Liebe Filmfutter-Fans und Liebhaber gepflegter Action-Unterhaltung,
Ab heute liegt der neue Actionkracher aus der Produktionsschmiede des europäischen Action-Paten Luc Besson in den deutschen Ladenregalen. Mit Brick Mansions hat Besson erstmals ein Remake eines seiner eigenen Filme produziert, des französischen Actioners Banlieue 13, der hierzulande unter dem etwas unglücklichen Titel Ghettogangz – Die Hölle vor Paris vor zehn Jahren veröffentlicht wurde. Besonders bemerkenswert waren darin die atemberaubenden Action-Einlagen des Parkour-Mitbegründers David Belle. Damit es auch in der Neuverfilmung nicht daran mangelt, wurde Belle in der gleichen Rolle wieder besetzt. An seiner Seite ist der letztes Jahr tödlich verunglückte Fast-&-Furious-Star Paul Walker in seiner vorletzten Filmrolle zu sehen.
Den Heimkinostart von Brick Mansions nahmen wir uns zum Anlass genommen, mit einigen Blogger-Kollegen uns für ein neues Bloggerspecial einer Fragestellung zu widmen. Dabei ging es darum, unser Lieblings-Stadtviertel, das in Filmen von Kriminalität beherrscht wird, zu beschreiben und zu erklären, wie wir dort zurechtkommen würden.
Ich muss sagen, dass ich bei meiner Auswahl etwas geschummelt habe, denn es handelt sich technisch gesehen nicht um ein einzelnes Stadtviertel. Nichtsdestotrotz ist meine erste Assoziation mit einer schlechten Gegend in einem Film die New Yorker Insel Manhattan, und zwar nicht nur irgendwelches Manhattan, sondern Manhattan, wie in John Carpenters Die Klapperschlange (OT: Escape from New York) dargestellt. Die Ausgangslage in Die Klapperschlange ist der in Brick Mansions eigentlich sehr ähnlich. In naher Zukunft wird darin Manhattan von der Außenwelt abgeschottet und zu einer Gefangenenkolonie umgewandelt, in der Verbrecher eine lebenslange Haftstrafe absitzen müssen. Gefängniszellen gibt es nicht, lediglich ein gefährliches Leben auf der Insel, beherrscht von Gesetzlosigkeit und Anarchie.
Wie würde ich mich verhalten? Na, ich würde mich irgendwo verstecken und Ausschau nach einem Mann mit einer Augenklappe halten, der auf den Namen Snake hört. Dann würde ich mich ihm Anschließen und nicht von der Seite weichen. Andererseits, wenn ich das Schicksal seiner anderen Weggefährten im Film bedenke, ist es vielleicht doch keine so gute Idee…
Auch unsere Kollegen haben sich zu diesem Thema Gedanken gemacht. Nachzulesen gibt es die interessanten Beiträge hier:
myofb
Millus.kulando
kinofilmer
Wer nun am Ende unseres Texts angelangt ist, wird natürlich belohnt. Wir verlosen nämlich mit freundlicher Unterstützung von Universum Film ein BluRay-Boxset mit drei von Luc Besson produzierten Actionfilmen: der frechen Actionkomödie From Paris with Love, dem Sci-Fi-Actioners Lockout und dem knallharten Racheactioner Colombiana mit der tollen Zoe Saldana in der Hauptrolle.
Um am Gewinnspiel teilzunehmen, beantwortet einfach nachstehende Frage und hinterlegt bitte zwecks Zusendung der Gewinne eure Kontaktdaten. Eure Daten werden selbstverständlich streng vertraulich behandelt und nicht an Dritte weitergegeben. Viel Glück!
Welcher dieser Filme wurde ebenfalls von Luc Besson produziert?
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Einsendeschluss ist am Sonntag, den 30. November 2014.
Teilnahmeberechtigt sind nur volljährige Personen mit Wohnsitz in Deutschland. Es ist nur eine Teilnahme pro Person möglich. Unvollständige Bewerbungen können leider nicht berücksichtigt werden. Die Mitarbeiter von FILMFUTTER sind von der Verlosung ausgeschlossen.
Viel Glück!
