitteren Dramas ist zunächst, dass dem Regisseur keine zufriedenstellende Exposition gelingen will: Die Beziehungen der Figuren zueinander werden skizziert, an Konturen fehlt es allerdings. Wenn Vinterberg beispielsweise am Ende des Films hervorbringt, dass Lucas und Theo (Thomas Bo Larsen), Klaras Vater, seit ihrer Kindheit enge Freunde sind, überrascht dies doch sehr und mag nicht recht mit den vorherigen, emotional völlig unterkühlten Ereignissen harmonieren. Und wenn zu Anfang die gesamte Männerbande nackt im eisigen See badet und kurz darauf gröhlend die Bierkrüge erhebt, fühlt man sich eher an ein Sommerlager, nicht aber an freundschaftlichen Tiefgang erinnert. Anschließende Familienbilder lassen das Blut in den Adern gefrieren und auch sonst lädt hier wenig zum Aufenthalt im tristen dänischen Provinznest ein, in dem der Schrecken wieselflink seinen Lauf nimmt. Das ist in Ordnung, schließlich hat auch niemand im Vorfeld „Die Jagd“ als leichtverdaulichen Kinospaß angepriesen. Die Zuschauer sollen gefordert, schockiert, zum Denken angeregt werden – das ist Arthouse, nicht Tinseltown.
Ärgerlich ist es dann allerdings, wenn einen das präsentierte Geschehen nie wirklich packt und involviert. Wenn einen die ungekünstelten Aufnahmen schlicht kalt lassen, weil sich ihr Inhalt so fern und unwirklich anfühlt. Lucas ist ein Sympathieträger und wird von Mads Mikkelsen, der auf den letztjährigen Filmfestspielen von Cannes für seine Darstellung völlig zu Recht ausgezeichnet worden ist, spürbar natürlich verkörpert. Das, was ihm und später seinen Angehörigen (sein jugendlicher Sohn Marcus hält als einer der wenigen bedingungslos zu ihm) angetan wird, ist extrem grausam und hinterhältig. Doch wie konnte es überhaupt ohne jeglichen vorherigen Dialog zu so viel Hass gegen seine Person kommen? Wohlgemerkt von Menschen, die er – wie Vinterberg arg unglücklich vermittelt – bereits sein Leben lang kennt. Lucas leistet nie Widerstand und lässt sich herumschubsen, das ist sein Platz in der Gemeinde. Und riecht das nicht etwas stark nach ausgelutschtem Klischee in einem Film, der uns eigentlich ein Stück Wahrheit nahebringen möchte? Was sich dann letztlich anschließen soll, ist Lucas' Auferstehung als ein Mann, der für sich eintritt. Wenn nötig mit Gewalt. Kurz: Dogma 95 trifft auf Sam Peckinpahs „Straw Dogs“ (1971) – und diese Hochzeit mag nicht recht funktionieren.
„Die Jagd“, in dem Thomas Vinterberg nach seinem gefeierten „Das Fest“ ein weiteres Mal das Problem Kindesmissbrauch anschneidet, krankt vor allem daran, dass er etwas Abstraktes – die Hexenjagd auf ein unschuldiges Individuum durch den blinden, tobenden Mob – durch viele konkrete, in sich komplexe Faktoren auszudrücken versucht. Der Mob, das sind Personen, die wir mit Namen vorgestellt bekommen, die mit dem Protagonisten lachen und scherzen und eigene Geschichten besitzen. Eine Lüge wird in die Welt gesetzt, und was dann passiert, ist folgendes: Lucas wird über Nacht wie die Beulenpest gemieden. Seine ehemalige Vorgesetzte entflieht der verbalen Konfrontation gar, wie dem Angriff eines tollwütigen Hundes und auch andere Personen verhalten sich fast so eigenartig, als hätte eine „Invasion der Körperfresser“ stattgefunden. Diese Herde toleriert eines ihrer Schafe einfach nicht mehr, trotzt jeder Vernuft – jedem Anstand – und zerstört sein Leben. Ohne ihm überhaupt vorher in die Augen zu sehen. Der Beschuldigte ist von seiner Unschuld selbst natürlich überzeugt, deshalb reagiert er wohl nicht mit der nötigen Härte. Oder weil er einfach, wie bereits erwähnt, den Widerstand scheut. Er lässt es „passieren“.
Die interessanteste Figur in diesem leider frustrierend-zähen und fragmentierten Werk ist übrigens die von der jungen Annika Wedderkopp gespielte Klara. Das kleine Mädchen ist sich seiner Lüge zwar bewusst, dem Ausmaß dieser aber keineswegs. Es war eine kindliche Träumerei. Klara verirrt sich stets auf ihren Fußwegen, sie benötigt eine klare Linie, die sie führt. Das ist ein durchaus schönes Bild für die Verwirrung in ihrem Kopf – und dieses veranschaulicht obendrein auch, was Vinterbergs Film letztlich fehlt. An engagierten schauspielerischen Leistungen mangelt es nämlich nicht. In der finalen Szene fällt ein Schuss. Dieser soll wohl einfach für etwas stehen. Es ist die Schuld des Regisseurs, dass man im eigenen Kopf nun nach dem Schützen fahndet und die schlichte Bedeutung nicht einfach stehen lassen mag.
