Quelle: Warner Bros. Deutschland
Über die Person Til Schweiger und seine Filme kann man sich streiten. Arroganter Gockel mit wenig Talent oder begabte Kombi aus Regisseur und Schauspieler? Da hat jeder seine eigene Sichtweise. Aber zwei Dinge muss man ihm lassen. Zunächst, dass er der schlechthin erfolgreichste deutsche Filmstar ist. Mehr als 6 Mio Besucher sahen Keinohrhasen, jeweils mehr als 4 Mio ließen sich für Zweiohrküken und Kokowääh begeistern. Das Kokowääh-Sequel ist auch auf gutem Wege, mehr als 2,5 Mio Kinogänger zu erreichen. Auch Filme, bei denen er nicht Regie führt, genießen öfters großen Erfolg. Und die beste "Tatort"-Quote seit 20 Jahren spricht für sich.
Zweitens hat Herr Schweiger unbestreitbar Geschäftssinn. Seine letzten fünf Regiearbeiten vor Kokowääh 2 lockten im Schnitt fast 3,5 Mio Besucher pro Film ins Kino. Er weiß mit Sicherheit, was dem Publikum gefällt. Doch es geht noch weiter. Mit Keinohrhasen (6,3 Mio Besucher) schuf er den erfolgreichsten deutschen Film der letzten acht Jahre, machte Nora Tschirner zum großen Star und brachte auch Matthias Schweighöfer (der nun Schweiger in jeglicher Hinsicht nacheifert) ins Rampenlicht. Prompt legte Schweiger ein Sequel nach, welches ebenfalls von mehr als 4 Mio Zuschauern gesehen wurde. Zudem gab es von Schweiger zu jedem der beiden Filme lizenzierte Kuscheltiere (eben den Keinohrhasen und das Zweiohrküken) zu kaufen. Doch damit nicht genug – gemeinsam mit dem Kinderbuchautor Klaus Baumgart (Lauras Stern) verfasste Til Schweiger das Bilderbuch Keinohrhase und Zweiohrküken, eine Art Ableger seiner erfolgreichen Filme für kleine Kinder. Darin geht es um den Keinohrhasen, der keine Freunde hat (weil er eben keine Ohren hat) bis er ein Ei findet, aus dem das Zweiohrküken schlüpft. Auch diese Kreation war erfolgreich genug, sodass mit Zweiohrküken und Keinohrhase (cleverer Fortsetzungstitel, was?) ein weiteres Buch nachgelegt wurde. Jetzt schließt sich der Kreis. Gemeinsam mit Thilo Graf Rothkirch (Der kleine Eisbär) hat Til Schweiger die animierte Verfilmung des Bilderbuchs inszeniert. Also zusammenfassend: aus einer Idee entstanden zwei Kinohits, zwei Bilderbücher, Kuscheltiere und nun ein Animationsfilm. Man kann vom Film halten, was man mag (der Presse wird Schweiger den wahrscheinlich wie üblich nicht vorführen), doch eine gewisse Cleverness kann man hier nicht abstreiten. Und warum auch nicht? Schließlich entscheidet am Ende der Konsument und dieser hat sich über Jahre hinweg eindeutig für Schweiger entschieden.
Keinohrhase und Zweiohrküken kommt am 26.09.2013 in die deutschen Kinos.