Offizieller Filminhalt:
"Schmelztiegel Brick Mansions, Detroit. Herrschaftsterritorium des Drogenbarons Tremaine (RZA) und Einsatzgebiet von Undercover-Cop Collier (Paul Walker) im Kampf gegen Kriminalität und Korruption. In dem von einer gewaltigen Mauer abgeschotteten Ghetto tobt die tägliche Gewalt. Doch die bekommt eine ganz neue Dimension, als Tremaine in den Besitz einer hochgefährlichen Waffe gelangt, mit der er die ganze Stadt zu vernichten droht. Die wahnsinnige Bedrohung fordert ungewöhnliche Maßnahmen: Im Kampf gegen den Drogenboss vereint sich Collier mit dem Ex-Sträfling Lino (David Belle) zu einem schlagkräftigen Team und ist auf dessen Insiderwissen angewiesen. Der hat eine ganz persönliche Mission – denn Tremaine hat Linos Freundin in seine Gewalt gebracht…"
Heimkinostart: 21.11.2014
Copyright: Bilder und Videomaterial © 2014 Universum Film
Nachdem infolge des Erfolgs von Twilight Verfilmungen von Jugendbuchreihen die Kinos überflutet hatten, haben sich mittlerweile einige wenige dieser Adaptionen als erfolgreiche Kino-Franchises etablieren können, darunter die diesjährigen Die Bestimmung – Divergent und Maze Runner. Dass Die Tribute von Panem all diesen Filmreihen, Twilight eingeschlossen, mehr als eine Nasenlänge voraus ist, beweist auch der dritte Teil der dystopischen Zukunftsvision. Die Tribute von Panem – Mockingjay Teil 1 ist der Auftakt des zweiteiligen Finales der Reihe und das Gefühl der nahenden Endgültigkeit ist im Film durchweg zu spüren. Man sagt, dass bevor alles gut wird, alles noch etwas schlechter werden wird. Am dunkelsten ist die Nacht eben vor der Dämmerung. Ob die Dämmerung im zweiten Teil von Mockingjay nächstes Jahr tatsächlich kommen wird, bleibt noch abzuwarten (und bei werksgetreuer Verfilmung des Romans auch anzuzweifeln), doch im aktuellen Teil geht es auf jeden Fall noch düsterer zu als je zuvor. Mit den Hungerspielen, bei denen Kinder sich gegenseitig töten müssen, als Ausgangspunkt der Reihe, war Die Tribute von Panem nie ein sonderlich heiterer Stoff, doch der neuste Film ist noch grimmiger, fieser und schonungsloser. Dissidenten werden vor laufender Kamera erschossen, ein Lazarett wird zerbombt, unsere Heldin geht durch ein Feld von menschlichen Skeletten – Mockingjay ist so düster und erwachsen, wie vermutlich keine Jugendbuchverfilmung zuvor. Dadurch, dass die Handlung nahezu gänzlich außerhalb des farbenprächtigen Kapitols und stattdessen im unterirdischen Komplex der Rebellen oder in den Ruinen von Kriegsgebieten spielt, wird Grau zur dominanten Farbe des Films und reflektiert dessen Grundstimmung.
Unterstützt wird Lawrence dabei von einem bis in die kleinen Nebenrollen toll besetzten Cast, doch noch mehr denn je geraten alle anderen Schauspieler hier in den Hintergrund, um die Bühne für Lawrence zu räumen. Den größten Eindruck hinterlassen der Neuzugang Julianne Moore und Donald Sutherland, dessen Bösewicht hier präsenter und bedrohlicher denn je wirkt, wobei Sutherland sichtlichen Spaß an der doch recht eindimensionalen Rolle zeigt. Aber auch Moores Figur sammelt als Anführerin der Rebellen mit ihrer Mischung aus unterkühlter Distanziertheit und eiserner Entschlossenheit keine Sympathiepunkte. Ihr Charakter verspricht im kommenden Film noch interessanter zu werden und ich kann mir jetzt schon keine bessere Besetzung als Moore vorstellen. Einige glänzende Momente bekommt auch Elizabeth Banks in dem Film, diesmal befreit vom tonnenschweren Makeup, Perücken und extravaganten Kleidern. Deutlich reduziert sind hingegen die Rollen von Woody Harrelson, Josh Hutcherson und von den meisten Newcomern des zweiten Films. Insbesondere im Falle von Jena Malone ist das schade, die nach ihrem energiegeladenen Auftritt in 
Wie es seit Harry Potter mittlerweile bei solchen Mega-Franschises schick geworden ist, wurde auch hier der finale Roman zweigeteilt. Konnte man das bei Harry Potter noch aufgrund der schieren Fülle des letzten Buches durchaus nachvollziehen, war dies einer meiner größten Vorbehalte gegen Mockingjay Teil 1 und tatsächlich ist dies auch eine der größten Schwächen des Films. Bereits bei Harry Potter merkte man, dass der erste Teil von Die Heiligtümer des Todes etwas langsamer daherkam, während Teil 2 sich wie ein Showdown ohne Anfang und Mitte angefühlt hat. Nur zusammen ergaben die Teile den Eindruck eines kompletten Films und ich bin voller Zuversicht, dass die beiden Teile von Mockingjay gemeinsam ein richtig tolles Finale der Panem-Reihe abgeben werden, doch es wäre auch mit einem zweieinhalbstündigen Film getan gewesen. Die Macher des Films haben sich alle Mühe gegeben, damit Mockingjay Teil 1 nicht langweilig wirkt und hatten damit auch Erfolg, doch man merkt trotzdem schnell, dass der Film eigentlich nur etwa eine Stunde an Inhalt zu erzählen hat, die geschickt in zwei Stunden hinausgestreckt wurde. Dadurch büßt der Streifen gegenüber seinen Vorgängern an Tempo ein und auf Action wird, mit wenigen Ausnahmen, verzichtet. Die Fans der Buchvorlage wissen natürlich, dass der zweite Teil in diesem Punkt sich deutlich steigern wird, doch wer seinen Spaß an den spannungsgeladenen Hungerspielen und den heimtückischen Fallen der Arenas hatte, wird hier enttäuscht sein.
