Links: Rogue One: A Star Wars Story © 2016 Walt Disney Pictures
Rechts: Vaiana © 2016 Walt Disney Pictures
Quelle: Insidekino
Die Feiertage lagen dieses Jahr nicht nur für die Arbeitnehmer denkbar ungünstig, sondern auch für die Kinobetreiber, die wegen Heiligabend ausgerechnet an einem Samstag, den besucherstärksten Tag der Woche, die Pforten ihrer Kinos bereits früh schließen mussten oder erst gar nicht aufgemacht haben. Und vom ersten Weihnachtstag am Sonntag gibt es auch weniger Nutzen als an einem anderen Wochentag. So ist auch zu erklären, weshalb nahezu alle Filme in den deutschen Charts vergangenes Wochenende teilweise stark nachgelassen haben und keiner der Neustarts einen sehr guten Eindruck hinterlassen konnte. Doch sogar angesichts dieser "mildernden" Umstände war der Start von Disneys Vaiana eine klare Enttäuschung.
Rogue One: A Star Wars Story verbrachte natürlich auch sein zweites Wochenende unangefochten an der Spitze der deutschen Kinocharts und lockte weitere 451,000 Besucher (-55%) in die Kinos. Es war der steilste Drop unter allen Filmen der Top 10, doch angesichts der großen Fallhöhe und der natürlichen Frontlastigkeit des Blockbusters ist das keine Überraschung. Nach 11 Tagen im Verleih zählt Rogue One bereits knapp 1,817,000 gelöste Tickets in Deutschland, womit er auf Rang 12 unter den erfolgreichsten Filme des Jahres aufgestiegen ist – bereits vor The First Avenger: Civil War und Batman v Superman: Dawn of Justice. Nach Umsatz belegt Rogue One mit €20,9 Mio bereits Rang 9 der Jahres-Charts. Allerdings hat Rogue One bislang immer noch weniger Besucher eingesammelt als der Vorgänger Das Erwachen der Macht alleine an seinem Startwochenende hatte. Kommendes Wochenende sollte Rogue One den Spitzenplatz höchstwahrscheinlich wieder verteidigen und obwohl Silvester das Kinogeschäft am Samstag wieder weitgehend lahmlegen wird, werden die meisten Filme erfahrungsgemäß kommendes Wochenende wieder zulegen. Rogue One wird da keine Ausnahme sein. Bereits in den nächsten zehn Tagen sollte der Film die 3-Mio-Marke in Deutschland überschreiten und auch 4 Mio Besucher wird er problemlos schaffen. Insgesamt erwarten das Star-Wars-Spin-Off bis zu 4,5 Mio Zuschauer in Deutschland.
Universals Sing fiel in der dritten Woche um 48% auf 164,000 Besucher, hielt sich aber gerade noch auf Platz 2 der Wochenendcharts. Mit 1,079,000 verkauften Kinotickets bis Sonntag hat Sing als 29. Film dieses Jahr die Millionenmarke geknackt. Das Konzept von Tieren, die bekannte Chart-Hits zum Besten geben, scheint bei den Kinogängern sehr großen Anklang zu finden und Sing steuert auf ein Gesamtergebnis von mindestens 2,5 Mio zu. Sogar direkte Konkurrenz von Disneys Vaiana hat er wirklich gut überstanden.
Während Vaiana in Nordamerika drei Wochen lang die Spitze der Kinocharts belegte, reichte es in Deutschland mit nur 160,000 Besuchern von 575 Kinos gerade einmal für Rang 3 zum Start. Auch der Schnitt von 278 Besuchern pro Spielstätte ist nicht sonderlich bemerkenswert. Da die Thematik des Films weniger ansprechend für die deutschen Zuschauer ist als die klassischen Märchenstoffe von Rapunzel und Die Eiskönigin und das Startwochenende wegen Heiligabend denkbar ungünstig war, waren die Erwartungen an den Erfolg des Films nicht sehr hoch, doch dass er zum Start weniger als ein Drittel der Startwochenenden von Die Eiskönigin und Rapunzel erreichte, ist dennoch eine schwere Enttäuschung. Jene beiden Filme verbuchten samt Previews jeweils mehr als 600,000 Zuschauer zum Start. Vaiana steht inkl Previews bei 207,000 Besuchern bis Sonntag. Geradezu schockierend ist es, dass Vaiana sogar Sing in dessen dritten Woche nicht schlagen konnte. Es ist eins der besucherschwächsten Startwochenenden überhaupt für einen Film von Walt Disney Animation. Dank den Feiertagen und Weihnachtsferien wird sich Vaiana in den kommenden Wochen sehr gut halten, doch mehr als 1,8 Mio Zuschauer wird er vermutlich dennoch nicht erreichen.
