Deepwater Horizon, USA 2016 • 108 Min • Regie: Peter Berg • Drehbuch: Matthew Sand, Matthew Michael Carnahan • Mit: Mark Wahlberg, Dylan O’Brien, Kurt Russel, John Malkovich, Kate Hudson, Gina Rodriguez, James DuMont, Stella Allen • FSK: ab 12 Jahren • Kinostart: 24.11.2016 • Deutsche Website
Die amerikanische Flagge weht im Höllenfeuer des Kapitalismus, die Bohrinsel Deepwater Horizon steht in Flammen. Diejenigen, die sich retten konnten, kauern öl- und dreckverschmiert auf einem Rettungsboot und beten zusammen: „[…] deliver us from evil.“ Der Kapitalismus ist der Antagonist in Peter Bergs (Battleship) wütendem Aktivisten-Katastrophenfilm, Personen wie John Malkovichs (Warm Bodies) Mitarbeiter des britischen Mineralölunternehmens BP Donal Vidrine seine vom Film dämonisierte Inkarnation. Als eine Gruppe von Arbeitern zu Beginn des Films mit einem Hubschrauber zur Bohrinsel gebracht wird, fallen Bemerkungen zur übermenschlichen Natur der künstlichen Insel inmitten des Golfes von Mexiko. In ihr sieht der Film eine weitere Ausführung des Gotteskomplex der Menschen, die sich nicht nur in die Natur einmischen, sondern sie sich zu eigen machen wollen. Doch wie am 20. April 2010 schlägt die Natur zurück.
Beim gemeinsamen Familienfrühstück von Cheftechniker der Deepwater Horizon Mike Williams (Mark Wahlberg) deutet das braune Gold der Getränkeindustrie bereits das bevorstehende Unglück an, als die Kleine Sydney (Stella Allen) beim Versuch, die Funktion einer Bohrinsel mit Stift und Cola-Dose zu demonstrieren, eine Zuckerwasser-Fontäne auslöst. Düsteres Foreshadowing, spielerische Exposition und emotionale Unterfütterung der Charaktere bestimmen die flotte erste Hälfte vor der Katastrophe. Mit einfachen Handgriffen bringt Peter Berg alles in Position, um den Zuschauer emotional in seine anklagende Position gegenüber dem gierigen Konzern BP zu involvieren, die aus Sparmaßnahmen wichtige Sicherheitstests vernachlässigten. Am deutlichsten ist die Zahnrad-Mechanik von Deepwater Horizon spürbar, wenn Mike Williams den Zuschauern nach seinem Eintreffen auf der Bohrinsel gewissermaßen eine kleine Führung gibt. Die Geographie der verwinkelten Metallkonstrunktion wird entflechtet, die wichtigsten Schauorte mit einem kleinen Subplot abgetastet und den Arbeitern Gesichter gegeben. Elf Menschen kamen bei dem Unglück auf der Deepwater Horizon 2010 ums Leben, nach Mike Williams, der maßgeblich daran beteiligt war, dass diese Zahl nicht noch höher ist, möchte Peter Berg vor allem diesen Gesichtern Gewicht geben.
Schon fast auf die Minute genau geht die Bombe zur Halbzeit des Films hoch. Bis sich die ersten Geretteten einige Zeit später aber in zu Beginn erwähnter Szene im Rettungsboot befinden und Deepwater Horizon in seinen letzten Minuten im Schockzustand statt heroischem Heimkehren das befreite Aufatmen verwehrt und stattdessen reichlich Klöße in die Hälse pflanzt, suhlt sich der Film den nahezu kompletten zweiten Akt in reichlich uninteressanten Katastrophenbildern. Der Score brummt, die Kamera wackelt, die Leute rennen durch vernebelte, rötlichen Bilder der Zerstörung. Stirbt ein Charakter, hat man sein Gesicht wenigstens schon einmal gesehen, er ist keine identitätslose Hülle – der Schlag in die Magengrube bleibt während des fortlaufenden audiovisuellen Durcheinanders trotzdem aus.
Fazit
Deepwater Horizon ist emotional berechnendes Katastrophen-Kino, dessen generischer Charakter ihm erst im zweiten Akt zur Last fällt. Durch seine bemerkenswerten Cast ist Peter Bergs Film in seinen Charaktermomenten gut anzusehen, verliert sich in der zweiten Hälfte jedoch zu sehr in einer redundanten Katastrophen-Ästhetik, bevor das erschütternde Ende für einen letzten Lichtblick sorgen kann.