Die Stärken von Mockingjay Teil 1 liegen woanders und das macht ihn zu einem ganz anderen und deutlich weniger massenkompatiblen Film als seine beiden Vorgänger, wenn auch qualitativ zu einem nicht minder guten. Weggefallen sind nicht nur die atemlose Action, sondern durch Peetas Abwesenheit auch die meisten Teenie-Romanze-Aspekte der Vorgänger – eben die beiden Elemente, die einen durchschnittlichen Panem-Fan an der Reihe so begeistern und die sie hier wahrscheinlich schmerzlich vermissen werden, was ebenfalls der Romanteilung zu Lasten gelegt werden kann. Ich kann mir gut vorstellen, dass zahlreiche Fans nicht so viel Freude an der bitterbösen politischen Satire und an der Untergangsstimmung des Films haben werden, doch es zeigt auch Mut seitens der Filmemacher, sich von den Ursprüngen der Reihe emanzipiert und sich weiterentwickelt zu haben. Man kann nur hoffen, dass die Fans da auch mitziehen, in dem Wissen, dass starke Gefühle und Action im finalen Film mit Sicherheit zurückkehren werden. Rückblickend wird Mockingjay Teil 1 vermutlich als eine Atempause in dem Franchise gesehen, vielleicht sogar als ein Pausenfüller zwischen den Höhepunkten der Reihe, doch das würde seinen Stärken und seinem Mut nicht gerecht werden.
„Mauern der Gewalt“ ist ausnahmsweise mal kein misslungener deutscher Titel. Er ist zwar vielleicht nicht der klangvollste, aber trifft den Kern des britischen Knast-Films „Starred Up“. „Starred up“ bedeutet frei übersetzt „hochgestuft“ oder „aufgestiegen“ (starred ~ Hauptrolle spielen), was auf den 19 Jährigen Eric Love zutrifft, der auf Grund seiner aggressiven Ausfälle und handgreiflichen Ausraster aus dem Jugendstrafvollzug in ein Gefängnis für erwachsene Straftäter verlegt wird. Zumal wird immer wieder deutlich, dass der Junge enormen emotionalen Ballast auf den Schultern trägt, was zu Fehlurteilen in der Bewertung sämtlicher sozialen Prozesse führen kann – ergo: Gewalt als Lösung. Diese Rolle spielt Jack O’Connell mit einem enormen Krafteinsatz und einer präsenten Authentizität. Eine Tour de Force, die hoffentlich mit guten Angeboten belohnt werden wird. Die kleineren Schwächen des Films liegen bei den leider nicht neuen Einsichten in das harte Dasein hinter Gittern.
Stopp. Das hier ist auf keinen Fall eine rührselige Vater-Sohn-Zusammenführung. Nein, eigentlich stehen sich zwei völlig entfremdete Menschen gegenüber, die zufällig im selben Knast einsitzen, aber die nun mal verwandt sind. Die Beziehung der beiden ist unterkühlt bis eiskalt. Zu viel wurde verpasst. Zu viel Zeit ist vergangen, um sich zu öffnen. Manchmal verlaufen die Begegnungen in offener, unverhohlener Anfeindung, wo Enttäuschung auf Frust und Wut trifft. Manchmal wiederum besitzt kleine, beinah bloß angedeutete Körpersprache umso härtere Wucht. Gerade dieser Umstand macht die explosive Atmosphäre so greifbar, oder so real, damit eine Szene überschäumender Gewalt auch wirklich weh tut beim Zuschauen.