Auf Seite 2 verraten wir Euch, wie Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind, Willkommen bei den Hartmanns sowie die Newcomer Vier gegen die Bank, Allied – Vertraute Fremde und Nocturnal Animals am Wochenende abgeschnitten haben.
Dank seinem weltweiten Erfolg mit Das Boot, für den Wolfgang Petersen selbst zwei Oscarnominierungen erhielt, avancierte der einstige "Tatort"-Regisseur mit Hits wie In the Line of Fire, Air Force One und Der Sturm neben Roland Emmerich zu einem der erfolgreichen Hollywood-Exporte Deutschlands. Nach dem Kinoflop Poseidon nahm sich der Filmemacher eine zehnjährige Auszeit und kehrt jetzt mit Vier gegen die Bank wieder in die Kinos zurück. Das Medienecho war verständlicherweise groß, als letztes Jahr angekündigt wurde, dass Petersen 35 Jahre nach Das Boot erstmals wieder in deutscher Sprache drehen würde und für die Neuverfilmung seines eigenen Fernsehfilms aus dem Jahre 1976 auch noch eine hochkarätige Starbesetzung aus Til Schweiger, Matthias Schweighöfer, Michael Bully Herbig und Jan Josef Liefers für die Hauptrollen engagierte. Dass der Film daraufhin als deutsches Ocean’s Eleven angepriesen wurde, lag selbstverständlich auf der Hand. Es ist nur zu schade, dass Petersens Inszenierung genau so anonym bleibt wie bei einem x-beliebigen Fernsehfilm, lediglich mit einer deutlich namhafteren Besetzung. Diese agiert leider die meiste Zeit so, als würde man sie bei einem gut bezahlten Urlaub filmen. Einen ähnlichen Vorwurf könnte man durchaus auch Steven Soderberghs Ocean’s-Reihe machen, doch seine Filme erhebten die Gelassenheit und Lockerheit zur eigenen Kunst und punkteten mit Elan, Stil und purer, unverfrorener Coolness. Diese sucht man bei Vier gegen die Bank vergeblich, während der Film von einer nicht sonderlich unüberwindbaren Hürde für seine Hauptfiguren zur nächsten dahinplätschert.