DVD:
BluRay:
2 Disc-BluRay:
Noch vor zwei Jahren hätten wahrscheinlich mehr als 99% aller Deutschen beim Namen "Omar Sy" die Schultern gezuckt. Nachdem Ziemlich beste Freunde aber letztes Jahr beinahe 9 Mio Deutsche in den Kinos begeistert hat (und zu den erfolgreichsten Filmen aller Zeiten hierzulande wurde), dürfte der Name deutlich geläufiger sein. In keinem anderen Land außerhalb Frankreichs war Ziemlich Beste Freunde ein solcher Riesenerfolg wie in Deutschland. Wer ihn auch nicht direkt beim Hören zuordnen kann, spätestens beim Anblick seines ansteckenden Grinsens erkennt man ihn wieder. Sys sympathische Performance und seine ungezwungene Komik im französischen Überflieger war nämlich ein wichtiger Bestandteil des Erfolgs jenes Films. Jetzt legt Omar Sy in den deutschen Kinos mit der amüsanten Actionkomödie 
Bereits vor dem Kinosaal wurde Omar Sy auf seine Rolle im kommenden X-Men-Film, X-Men: Days of Future Past angesprochen. Dabei hielt sich der Star relativ bedeckt, sagte, dass er sich auf die Zusammenarbeit mit Bryan Singer (Anm: Regisseur von X-Men: Days of Future Past) freue, dass er aber den Charakter, den er spielen wird, nicht verraten könne. Immerhin konnte ihm der vorhin erwähnte französischsprachige Zuschauer aus dem Publikum entlocken, dass er für die Rolle wohl ein bisschen trainieren muss (sein Personal Trainer war wohl auch anwesend), obwohl wie Sy lächelnd betonte, er sei eigentlich stets sehr gut in Form. Auch zum Start der Dreharbeiten wollte sich der Mime nicht genau äußern. Unvermeidlich war auch die Frage, ob er etwas Deutsch könne, woraufhin er einen auswendig gelernten Satz aus seiner Schulzeit zitierte, was wiederum für viele Lacher sorgte. Schließlich wurde Sy auch gefragt, ob er denn bewusst häufig Charaktere spielt, die aus den Banlieues (Pariser berüchtigte Vorstadtsiedlungen) kommen und ob er auch diesen Hintergrund hat. Dies bejahte Sy, betonte aber, dass das Bild der Banlieues, das viele im Ausland, aber auch in Frankreich, haben, sehr negativ sei, insbesondere was deren Einwohner betrifft. Dem will er dadurch entgegensteuern, dass er zwar häufig Rollen von Vorstadt-Typen annimmt, aber nur, wenn diese auch positive Eigenschaften haben und keine Klischee-Gangster sind. Ich selbst wollte von Omar wissen, ob er denn seine deutsche Stimme gehört hat und wie er sie fand. Omar grinste: tatsächlich hat er sie bereits gehört. Sein Kommentar dazu: "Den Typen muss ich treffen!".
Über Jahrzehnte schien Hollywood das Subgenre der sogenannten Buddy-Cop-Komödien für sich gebunkert zu haben, obwohl deren (nicht wirklich komödiantischen) Ursprünge auf Akira Kurosawas Ein streunender Hund zurückgehen. Es war jedoch der Eddie Murphy/Nick Nolte-Streifen Nur 48 Stunden, der das Genre popularisiert hat. Filme wie Tango & Cash, Bad Boys, Lethal Weapon, Rush Hour und unzählige andere folgten dem Muster, bei dem zwei möglichst gegensätzliche Kerle (meist Polizisten, jedoch nicht immer) widerwillig miteinander zusammenarbeiten müssen, wobei die Gegensätze (häufig durch unterschiedliche Ethnien der Darsteller betont) als Humorquelle dienen. Obwohl Axel Foley (Eddie Murphy) in den Beverly Hills Cop-Filmen hauptsächlich solo ermittelt, wird der Film wegen der ähnlichen Machart dennoch häufig zu diesem Subgenre der Actionkomödien dazugezählt. Spätestens nach der zehnten Variante des gleichen Aufbaus waren jedoch die Thematik und das Repertoire an den möglichen Witzen größtenteils ausgeschöpft, weshalb uns auch im letzten Jahrzehnt müde Abklatschfilme wie National Security und Hollywood Cops serviert wurden. Die Vorherrschaft Hollywoods bei dieser Art von Filmen wollte die europäische Filmindustrie aber scheinbar nicht ewig auf sich sitzen lassen und das britische Trio Edgar Wright, Simon Pegg und Nick Frost lieferten 2007 mit Hot Fuzz – Zwei abgewichste Profis eine 1A-Persiflage auf das gesamte Genre, wobei der Film zugleich auch als ein toller Vertreter eben dieser Filmgattung funktioniert. Auch aus Frankreich kommen seit Jahren Annäherungen an das Genre. Die Taxi-Trilogie ist letztlich nichts anderes, als Frankreichs Antwort auf die Buddy-Cop-Filme, wobei hier nur einer der Hauptcharaktere ein Polizist ist. Auch der mehr actionbetonte und in Deutschland unglücklich „Ghettogangz“ betitelte Banlieue 13 schlägt in dieselbe Kerbe. Es war also nur eine Frage der Zeit bis das cinematisch Hollywood in seiner Vielfalt und seinem Mainstream-Appeal ähnlichste Land des europäischen Festlands einen waschechten Vertreter des Buddy-Cop-Genres abliefern würde. Vorhang auf für Ein Mordsteam!