"Als hätte ich eine Serienfolge aus einer Serie gesehen, die ich sonst nicht schaue." Diesen Satz hörte ich kurz nach der Vorführung von Underworld: Blood Wars von einem Kollegen und es fällt schwer, ihm zu widersprechen. Das wird erst recht dadurch verdeutlicht, dass das Sequel mit einem "Was bisher geschah"-Zusammenschnitt beginnt, der mit Ausschnitten aus dem ersten, zweiten und vierten Film (Teil 3 war ein Prequel) und einem Voiceover von Kate Beckinsale deren Handlung rekapituliert. Die Macher waren sich wohl dessen bewusst, dass sogar die eingefleischten Fans der Horror-Actionreihe – und niemand sonst wird sich in die Vorstellungen des Films verirren – nach deren fünfjährigen Abwesenheit von den Leinwänden Schwierigkeiten haben könnten, sich an die Vorgeschichte zu erinnern. Alle anderen werden nach dieser Zusammenfassung erst Recht das Gefühl haben, ein Buch in der Mitte aufgeschlagen zu haben.
Nach diesem Prolog verschwendet der Film keine Zeit, um seinen Zuschauern das zu zeigen, wofür sie ihre Eintrittskarten gekauft haben, und steigt direkt in eine Actionszene ein, in der Selene auf einem Motorrad vor ihren Verfolgern flieht. Es ist die erste von sehr vielen flotten, aber weitgehend austauschbaren Actionsequenzen in dem Film, die allesamt die energische Inszenierung von Len Wiseman, der bei den ersten beiden Filmen der Reihe Regie führte, vermissen lassen. Es mangelt an jeglichen Bemühungen, die Zuschauer mit neuen Ideen zu beeindrucken. Die Action kommt diesmal mit etwas weniger Zeitlupe, aber wieder mit gewohntem Maß an überwiegend computergeneriertem Gemetzel und der für die Reihe leider häufig typischen Billigoptik daher. Dass sich die Effekte der transformierten Lykaner auch nach über einem Jahrzehnt kaum verbessert haben, ist in der Zeit des photorealistischen CGI ein Dorn im Auge. Das 3D geht sogar einen Schritt zurück gegenüber dem letzten Film und fällt kaum auf.
Erstlingsregisseurin Anna Foerster knüpft stilistisch nahtlos an die Vorgängerfilme an, taucht das Bild in düstere blauschwarze Töne und lässt alle Szenen innerhalb des Vampirzirkels wie den feuchten Traum eines Goth-Teenagers aussehen, schafft es jedoch leider nicht, dem Franchise ihren eigenen Stempel aufzudrücken. Es ist also business as usual im Land der Vampire und Lykaner, in dem Menschen wieder einmal nicht zu existieren scheinen, nachdem sie im letzten Film noch eine entscheidende Rolle spielten und Jagd auf beide Spezies machten. Diesen Umstand ignoriert Underworld: Blood Wars bequemerweise. Immerhin beantwortet der Film endlich die Frage nach dem Verbleib von Michael (Scott Speedman), der in den ersten beiden Filmen noch eine Schlüsselfigur war und überhaupt erst die Handlung der Reihe in Gang setzte, nur um danach kurzerhand zu verschwinden. Ob er dies jedoch zur Zufriedenheit der Fans macht, darf angezweifelt werden. Noch unbefriedigender ist der Umgang mit Selenes Tochter Eve, in Awakening von India Eisley gespielt, um die sich zwar gefühlt ein Drittel aller Dialoge im Film drehen, die aber faktisch keine Rolle spielt.