Der Triumph der Underdogs gegen die böse, böse Bank ist gerade in heutiger Zeit ein Thema, das durchaus Anklang bei den Zuschauern finden sollte. Deshalb birgt der Film auch trotz seiner weitgehend lustlosen Inszenierung einen gewissen Unterhaltungswert. Dieser wäre jedoch vermutlich erheblich größer, hätte der Streifen dem Zuschauer wirklich Gründe gegeben, mit den besagten Underdogs mitzufiebern, doch das dünne Skript geht bei der Figurenzeichnung und Etablierung der Handlung nie über das nötigste Minimum hinaus. Nach etwa 20 Minuten wurden alle Hauptcharaktere in kurzen Vignetten vorgestellt, übers Ohr gehauen und planen ihre Rache. Das Drehbuch tut seinen Darstellern keinen Gefallen, doch diese holen auch selten das meiste davon heraus. Obwohl unter Cineasten immer wieder gerne gegen Til Schweiger, Matthias Schweighöfer und zuweilen auch Bully geschimpft wird, lässt sich schwer abstreiten, dass jeder von ihnen in Vergangenheit auch schon gute Leistungen abgeliefert hat, und ihren Status als beliebteste Schauspieler Deutschlands haben sich die drei auch hart erarbeitet. Ob als arroganter Werbefuzzi, prolliger Boxer, schräges Nervenbündel oder abgehalfterter Schauspieler – die Rollen wurden für die vier Hauptdarsteller präzise, aber auch ein wenig einfallslos zugeschnitten, sodass hier niemand seine eigene Komfortzone verlassen muss. Dementsprechend leisten sie auch weitgehend Dienst nach Vorschrift, was nur in wenigen Fällen für die erhofften Lacher sorgt. Gerade der in der Regel zuverlässige Jan Josef Liefers spielt hier ausgesprochen unmotiviert, während Alexandra Maria Lara als Ehefrau seines Charakters die vermutlich undankbarste größere Rolle im Film hat. Lediglich Bully schafft es trotz der karikaturhaften Gestaltung seiner Figur einen guten Eindruck zu hinterlassen, indem er mit seinen Marotten gekonnt auf dem schmalen Grat zwischen nervig und sympathisch lustig wandelt. Das eigentliche schauspielerische Highlight des Films ist allerdings Antje Traue (
Die Spielfilmadaption des populären Ubisoft-Games "Assassin’s Creed" erzählt von einem Apfel, der den freien Willen der Menschheit in sich trägt. Bei diesem Exemplar handelt es sich um jene sündige Frucht aus dem Garten Eden – nur dass sie in dem Fantasy-Abenteuer aus Metall besteht und grün leuchten kann. Ich vermute, an dieser Frucht hätten sich Adam und Eva die Zähne ausgebissen. Wie dem auch sei: Moderne Wissenschaftler sind ganz darauf versessen, das Stück in ihren Besitz zu bringen. Um das zu erreichen, müssen sie lediglich die Nachfahren der Hüter dieses Schatzes ausfindig machen. Eine technische Innovation macht es nämlich möglich, sich in deren DNA zu hacken, in der die Erinnerungen der Ahnen gespeichert sind, und so durch die nicht ganz freiwilligen Probanden in ein früheres Zeitalter zu schlüpfen. Klingt irgendwie komisch und verworren? Ist es auch. Allerdings hätte dieser Ansatz durchaus Spaß machen können, hätte der begabte Newcomer-Regisseur Justin Kurzel (
Callum "Cal" Lynch (Michael Fassbender) hat einen Zuhälter ermordet und bekommt dafür vom Staat die Todesspritze spendiert. Doch anstatt Cal zu töten, erwacht er kurz darauf in einer mysteriösen Einrichtung. Die Wissenschaftlerin Sofia (Marion Cotillard) klärt den erstaunten Kriminellen über die Hintergründe seiner unerwarteten Begnadigung auf: Sein entfernter Vorfahre Aguilar de Nerha (ebenfalls Fassbender) gehörte den Assassinen an, die im Spanien des 15. Jahrhunderts gegen die Anhänger des mächtigen Templerordens kämpften. Sofia geht davon aus, dass man Cal erfolgreich in den Geist Aguilars versetzen kann, der möglicherweise den Aufenthaltsort des begehrten Apfels kennt. Die Trips in die gefährliche Vergangenheit gelingen, doch die Prozedur scheint das Versuchskaninchen stetig zu verändern: Der Insasse wird langsam selbst zum Assassin …
Während die Szenen in der Gegenwart noch durchaus Fortschritt in der Geschichte erkennen lassen, tritt Kurzels Film stets völlig auf der Stelle, wenn sich Cal an die flexible Maschine koppelt und sich auf Aguilars Pfad begibt. Zugegeben, die Gestaltung des alten Spaniens besitzt durchaus ihre Reize, nur leider lässt „Assassin’s Creed“ den Zuschauern keine Minute Zeit, die damalige Umgebung zu erkunden oder die dortigen Figuren zumindest im Ansatz kennenzulernen. Action, Action und nochmals Action lautet das Credo dieser hautnahen Rückblicke – und so wird geprügelt, getreten, erstochen und erschlagen als ob es kein Morgen mehr gäbe. Was hier im Text vielleicht einen Adrenalinrausch erhoffen lässt, entpuppt sich auf der Leinwand leider als monotones und auf die Dauer arg ermüdendes Getümmel. Ein anwesender Kenner der Game-Reihe merkte nach der Vorführung an, dass die präsentierten, blutleeren Kämpfe keinesfalls die Kraft der Vorlage widerspiegeln. Ich verlasse mich in dieser Hinsicht auf seine Auskunft. Das Hauptproblem ist allerdings das völlige Ausbleiben einer Identifikationsfigur. Während die Geschichte Aguilars nur den Schauwerten dient und einem dessen Schicksal herzlich egal ist, bleiben leider auch Cal und Sofia völlig blass – da können selbst Hochkaräter wie Fassbender und Cotillard nichts mehr aus ihren eindimensionalen Charakteren reißen. Ich bin mir nicht sicher, ob man die Handlung in der Gegenwart oder die in der Vergangenheit kräftiger hätte ausbauen müssen, in der präsentierten Fassung versinkt „Assassin’s Creed“ zumindest in einem gänzlich uninspirierten Brei.