Rupert Friend („Homeland“) spielt Oliver, einen freiwilligen (?), ehrenamtlichen (?) soziale Arbeit leistenden Gruppentherapeuten, der versucht, eine lockere Gesprächsrunde zu etablieren und sich immer wieder schweigend, deeskalierend und Augenkontakt vermeidend zwischen die Streithähne stellt. Sicher, paradox-pädagogische Interventionen haben ihre Daseinsberechtigung, finden jedoch hier eher einen unpassenden Rahmen. Vielleicht entzieht sich dies jetzt auch der Fähigkeit zur Beurteilung, weil solche Settings hochsensibel sein können wie ein Pulverfass. Nun ja, jedenfalls gehört dieser Charakter zu der Sorte, die sich berufen fühlen und proaktiv für ihre Mitmenschen einstehen. Ben Mendelsohn als Erics Vater spielt wieder einmal einen heruntergekommenen Gesetzesbrecher (vergleiche den Kleinkriminellen in 
Mit sowohl schwerstem Erwartungsdruck auf den Schultern als auch vermeintlich wenig Luft nach oben wagt Christopher Nolan, seines Zeichens Regisseur des meisterhaft-futuristischen Heist-Thrillers „Inception“ (2010), Schöpfer der Dark Knight-Trilogie (2005 bis 2012) und aktuell wohl gefragtester Magier in der Traumfabrik Hollywood, mit seinem neuesten Werk „Interstellar“ einen mutigen Kraftsprung aus seiner paradoxen Situation hinauf zu den Sternen. „Wir finden einen Weg. Wir haben immer einen gefunden.“ – diesem Credo folgt also nicht nur der Astronaut Cooper in der Geschichte, sondern auch Nolan selbst will hier einen Pfad beschreiten, der ihn von seinem bisherigen, sowohl kommerziell erfolgreichen wie auch hervorragend rezipierten Schaffen als Filmpionier noch weiter nach vorn treibt. Dabei nimmt er es sogar in Kauf dass er mit dem rund 170 Millionen Dollar teuren Epos sein Publikum stark polarisieren könnte. Mit Stanley Kubricks Klassiker „2001 – Odyssee im Weltraum“ (1968) als großem Vorbild mutet „Interstellar“ nur während seiner sorgfältigen, emotional geladenen Exposition wie ein Steven Spielberg-Film aus der goldenen Ära der Blockbuster an und stellt sonst das vielleicht sperrigste – aber zugleich auch ambitionierteste – Output des ehemaligen britischen Geheimtipps dar. Aber erstmal langsam.
In der nahen Zukunft ist unser Planet hoffnungslos verloren. Die Nahrungsquellen gehen dem Ende zu und unheilvolle Stürme begraben Natur und Mensch unter Massen von Dreck. Auch der verwittwete Farmer und frühere Shuttle-Pilot Cooper (dargestellt von Oscarpreisträger Matthew McConaughey, „
Der weitere Verlauf des knapp dreistündigen Science Fiction-Abenteuers dehnt das Familiendrama im Kern weiter aus und verbindet die Schicksale der Charaktere, die aus der Crew an Bord des Raumschiffs und den verbliebenden Angehörigen auf der Erde bestehen, auf eine innovative Weise, die Raum und Zeit trotzt. Erst der Flug durch ein scheinbar künstlich erschaffenes Wurmloch versetzt die Forscher in die Lage, ihr Ziel zu erreichen. Allerdings auf Kosten eines rapiden Zeitdrucks bei der Expedition: Während für die Besatzung bei der Erkundung der Welten nur Minuten vergehen, verstreichen auf der Heimat Jahre und Jahrzehnte und Leben neigen sich dem Ende zu. „Interstellar“ schöpft seine Kraft zum einen aus den majestätischen Bildern (dieses Mal nicht von Nolans gewohntem Hauskameramann Wally Pfister sondern von „
Thematisch erinnert der Film außerdem sowohl an Danny Boyles Himmelfahrtskommando „Sunshine“ (2007) als auch an Ridley Scotts loses „Alien“-Prequel „
Ursprünglich als Projekt für Steven Spielberg konzipiert erweist sich der atemberaubend in Szene gesetzte „Interstellar“ als bisher vermutlich schönste Verbeugung vor dem verstorbenen Kino-Großmeister Kubrick und deutet zugleich einen selbstbewussten Richtungswechsel für Christopher Nolan an. Auch wenn das Werk manchmal raue Töne anschlägt kommt zum Ende hin doch wieder der versöhnliche Optimismus des Regisseurs zum Vorschein: „Ich denke an meine Familie und Millionen andere Familien“, heisst es in einer Szene – that´s the spirit. Wenn man die aktuellen Nachrichten verfolgt und ohnmächtig auf Seuchen, Kriege, Mord und Totschlag blickt, kann man auch erkennen warum das urgewaltige und inspirierende Abenteuer womöglich genau der richtige Film zum richtigen Zeitpunkt ist.