Die Ausgangslage ist so konventionell, dass Hollywood mal ausnahmsweise nicht in Versuchung geraten sollte, sofort ein Remake aufzusetzen. Schließlich wurde diese Story bereits gefühlte Dutzende Male in der Traumfabrik verfilmt. Ein schwarzer Cop mit großer Klappe aus einem Großstadtghetto (hier durch die jenseits der Grenzen Frankreichs berüchtigten Banlieues vertreten) trifft auf einen herablassenden Paragraphenreiter. Stress ist vorprogrammiert, die beiden hassen sich, sind gezwungen miteinander zusammenzuarbeiten, erwärmen sich langsam für einander, erfahren Rückschläge und Krisen und sind am Ende doch ziemlich beste Freunde. Alle Differenzen sind überwunden (zumindest bis sie in einem Sequel wieder aus der Kiste geholt werden müssen). Falls hier jemand befürchtet, dass zu viel von der Handlung verraten wurde, hat diese Person wohl noch nie eine Actionkomödie gesehen (und wird daher kaum ein Interesse an Ein Mordsteam haben). Viele Hollywood-Filme (alle bisher in dieser Kritik genannten und mehr) folgen diesem Schema und die Macher von Ein Mordsteam sahen nie ein, von diesem abzuweichen. Vielmehr wird im Film der Bezug zu den klassischen Actionkomödien sogar betont, indem François in Ousmanes Filmsammlung Nur 48 Stunden und Lethal Weapon findet, während Ousmane selbst Eddie Murphys Axel Foley aus Beverly Hills Cop zu seinem filmischen Vorbild erklärt und der Klingelton seines Handys die Titelmelodie eben dieses Films ist. Auf einer gewissen (bewussten oder unbewussten) Meta-Ebene findet hier eine amüsante dieses amerikanischen Genre-Klassikers mit einem der bekanntesten Vertreter des französischen Actionkinos statt. François‘ Favorit ist nämlich der von Jean-Paul Belmondo gespielte Josselin Beaumont aus Der Profi (dessen geniale Musik von Ennio Morricone wir im Film ebenfalls an einer Stelle zu hören bekommen).
Da sich der Film in seiner Erzählstruktur und seinem Humor von seinen Vorbildern nicht unterscheidet und daher größtenteils überraschungsfrei daherkommt, liegt es an den Hauptdarstellern, daraus etwas Besonderes zu machen. Das gelingt den beiden auch zum Glück. Omar Sy hat seinen zwangslosen Vorstadt-Charme und seine Fähigkeit zu Situationskomik in Ziemlich beste Freunde vor beinahe 9 Millionen deutschen Kinogänger unter Beweis gestellt und er enttäuscht auch in Ein Mordsteam nicht. Auch wenn er die durch das Drehbuch relativ eng ausgelegten Grenzen seines Charakters nicht sprengt, macht er dank seinem natürlichen Comedy-Talent das Beste daraus und steht in seinen besten Momenten Eddie Murphy zu seiner Glanzzeit in nichts nach. In Laurent Lafitte hat er einen sehr guten Gegenspieler. Obwohl dank dem Erfolg von Ziemlich beste Freunde Sy deutlich mehr Aufmerksamkeit seitens der Zuschauer erhält, verdient Lafitte mindestens genau so viel Beachtung. In einem Punkt werden nämlich die ansonsten typischen Rollenbilder aufgebrochen. Der vorlaute und ansonsten coole Vorstadt-Cop ist kein Weiberheld, sondern eher schüchtern und verklemmt, während Lafitte sichtlich Spaß daran hat, François als einen dauergeilen, übertrieben charmanten Aufreißer zu spielen. Beide werfen sich ständig den Ball zu und die Komik des Duos lässt den Zuschauer die unnötig komplizierten Ermittlungen leichter verschmerzen. Eine besondere Erwähnung verdient auch die Filmmusik des für 
Nach Vampiren und Werwölfen (das „Twilight“-Franchise) sowie Außerirdischen („Ich bin Nummer Vier“) jetzt also eine Teenager-Lovestory mit Zombies. Was sich bei Altmeister Romero bereits abzeichnete – die Wiedermenschwerdung der entmenschlichten Wesen („Day of the Dead“, „Land of the Dead“), wurde 2010 von Isaac Marion in seinem Roman „Mein fahler Freund“ aufgegriffen und 2013 unter Regie von Jonathan Levine („All the Boys Love Mandy Lane“, „50/50 – Freunde fürs Leben“) zum entsprechenden Film adaptiert. Dabei ist natürlich klar, was den Zombies wieder frisches Leben einhauchen wird: Die Liebe. In diesem Fall: Die Grenzen überwindende Liebe zwischen R und Julie. Die Parallelen zu Shakespeares „Romeo und Julia“ sind natürlich nicht zu übersehen. Anstatt, wie in „Twilight“, den Schinken auf dem Nachtisch zu platzieren, wird in „Warm Bodies“ die Namensgebung angepasst und flink die Balkonszene nachgestellt.