Hauptdarstellerin Kate Beckinsale ist einer der wenigen Lichtblicke der Fortsetzung. In vertrauter enger Lederkluft und mit zwei Wummen ausgestattet, strahlt sie die gleiche Coolness und Souveränität in der Rolle aus, wie in ihrer allerersten Szene in Underworld vor 13 Jahren. Sie ist der Hauptgrund, weshalb sich das Franchise überhaupt so lange gehalten hat, und muss hier verzweifelt gegen One-Liner und Dialogzeilen aus dem Handbuch der Klischeetexte ankämpfen. Es hilft auch nicht, dass ihr Gegenüber in den meisten Szenen, Theo James, die Ausstrahlung und das Charisma eines alten Schuhkartons besitzt. Charles Dance spielt den uralten, erhabenen und mit allen Wassern gewaschenen Vampir wiederum so routiniert, als wäre er noch am Set von "Game of Thrones". Ihnen allen stiehlt jedoch Lara Pulver ("Sherlock") als intrigante Vampirin Semira die Show, die mit ihrer natürlichen sexy Ausstrahlung jeden Raum füllt, den sie betritt, und ein weitaus interessanterer Charakter ist, als Tobias Menzies’ 08/15-Superwolf.
Fünfeinhalb Jahre nachdem bei der Harry-Potter-Saga (vorerst) der letzte Vorhang im Kino gefallen ist, gelingt Autorin (und hier Drehbuchdebütantin) J.K. Rowling und Regisseur David Yates mit Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind eine nahezu reibungslose Rückkehr in die magische Welt, die die Kinogänger erstmals vor 15 Jahren erblickten. Die vermutlich größte und lobenswerteste Leistung der Macher liegt darin, dass die Zuschauer des Films schnell in ein wundervolles Universum eintauchen, das sich gleichermaßen vertraut und dennoch neu anfühlt. Sobald das graue Warner-Bros.-Logo auf der Leinwand erscheint, begleitet von den magischen Klängen von John Williams’ "Hedwig’s Theme", läuft vermutlich den meisten Fans ein wohliger Schauer über den Rücken. Die Existenz einer magischen Parallelwelt benötigt keiner Einführung mehr, sondern wird als selbstverständlich wahrgenommen. Die Standard-Zaubersprüche und die grundlegenden Regeln der Zauberwelt sind allen Kennern der Harry-Potter-Bücher und –Filme bekannt, das rege Namedropping von Dumbledore bis Lestrange sorgt für das Gefühl einer größeren, zusammenhängenden Welt. Doch es wird nach Newts Ankunft in New York schnell klar, dass weder er noch der Film Harry Potter 2.0 sind, was sich unter anderem in James Newton Howards wundervoll peppiger, von der Jazz-Ära, in der der Film spielt, geprägter Filmmusik widerspiegelt. Auch das das Setting in den hektischen Straßen von Manhattan, in einem Land, das von der Prohibition und der Nachkriegszeit gezeichnet ist, könnte kaum verschiedener sein zum geregelten Schulalltag von Hogwarts, der sich komplett innerhalb einer magischen Welt abspielte. In Phantastische Tierwesen sind die Zauberer die Außenseiter, die die ganze Zeit mit der Furcht vor der Entdeckung durch die 
Yates, der bei den vier letzten Harry-Potter-Streifen Regie geführt und sich mit der Zeit immer besser in die Welt eingefunden hat, ist hier wieder in seinem Element. Gemeinsam mit der Crème de la Crème von Effektkünstlern, Ausstattern, Kostümdesignern (die dreifach oscarprämierte Colleen Atwood brilliert mit einer Kombination aus exzentrisch zauberhafter und zeitgenössisch stylischer Kleidung), Tontechnikern und Makeup-Spezialisten erweckt er Rowlings reges Vorstellungsvermögen zum spektakulären Leben. Insbesondere die zahlreichen, sehr kreativ gestalteten titelgebenden Tierwesen bieten einen unvergesslichen Anblick. Auch einige Geschöpfe, die es nie aus den Harry-Potter-Romanen in die Filme geschafft haben, bekommen hier endlich ihren Auftritt, allen voran der knuddelige diebische Niffler, der wie eine Kreuzung aus einem Maulwurf und einem Schnabeltier aussieht und gleich in zwei Szenen allen die Show (und die Juwelen) stiehlt. Wenn Newt und Jacob in einer bemerkenswerten Sequenz den magischen Koffer betreten und in nur wenigen Schritten von einem Ökosystem zum nächsten spazieren, während ein aufwendig gestaltetes Zauberwesen nach dem anderen durchs Bild huscht, kommt man als Zuschauer kaum aus dem Staunen heraus. Auf einer tieferen Ebene spielen, wie schon in Rowlings Romanen, Sozialkommentare und Allegorien auch in ihrem Drehbuch eine wichtige Rolle und richten sich hier hauptsächlich gegen die Missstände in den USA. Themen wie Todesstrafe (in einer überraschend grimmigen Szene), Segregation und fundamentalistisch religiöser Wahn werden gekonnt aufgegriffen.