John Carter – Zwischen zwei Welten hat eine wahrlich lange Entstehungsgeschichte hinter sich. Der mehr für seine andere Schöpfung, den Urwaldhelden Tarzan, bekannte Autor Edgar Rice Burroughs (der als Charakter selbst im Film auftaucht) erschuf die Figur John Carter im Jahre 1912. Zuerst in Buchform publiziert wurden seine Abenteuer im Jahre 1917 unter dem Titel "Die Prinzessin von Mars". Zehn Fortsetzungen folgten, wobei Carter nicht in allen die Hauptfigur war. Die Figur, ein prototypischer Science-Fiction Held, der in fremder Umgebung strandet und einen Krieg führen muss, den er nicht angefangen hat, erfreute sich ziemlicher Beliebtheit, wurde aber von Burroughs bekannterer Kreation immer überschattet. Dennoch übten John Carter und die von Burroughs erschaffene Welt von Barsoom großen Einfluss auf die Science-Fiction-Literatur und Genre-Filme aus. So findet man Anleihen von John Carter in diversen Werken, von Flash Gordon über Star Wars bis hin zu Avatar. Star Wars ist aber wohl der prominenteste Vertreter der großen, epischen Science Fiction Sagen, die sich bei Burroughs reichlich bedient haben. Umso überraschender ist es, dass sein eigentliches Werk nie für das Kino adaptiert wurde. Nicht dass man es in Hollywood nicht versucht hatte. Die Adaption wurde immer wieder in Angriff genommen, wechselte im Laufe der Jahre von MGM über Disney zu Paramount und dann zurück zu Disney. Robert Rodriguez, John McTiernan und Jon Favreau sind nur einige der Namen, die zu bestimmten Zeitpunkten als Regisseure im Gespräch waren. Doch aus verschiedenen Gründen (mal waren es Drehbuchprobleme, mal zu hohe Budgetanforderungen) kam das Projekt nie zustande. Zum 100-jährigen Jubiläum der Figur erblickte John Carter doch das Licht des Filmprojektors.
Disney setzte offensichtlich immense Erwartungen in den Film, denn das $250-Mio-Budget ist eins der höchsten aller Zeiten. Die gute Nachricht ist, dass man dieses Budget auf der Leinwand deutlich sehen kann. Die visuellen Schauwerte stellen zweifelsohne die größte Stärke dieses Films dar. Burroughs Welt wird beeindruckend ins Leben gerufen. Die Kreativität, die man hier auf der Leinwand erblickt, kennt wenig Grenzen. Andrew Stanton, der bereits durch die visuell unglaubliche Welt in seinem Pixar-Werk WALL-E überzeugte, schöpft hier aus seiner größten Stärke. Die insektoid anmutenden, von Solarenergie angetriebenen Kampfschiffe, die verschiedenen photorealistischen Kreaturen, die Barsoom bewohnen, die Schauplätze (Utah musste für die Ödnis von Mars herhalten) und die sich ständig in Bewegung befindenden mechanischen Städte von Mars sind nur einige der zu nennenden Schauwerte, die es wert machen, diesen Film auf der großen Leinwand (oder zumindest auf einer entsprechenden Heimkino-Anlage) zu sehen. Doch es sind insbesondere die Effekte, durch die die Alienrasse der Tharks zum Leben erweckt wurde, die durch ihre Brillanz herausstechen. Die Effekte sind so gut umgesetzt, dass man diesen vierarmigen Riesen die verschiedenen Charaktere abnimmt (was auch durch gutes Voice Acting seitens Samantha Morton und Thomas Haden Church erreicht wird). Nur das 3D lässt etwas zu wünschen übrig, insbesondere wenn man es mit dem kürzlich erschienenen 3D-Meisterwerken wie Hugo Cabret oder Gravity vergleicht.
Was Andrew Stanton angeht, so schafft er hier mühelos den Sprung von Animation ins Realfilm-Geschäft. Es ist bereits der zweite Animations-Regisseur aus Pixars Schmiede, der den Wechsel zu Realfilmen wagte. Stantons Arbeit hier ist nicht so beeindruckend, die Brad Birds Realfilmdebüt 
Die wirklichen Probleme des Films liegen dennoch nicht in der Action, denn diese hat auf jeden Fall einen sehr guten Unterhaltungswert. Das eigentliche Manko liegt, wie bereits angedeutet, beim Drehbuch. Hier wird jedes Genreklischee ausgespielt, das man sich vorstellen kann. Zwar ist es klar, dass es die anderen Werke waren, die sich bei Burroughs in der Vergangenheit bedient haben, doch man kommt trotzdem nicht umhin, den Film als eine Melange zu sehen, die zu gleichen Teilen aus Die Zeitmaschine, Lawrence von Arabien, Avatar und Star Wars besteht. Sicherlich war es auch die Intention von Disney zu versuchen, ein Star-Wars-ähnliches Franchise zu starten, bevor das Studio Lucasfilm erworben hat. Doch fehlt John Carter das Besondere Etwas, um einen solchen Kultstatus zu erreichen. Die Handlung ist hier wirklich unnötig kompliziert, sodass man am Ende die Motivation der manipulativen Therns nur halbherzig erklärt und viele Plotlöcher einfach unter den Teppich gekehrt werden. Außerdem fällt es doch arg auf, dass John Carters (nur dürftig erklärte) Superkräfte im Laufe des Films immens variieren. So hat er anfangs Probleme, normal zu gehen, überwindet diese aber sehr plötzlich. Ferner kann er anfangs Sprünge von einigen Metern machen, ist aber gegen Ende des Films durchaus in der Lage, von einem Gebäude aufs andere zu springen – über die halbe Stadt hinweg. Wechselt vielleicht die Anziehungskraft auf dem Mars mit der Zeit?