Kommen wir nun zu einem spannenden Punkt des ansonsten frustrierend zerfahrenen Werkes: Der Gegenstand des Apfels mag albern klingen und auch albern aussehen, doch der Gedanke, dass die progressive Wissenschaft den Willen der Menschen von den engen Ketten der Religion und Politik befreien möchte, ergibt Sinn. Freilich mit Vorsicht, wenn man an die Gefahren der sich immer weiter entwickelnden künstlichen Intelligenz denkt. Schade, dass der Film diese Thematik gar nicht länger verfolgen will, sondern mit der Figur von Sofias Vater Rikkin (Jeremy Irons) eine Wende nimmt und als Standardware mit enttäuschendem Antiklimax endet. Auch hier wurde ich informiert, dass man als Anhänger des Spiels an der Produktion durchaus Freude haben kann. Als Zuschauer ohne spezifische Kenntnisse der Materie hilft mir das jedoch kaum weiter. Übrigens gibt es in der High-Tech-Einrichtung neben Cal noch weitere Insassen, die unter anderem von Michael K. Williams („The Wire“) und Callum Turner (
Zu alt, um ein Kind zu sein und zu jung, um ein Mann zu sein, ist Conor an seiner Schule ein gepeinigter Außenseiter. Was ihn jedoch weit mehr bewegt und innerlich zerreißt, ist der Zustand seiner Mutter (Felicity Jones): Sie leidet an Krebs im Endstadium und die neu angesetzten Therapien zeigen keinen Erfolg. Conor muss stets denselben Albtraum durchleben, in dem seine Welt zerfällt und seine Mum einen Abgrund hinabzustürzen droht. Als sie nach einem Zusammenbruch ins Krankenhaus eingeliefert wird, soll er bei seiner strengen und ungeliebten Großmutter (Sigourney Weaver) wohnen. Völlig verzweifelt und mit der Situation überfordert, ruft der Junge unbewusst ein baumartiges Monster (Liam Neeson) herbei, das ihm drei Geschichten erzählen will. Die vierte danach soll Conors eigene werden …
„Sieben Minuten nach Mitternacht“ ist ein Film, dessen Ausgang von Beginn an determiniert ist. Wichtig ist der Weg dorthin und die Charaktere, die das intime Drama formen. Nur auf den ersten Blick ist Conor der artige und tadellose Sohn: Je mehr wir über ihn erfahren, desto mehr erkennen wir, welche dunklen aber zutiefst menschlichen Schluchten sich in ihm auftun. „Werde ich nicht bestraft?“ – diese Frage stellt er im Verlauf des Films mehrfach. Da ist eine Schuld, die nur er verspürt, die aber wie ein Schatten über all den kleinen und großen Schandtaten schwebt, die er im Verlauf begehen soll. Die Komplexität von Individuen wird in den einzelnen, farbenfroh gestalteten Geschichten des Monsters illustriert. Jede endet anders als es der Junge angenommen hätte, weshalb er irgendwann frustriert aufgibt. Natürlich steckt hinter diesen Erzählungen ein Gleichnis, dessen wahrer Kern für Conor zunächst verschlossen bleibt. Wie bereits die Genre-Meisterwerke „Paperhouse“ (1988) von Bernard Rose und 
Besonders nachhaltig ergreift einen hier übrigens die Beziehung zwischen Conor und seiner Großmutter. Was erst als kalte Abneigung erscheint, bröckelt langsam auf, ohne je das Eis auf gezwungen kitschige Weise zu brechen. Das Ende von „Sieben Minuten nach Mitternacht“ ist rührend, ohne jedoch den Druck auf die Tränendrüse zu arg zu strapazieren. Die Momente, in denen man kurz schlucken muss, sind vielleicht nicht die, auf die wir lange vorbereitet worden sind, sondern folgen erst im Anschluss an das Unvermeidliche. Liam Neeson, der dem Monster im Original seine Stimme leiht, ist übrigens spät noch einmal selbst zu erblicken – ein kleines, magisches Extra in einem bewegenden Film.