Die Idee ist nicht ohne Reiz, und obwohl sich „Warm Bodies“ klar erkennbar an den Genreeckpunkten abarbeitet, schafft er es, dem an sich ziemlich ausgelutschten Thema „Zombie“ interessante neue Aspekte abzugewinnen, sowie ab und zu clevere Details einzubauen. Eine „Lucio Fulci“-Blu-Ray wird ins Bild gehalten (ausgerechnet der verblichene Teenager hält die Vorzüge von Vinyl gegenüber MP3-Dateien hoch) und die Dreiecks-Beziehung zwischen lebendem Mädchen, totem Freund und untotem Verehrer, der durch Verzehr des Hirnes seines Vorgängers dessen Erinnerungen erlangt, ist ebenfalls ein spannendes Konstrukt. Leider lässt „Warm Bodies“ die meisten dieser Ansätze recht schnell wieder fallen. Die Dreiecks-Beziehung wird nach einer kurzen Trennung der Protagonisten nie wieder angesprochen, und auch der Konflikt zwischen dem jungen Liebespaar und Teresas Vater (ziemlich verschenkt: John Malkovich) wird arg stiefmütterlich behandelt und ohne große Probleme im letzten Drittel des Filmes aufgelöst. Am Ende erzählt er seine vorhersehbare Geschichte von zwei jungen Liebenden, die aus unterschiedlichen Gesellschaften kommen und deren Glück sich über Angst und Vorurteile hinaus beweisen muss. Dieser Konflikt wird dann auch recht unbefriedigend durch die Einführung einer dritten Partei gelöst, die einen Zusammenschluss der beiden Gruppen (Menschen und Zombies) so oder so nötig macht.
Auch wenn „Warm Bodies“ das in ihm schlummernde Potential nie wirklich ausschöpft – was geboten wird, ist dennoch sehenswert. Palmer (die auch schon in „Ich bin Nummer Vier“ mitspielte) und Hoult (dieses Jahr noch als Jack in „Jack and the Giants“ zu sehen) sind ein wunderbares Leinwandpaar und meistern ihre Rollen souverän. Gerade Hoults lakonischer Voice-Over zu Beginn des Films, der den Tagesablauf eines Zombies erläutert, sorgt für einige Schmunzler. Ansonsten dudelt, manchmal allzu penetrant, das Beste aus den 80ern, den 90ern und das Beste von heute durch den Soundtrack, und vor großen Gewalteskalationen schreckt „Warm Bodies“ – wohl mit Blick auf eine angemessene Altersfreigabe – zurück. Das Gefühl, dass der Film reichlich kalkuliert ist, wird man ohnehin nicht ganz los. Auf der anderen Seite hätten wohl nur die wenigsten Zuschauer etwas wirklich komplett mit Erwartungen und Konventionen Brechendes erwartet. Und darüber hinaus kann selbstverständlich auch ein kalkulierter Kinder- und Jugendfilm in den Händen eines fähigen Teams zu einer guten Arbeit werden. Und eben so einer ist „Warm Bodies“ geworden.
„Stoker“, das US-Debüt von Chan-wook Park („Oldboy“), beweist, dass inszenatorischer Stil bereits die halbe Miete sein kann. Das, was wir sehen, trägt ganz unverkennbar die Handschrift des visionären Südkoreaners, während das Drehbuch von „Prison Break“-Star Wentworth Miller der Filmwelt im Kern nicht sonderlich viel neues hinzuzufügen hat. Ich habe die Vorlage nicht gelesen, doch sollte in dieser nicht explizit vermerkt sein, wie die Szenen mit- und ineinander montiert werden müssen, so gebührt dem Regisseur und seiner Crew zweifellos die größte Anerkennung für dieses kleine audiovisuelle Kunstwerk. In anderen Händen hätte aus der charmanten wie offensichtlichen Hitchcock-Hommage ebenso gut ein austauschbarer Mysteryschinken ohne eigene Duftmarke werden können. Doch Park verbeißt sich in den sinistren Figuren und dem verträumten Setting und kreiert daraus seinen individuellen Coming of Age-Stoff. Während sich viele internationale Regisseure für ihren Eintritt in die Traumfabrik glattbügeln und zurechtbiegen lassen, widersteht er der Versuchung des schnellen Geldes für ein halbherziges Cash In-Projekt.