John Carter – Zwischen zwei Welten ist ein großes Leinwandspektakel der alten Schule, das absolut nichts Neues auf den Tisch bringt, aber dennoch ziemlich gut unterhält. Ein etwas gestrafftes Drehbuch und aufregendere Charaktere hätten dem Film aber sicherlich gut getan. Interessanterweise gehören die Szenen im Wilden Westen zu den gelungensten im ganzen Film. Vielleicht sollte sich Andrew Stanton demnächst an einem klassischen Western versuchen. Man merkt seine Leidenschaft für das John-Carter-Projekt, aber vielleicht kann man aus dem pulpigen und angestaubten Stoff nicht viel mehr rausholen. Wenn es die ganzen Filme nicht gäbe, die von John Carter in der Vergangenheit gestohlen haben, würde das Ganze vielleicht anders aussehen. Dies ist aber nicht der Fall und die Star Wars/Avatar-Vergleiche werden immer gezogen werden – und in diesen schneidet John Carter einfach nicht so gut ab.
In dieser streitlustigen Gemeinde leistet Dorfpriester James Lavelle (Brendan Gleeson) seinen störrischen, stoischen Dienst. Manchmal etwas genervt ob der Streitigkeiten, doch stets unbeirrt, kümmert er sich um seine Leute. Bei der Beichte droht ihm doch jemand damit, den Priester am Sonntag in einer Woche umzubringen. James Lavelle soll als unschuldiger Sündenbock für die Taten eines mittlerweile toten Geistlichen herhalten, der den mordlustigen Beichtgänger missbraucht haben soll. Ein Mord an einem schuldigen Arsch von Priester sei kein Zeichen, aber einen unschuldigen Priester zu ermorden, das sei eine Ansage. Der konsternierte Priester hält am Beichtgeheimnis fest, begibt sich selbst auf die Suche nach dem vermeintlichen Mörder und übt gleichzeitig weiter seine pastoralen Pflichten aus, weil das Wohlergehen seiner Gemeinde ganz oben steht, obwohl die eigene Trauer um einen alten Verlust an ihm nagt und seine angeknackste, labile Tochter auch seine volle Aufmerksamkeit benötigt. Die ereignisreiche Woche vergeht schnell, in welcher der ambitionierte Priester seine Angelegenheiten auf die Reihe kriegen möchte, um dann am Sonntag seinem Schicksal entgegenzutreten; keine Integrität zu haben, sei das schlimmste Urteil, was der Priester selbst über jemanden fällen könnte.
Regisseur John Michael McDonagh besetzt die Hauptrolle in „Calvary“ wieder mit dem fantastischen, brachialen, wuchtigen, angekratzten Brendan Gleeson, der spätestens jetzt und längst überfällig die ganz große Nominierung einheimsen darf. Zuvor arbeiteten die zwei Talente an McDonaghs Kinodebüt „The Guard – Ein Ire sieht schwarz“ (2011) zusammen. Der Ton damals war salopp, schwarz und schräg. Bei „Am Sonntag bist du tot“ eignet sich der Originaltitel viel besser und sinnvoller, denn in der Stadt Jerusalem nannten die Menschen den Ort der Gekreuzigten „Kalvarienberg“, wo auch Jesus sein Leben für die Sünden der Menschheit hergab. Außerdem beginnt der Film schon mit einer Todesbotschaft auf dem Beichtstuhl und dadurch verliert der Titel auch gleich seine schnoddrige (deutsche) Botschaft, da er so hierzulande als schwarze Komödie beworben wird. Dem Autoren- und Regietalent McDonagh gelingt es, sich dem brisanten und widerlichen Thema des Missbrauchs höchst angemessen zu nähern und dabei zwingende Fragen nach Schuld, Vergebung, Verarbeitung und Verdrängung aufzuwerfen. Sollte ein Mensch für die Sünden anderer sterben? Ein Mord an dem unschuldigen Priester scheint somit kein wahnsinniger, rachsüchtiger Akt der Selbstjustiz auf ein wahlloses Individuum zu sein, sondern eine Abstrafung der katholischen Kirche als ganzes Kollektiv.