Abgesehen davon, dass es der erste Star-Wars-Film seit zehn Jahren war (vom The-Clone-Wars-Animationsfilm mal abgesehen), lag der besondere Reiz von 
Diese Gratwanderung meistern Edwards und seine Drehbuchautoren mit Bravour. Rogue One ist eine natürliche Ergänzung der Star-Wars-Saga, die sorgfältig größere und kleinere bekannte Elemente einbaut. Wie ein fehlendes Puzzlestück füllt der Film eine Lücke, die vorher gar nicht bewusst wahrgenommen wurde, und wirkt rückblickend so, als wäre er schon immer Teil der Saga gewesen. Dabei entwickelt der Film jedoch auch eine eigenständige Geschichte und greift ein Thema auf, das in den bisherigen Star-Wars-Filmen nie im Vordergrund stand, jedoch längst überfällig war. Rogue One setzt sich direkt mit den Auswirkungen auseinander, die ein zermürbender Krieg auf Menschen hat. Wenn wir Diego Lunas Cassian erstmals treffen, tötet er kaltblütig einen Informanten. Es bleibt nicht die letzte fragwürdige Aktion der Rebellen und der Film wirft (manchmal auch explizit) Fragen auf, wie weit man im Kampf für eine noble Sache gehen darf und sollte, und wo eigentlich die Grenze zwischen dem Vorgehen des Imperiums und dem der Rebellen verläuft. Es sind dieses Thema und der insgesamt düstere und dreckige Ton des Films, die Rogue One zum vielleicht erwachsensten aller Star-Wars-Filme machen.
Die menschlichen Charaktere kommen nicht alle so gut weg. Zwar ist keiner von ihnen bloß Mittel zum Zweck, um die Handlung voranzubringen, die meisten aus dem Rogue-One-Team bleiben jedoch sträflich unterentwickelt. Alle Figuren sind so interessant angelegt, dass man mehr von ihnen sehen und erfahren möchte, doch viele kommen letztlich zu kurz, insbesondere Donnie Yen als blinder Mönch Chirrut Îmwe mit einer besonderen Verbindung zur Macht und Jiang Wen als sein Gefährte Baze. Immerhin haben beide einige wirklich eindrucksvolle Actionszenen in dem Film und Yens Martial-Arts-Talent kommt zum Einsatz und wird nicht – wie bei den Stars aus The Raid in 
Was in Rogue One nicht zu kurz kommt, ist die Action, die hier in wirklich atemberaubenden Bildern eingefangen wurde und uns daran erinnert, wieso wir überhaupt ins Kino gehen. Mit seiner langen, spektakulären und ideenreichen Raumschlacht sowie der temporeichen Action am Boden wird der gesamte dritte Akt die Fans begeistern. Sowohl emotional als auch visuell ist das große Finale eine absolute Meisterleistung und schließt mit Szenen ab, bei denen Fans nicht aus dem Grinsen kommen werden. Regisseur Gareth Edwards zeigte bereits mit 
Der deutsche Titel von Ang Lees neuester Regiearbeit „Die irre Heldentour des Billy Lynn“ lässt eine schlechte Actionkomödie aus den Achtzigern erwarten. Tatsächlich aber schildert der auf dem gleichnamigen Roman von Ben Fountain basierende Film die Erlebnisse eines jungen Soldaten nach seiner Rückkehr aus dem Irak. Begrenzt auf einen kurzen Handlungszeitraum und ständig fragmentiert durch Rückblenden, konzentriert sich der zweifache Oscar-Preisträger Lee (