Doch nachdem der Film die Zuschauer eine Zeitlang verzaubert, setzt in der zweiten Filmhälfte immer mehr die Ernüchterung ein, denn man kann sich des Gefühls nicht erwehren, dass obwohl die Macher Vieles richtig gemacht haben, etwas Entscheidendes fehlt, die besondere Zutat in dem Zaubertrank, der die besten Harry-Potter-Filme ausmachte. Das auffälligste Problem ist, dass Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind eigentlich zwei Filme beinhaltet. Der eine davon ist ein unterhaltsames, familiengerechtes Abenteuer à la Nachts im Museum, bei dem Newt und seine Begleiter die entlaufenen Tierwesen einfangen. Der andere schlägt einen düsteren Ton an und stellt den übergreifenden Handlungsbogen über Grindelwald und die Konflikte zwischen den No-Maj und den Zauberern dar, der das Fundament für die künftigen Filme der Reihe legen soll. Beide Plots verlaufen die meiste Zeit parallel zueinander und kommen nie organisch zusammen, sondern werden gegen Ende mehr als holprig zusammengebracht. Hier zeigen sich die Schwächen von Rowling als Drehbuchautorin. Ihre große Stärke lag schon immer in ihrer schier unerschöpflichen Fantasie und die meisten Harry-Potter-Romane zeichneten sich durch zahlreiche Nebenhandlungen aus, die in Romanform auch gut funktionierten. Bei der filmischen Umsetzung ging es immer darum, die Geschichten auf ihre Essenz herunterzuarbeiten – eine Herausforderung, die nach den ersten beiden Harry-Potter-Filmen auch gut bewältigt wurde. Als Skript-Autorin fehlt Rowling noch der klare Fokus aufs Wesentliche, der einen in sich kohärenteren Film ermöglicht hätte. Am deutlichsten werden die Probleme beim großen Finale, das auch dank einigen vorhersehbaren Twists und einer computergenerierten Zerstörungswut, die langsam zur Spezialität von Warner zu werden scheint, zum schwächsten Moment des Films verkommt.
Die vielen unausgereiften Nebenhandlungen des Films, wie die eines von Jon Voight gespielten Zeitungsmagnaten, oder der fanatischen Zweiten Salemer, angeführt von einer furchteinflössenden Samantha Morton, gehen leider auf Kosten dessen, was die Harry-Potter-Welt auch immer ausgemacht hat – gute Charaktere. Eddie Redmayne ist kein unsympathischer, aber ein reichlich blasser Held, und der schauspielerische Modus Operandi des Oscargewinners besteht (wie in diversen seiner anderen Filme) hauptsächlich darin, peinlich berührt zu schauen, den Augenkontakt zu vermeiden und meistens verlegen zu wirken. Lediglich einige kurze Andeutungen auf seine Vergangenheit (zweifellos gesäte Samen für die Sequels) lassen aufhorchen. Katherine Waterston, die erst letztes Jahr in 
Erheblich besser schneidet das zweite "Paar" im Film ab. Die relative Newcomerin Alison Sudol ist eine wahre Entdeckung als Queenie. Zuckersüß, behütet und zunächst noch leicht naiv wirkend, bringt sie die nötige Energie in die häufig trägen Interaktionen der Darsteller. Es ist eine wahre Freude, ihr beim Gedankenlesen zuzusehen. Dan Fogler ist als No-Maj der Gruppe ein ganz neues Element in diesem Filmuniversum. Mit großen Augen erlebt er als durch und durch liebenswerter, einfacher Kerl die ihm bislang verborgen gebliebene magische Welt und steht damit stellvertretend für alle Zuschauer und Leser, die sich einst in J.K. Rowlings Schöpfungen verliebten. Durch die ungewöhnliche Perspektive und das Setting in New York wird die magische Welt einerseits in unserer mehr verankert und andererseits wird der Kontrast zwischen dem Alltäglichen und dem Außergewöhnlichen, mit dem die Harry-Potter-Romane die Leser ursprünglichen in ihren Bann zogen, verstärkt.