Gleichwohl mutig als auch stark, inszeniert der Regisseur den Film in seiner Heimat Irland. Irland ist eines der europäischen Länder, wo der Gang in die Kirche und der Glaube mehr als zweckmäßige Beiläufigkeit ist. Wenn Kirche noch große Autorität haben sollte, dann sollte man meinen, dass dies in einem katholischen Land wie Irland der Fall ist. Wer den nicht immer als reinen Gutmenschen handelnden Priester auf dem Kieker hat, ist im Endeffekt gar nicht so essentiell für den Film, wie die vielen Konfrontationen und das dialogische Potential mit den Leuten aus der Gemeinde. Der gesamte, sehr gute Cast zeigt eine tolle Performance, doch Dreh- und Angelpunkt sind immer wieder die Zusammenstöße mit James Lavelle. Ein verbitterter, menschenverachtender Arzt, ein blasierter selbstgerechter, schnöseliger Finanzjongleur, eine sexgeile Witwe und ihr handgreiflicher Lover bilden die bunte Mixtur an Verfall, Schimmel, Desillusion, Abkehr, Lustmaxime und Enttäuschung. Genau hier liegt der einzige Kritikpunkt des Films, dass in der Gemeinde scheinbar ausschließlich übellaunige „Arschgeigen“ ansässig sind, die dem klugen, scharfsinnigen und mildtätigen Priester das Leben schwer machen. Andererseits ist er als Vertreter (und zugleich Zielscheibe von Frust und Ärger) einer Institution unterwegs, die ohnehin nicht mehr in so einem strahlenden Licht erscheint und der Film bezieht seinen philosophischen Anspruch eben aus diesen Streitgesprächen. Zum Glück umschifft der Film den verlockenden, reißenden Strudel der blassen Religionskritik immer wieder sicher und mit ausreichend Abstand, sodass dies keineswegs populistisches Futter für fundamentale Atheisten ist, sondern ein universales, philosophisches, manchmal frech-keckes Drama über die ambivalenten Antworten auf die Frage nach Schuld und Vergebung. Priester Lavelle ist eine grundanständige, nicht fehlerfreie aber enorm starke, integre Identifikationsfigur, sodass „Am Sonntag bist du tot“ mit diesem adäquaten und punktgenauen Drehbuch voll ins Schwarze trifft und somit jedermann ansprechen kann. Über Sündhaftigkeit wird mehr geredet als über Vergebung. Wie wahr.
Das WG-Leben: Die Vampire aus verschiedenen Epochen der Zeitgeschichte Vladislav (862 Jahre untot, Jemaine Clement), Viago (379, Taika Waititi), Deacon (183, Jonathan Brugh) und der beinah greisige Petyr (um die 8000, Ben Fransham) bilden die illustre Gemeinschaft. Zoff im Spüldienst, Unwägbarkeiten bei den Eitelkeiten bezüglich Kleiderwahl (schwierig ohne Spiegelbild), Abfeiern des Vampirdaseins, Verzug mit der Miete und Talentfreiheit bei der Nahrungsbeschaffung zeichnen den Alltag der lichtscheuen Herrenriege aus. Bei einem dieser Streifzüge für Menschenblut, vermasseln die Jungs es so sehr, dass Petyr unfreiwillig für ein neues Gruppenmitglied namens Nick (Cori Gonzalez-Macuer) sorgt. Nick bringt direkt neuen Schwung und neue Probleme in die Bude, da er seinen lebendigen „Nicht-Vampir“-Freund Stu (Stuart Rutherford) mit in die WG schleppt. Zu allem Überfluss nervt noch Deacons menschliche „Sklavin“ rum, weil sie endlich ein Vampir werden möchte und der Maskenball der Untoten und Co. steigt bald in Wellington.
Nach mehreren vergeblichen Versuchen die „Twilight“-Filme (oder anverwandtes wie „Fright Night“) durch den Dreck zu ziehen, gelingt es dieser kleinen Gruppierung Neuseeländer, die sogar Unterstützung von ganz oben bekamen (Geldgeber Peter Jackson), endlich dem Grusel-Vampir-Genre ein parodistisches Monument zu errichten; eines, welches dem Stoff würdig und angemessen ist. Ehrlich, Vampirgeschichten begeistern nicht nur neugierige Kinder, sondern jede Altersausprägung und das über Jahrhunderte. Zeitgeistphänomene, auch solche nicht totzukriegenden (Achtung Wortspiel: untote Zeitgeistphänomene), gehören immer wieder den Testverfahren der Unterhaltungs- und Kunstmedien unterzogen – das ist quasi Gesetz. Bei „5 Zimmer Küche Sarg“ funktioniert das dann mit dem Humor sogar so gut, dass es gleichzeitig auf mehreren Humorebenen knallt. Ein sogenanntes „Chore Wheel“ zeigt in einer WG die Verteilung von beispielsweise Spüldienst, Badezimmer-Schrubben und Staubsaugen an. Wenn es dann zu einem WG-Treffen kommt und man dann erfährt, dass Deacon seit zig Jahren das Geschirr nicht spült und dass im Hintergrund Türme aus blutverschmierten Geschirr gestapelt sind, dann ist das nicht nur Slapstick, sondern ein Sinnbild aller Alltagskämpfe wie in fast jeder WG und obendrauf die Frage: „Wozu brauchen Vampire beim Blutsaugen Geschirr?!“. Dies ist noch ein relativ harmloses Beispiel aus einem der Trailer, um keine Gags zu spoilern.