So lernen wir den neunzehnjährigen Titel- und auch Kriegshelden Billy Lynn (Newcomer Joe Alwyn erinnert in seiner ersten Spielfilmrolle angenehm an die ersten Schritte von Tobey Maguire oder Jake Gyllenhaal) kennen, als er sich mit seinem Sergeant Dime (Garrett Hedlund), dem Medienprofi Albert (Chris Tucker) und seiner Kompanie auf dem Weg zu einem großen Football-Spiel befindet. Die Heimreise ist nur eine Zäsur, eine Halbzeit, denn nach einem mutigen Einsatz als Helden gefeiert, sollen die Schicksale der Männer in den USA vor laufenden Kameras zelebriert – und ausgeschlachtet – werden. Über Rechte für eine Kinoadaption wird diskutiert, und während Feuerwerke abgefackelt werden und Cheerleaderinnen sowie Popacts eine heitere Show für das Publikum versprechen, bricht in Billy und seinen Kameraden der vergangene Schrecken vor dem geistigen Auge erneut durch …
„Die irre Heldentour des Billy Lynn“ ist ein seltsamer, aber auch bemerkenswerter Film. Zwischen existenziellem Drama und offensichtlicher Satire pendelnd, verliert das Werk im Verlauf immer wieder den Fokus. So geht es schließlich nicht mehr nur um das Innenleben des – beziehungsweise der – Protagonisten, sondern am Rande auch um religiöse bis esoterische Fragen oder eine kritische Perspektive auf den Irakkrieg. In den Mittelpunkt rückt immer mehr die Diskrepanz zwischen der fragwürdigen Sicht der Zivilbevölkerung auf die fernen Kämpfe und den tatsächlichen Schicksalen der unmittelbar Beteiligten. Während der Verlust ihres gefallenen Vorgesetzten Shroom (Vin Diesel) der Gruppe noch tief zusetzt, wird sie wie ein Haufen Kinder respektlos durch das Medienspektakel gescheucht. Hier kommt es schließlich zu gefährlichen Eskalationen, wenn die Grenze zwischen unverarbeiteten Traumata und der Realität verwischt und sich die Soldaten blitzartig erneut im Gefecht wähnen. Das Thema des posttraumatischen Stresssyndroms wird vehement von Billys fürsorglicher Schwester Kathryn (Kristen Stewart) hervorgebracht, die ihren Bruder dringend von der Rückkehr in den Irak abbringen will. Ang Lee gelingt es zwar, die einzelnen Kernpunkte seines Films deutlich zu vermitteln, aber der Wechsel zwischen tragischen und komischen Momenten ist teils so abrupt, dass dem Publikum eine fast schon stakkatoartige emotionale Flexibilität abverlangt wird. Wenn der Abspann läuft, bleibt ein interessantes Mosaik, aber kein homogenes Gesamtbild. Es bleibt die Entscheidung Billys über seine Zukunft und ein stechender Blick auf eine aalglatte Oberfläche.
Der für mich spannendste Aspekt von „Die irre Heldentour des Billy Lynn“ ist übrigens der Blickwinkel von der Filmindustrie, die ja schließlich tatsächlich jedes spektakuläre Ereignis und jede herausragende Persönlichkeit so schnell wie möglich und egal mit welchen Mitteln am liebsten direkt in einen oscarträchtigen Heuler umwandeln will. Solch ein polierter Schmachtfetzen ist Ang Lees Arbeit zum Glück nicht. Und auch wenn der renommierte Regisseur schon weit involvierendere Resultate abgeliefert hat, ist seine eigenwillige Vision durchaus erfrischend.