Die Charaktere sind allesamt liebevolle Prototypen aus den verschiedenen Vampirarten. Von Nosferatu-mäßig, Dracula-mäßig über Tanz-der-Vampire-mäßig bis hin zu Twilight-mäßig ist alles vertreten. So war der Biss eines Vampirs auch meist an Verführung und Versuchung gekoppelt (nicht umsonst ist in „Twilight“ das voreheliche „Beißen“ so ein großes Thema, herrje). Dass manch einer das mit dem „sexy Biss“ immer noch nicht wirklich draufhat, sorgt in „5 Zimmer Küche Sarg“ für makabren Spaß. Für eine Mockumentary hält die Gagdichte ein außergewöhnlich hohes Niveau und eine hohe Schlagzahl, da meist die besten Gags am Anfang verbraten werden. Neuseeland zeigt, dass es fast durchgehend zu jeder Zeit möglich ist. Hut ab. Zuletzt ist zu erwähnen, dasst die begleitende Dokumentar-Crew alle Tricks und Kniffe (Knoblauch, Kruzifixe) kennt, um nicht als Mahlzeit ihrer Beobachtungsobjekte zu enden. Ob das auch bei den anderen Wesen in Wellington so leicht funktioniert, schaut man sich am besten (im O-Ton!) an.
In seiner Wahlheimat Chicago ist Hank Palmer (Robert Downey Jr.) die große Nummer vor Gericht. Nur zu gerne boxt er jeden Mandanten für dickes Geld wieder raus. Man sollte meinen, dass alles cool läuft für den frechen Advokaten. Daheim zetert jedoch die untreue Ehegattin Lisa (Sarah Lancaster) herum und eine Sorgerechtsproblematik um die gemeinsame Tochter Lauren (Emma Tremblay) bahnt sich an. Nach einem Anruf bricht Hank, grantig blickend, alleine zu seinem Geburtsort (Carlinville, Indiana) auf, weil seine Mutter gestorben ist. Hanks Vater Joseph (Robert Duvall) ignoriert seinen Sohn völlig, was Hank jedoch ebenso erwidert. Die Brüder Glen (Vincent D’Onofrio) und Dale (Jeremy Strong) haben zu Hank mittlerweile auch ein eher unterkühltes Verhältnis. Nach der Beerdigung der verstorbenen Mutter wird das Familienoberhaupt Joseph verhaftet, weil er einen ehemaligen Straftäter namens Mark Blackwell (Mark Kiely) mit dem Auto nachts tödlich verletzt haben soll. Brisanz bekommt der Fall, weil Joseph seit 42 Jahren in der Kleinstadt auf dem Richterstuhl sitzt. Dies alles zunächst auf die leichte Schulter nehmend, klagt der lokale, abgeklärte Staatsanwalt Dwight Dickham (Billy Bob Thornton) Richter Palmer wegen Mordes an. Der schlaksige Hobbyanwalt C.P. Kennedy (Dax Shephard) aus der Gemeinde wird von Joseph engagiert, um ihn zu vertreten. Klar, dass Hank das nicht auf sich sitzen lässt und seinen Vater selbst vertreten will. Problem: Vater und Sohn haben sich entfremdet und verachten sich.
Weil es daheim so unschöne Probleme gibt mit der Knackarsch-Ehefrau, kommt die alte Highschool-Flamme Samantha (Vera Farmiga) als Besitzerin eines örtlichen Diners gerade recht. Die smarte Schauspielerin, bekannt aus „Up in the Air“ oder „Departed – Unter Feinden“ ist keineswegs als treuherziges Doofchen zu verstehen, das sich lediglich über das Wiedersehen mit ihrem ehemaligen Schwarm vom Schulhof freut, sondern einfach eine Rolle für den üblichen Love-Interest. Die Rolle wird standesgemäß ausgefüllt. Obendrauf darf ihre Jura studierende Tochter Carla (Leighton Meester) in den Semesterferien im Diner aushelfen, scheinbar nur damit Staranwalt Hank sie einmal – ohne das Wissen um verwandtschaftliche Verhältnisse – mit einem One-Night-Stand beglücken darf, da es so geschmeidig in seine Rolle passt. Hanks Brüder sind leider ebenfalls nicht mehr als nur Schachfiguren. Ein Ex-Leistungssportler, gefrustet, ausreichend korpulent und schnell mit der Faust in Bars auf der einen, und einmal lernschwacher, mäßig heller, aber herzensguter Hobbyfilmer auf der anderen Seite. Diese Figuren dienen auch lediglich ihrem Zweck, ohne dabei besondere Aufmerksamkeit des Zuschauers einzufordern. Von dem Counterpart vor Gericht mit dem Namen Dwight Dickham bekommt man von Billy Bob Thornton beinah schon ein Understatement serviert, um die Bühne für die zwei klaren Lieblinge des Regisseurs freizuhalten. Seine Rolle als Staatsanwalt ist dennoch souverän geliefert und handwerklich gut anzusehen. Als letztes seien noch die Bilder von Janusz Kaminski („Der Soldat James Ryan“, 