An der Oberfläche mag „Stoker“ wie eine reichlich pervertierte Interpretation von „Im Schatten des Zweifels“ (1943) anmuten, doch die intensiv mit der sinnlichen Wahrnehmung spielende Umsetzung ruft da schon fast Hélène Cattets und Bruno Forzanis eigenwillige Giallo-Verbeugung „Amer“ von 2009 ins Gedächtnis. Sex findet etwa in einer vermeintlich harmlosen Klavierübung oder in der Rekapitulation eines brutalen Mordes statt. Ohnehin wird die fleischliche Verführung oft untrennbar mit dem Töten verbunden. Das bewusste Statement eines Ausländers zu der moralisch fragwürdigen US-Filmpolitik? Blutlachen sind in Ordnung, solange darin niemand hüllenlos badet – also warum nicht gleich den gesamten Geschlechtsakt in eine Sprache übersetzen, an der sich scheinbar niemand stört? Manchmal müsse man etwas böses tun, um sich so vor etwas schlimmeren zu schützen, heisst es auch in einer Szene.
Im Mittelpunkt steht hier India Stoker (Mia Wasikowska), die an ihrem achtzehnten Geburtstag ihren Vater Richard (Dermot Mulroney) bei einem schrecklichen Autounfall verloren hat – am Ende des Films wird sie noch etwas ganz anderes verlieren. In ihr tristes Leben und das ihrer Mutter Evelyn (Nicole Kidman) tritt ihr zuvor unbekannter Onkel Charlie (Matthew Goode), Richards Bruder. Ähnlich wie im bereits genannten „Im Schatten des Zweifels“ verfügt die Protagonistin auch hier über ein nahezu übersinnliches Gespür für die Dinge in ihrem Umfeld, und auch der charismatische, gleichnamige Antagonist verkörpert von Beginn an das Unheil, das sich über die Familie legt. Anders als im Hitchcock-Klassiker jedoch ist India nicht bloß das sympathische, naive Mädchen von nebenan auf der Schwelle zur erwachsenen Frau, sondern sie verbirgt etwas abgründiges unter ihrer braven Fassade. Und so ist es auch mit ihrer daueralkoholisierten Mutter und der seltsam betäubt wirkenden Welt, in der sie sich bewegen. Das Zeitgefühl löst sich auf, die Figuren erstarren in den Bildern manchmal wie passive Skulpturen oder Gefäße, die von Krabbeltieren erforscht oder von Ereignissen gefüllt werden. Manche Vorfälle scheinen nur, ohne zu sein. Oder sind sie etwa doch? Es könnte alles der blühenden Fantasie eines verwirrten Mädchens entspringen, ein langer Tagtraum. Wenn wir uns nun von der ekstatischen Umsetzung lösen, liegt auf der formal-inhaltlichen Ebene immer noch ein Thriller über einen mysteriösen Mann und eine junge Frau in dessen Bann …
In der Inszenierung und Struktur steckt zweifellos die große Kraft von „Stoker“, allerdings sollten auch keinesfalls die darstellerischen Leistungen, allen voran die von Mia Wasikowska („Jane Eyre“) als enigmatische India, unterschlagen werden. Matthew Goode etwa verleiht seinem Wolf im Schafspelz genau die richtige Balance aus psychotischem Impuls und kühler Berechnung, auch wenn seine Figur letztlich zu früh ihr Geheimnis offenbart und dann deutlich an grausiger Faszination einbüßt. Und natürlich ist da noch Nicole Kidman als Evelyn Stoker: Obwohl vergleichweise im Hintergrund gehalten, gehören ihr letztlich die bittersten Worte, die einem Charakter in dem morbiden Schauderstück über die Lippen rutschen. Die kleinen Details machen den Film zusätzlich spannend. Beispielsweise die beiden Eiscremesorten, die India von Charlie spendiert bekommt und die sie bereits vor eine Wahl stellen: Vanille, weiß, oder Schokolade, schwarz? Sie mag beides am liebsten gut gemischt, so die Antwort. Ob sich am Ende dennoch eine dieser Farben durchsetzen wird, wenn der passend gewählte Song „Becomes The Color“ von Emily Wells den Abspann einleitet … ?
Selbst wenn Chan-wook Park mit seinem finsteren US-Familienporträt gewiss nicht sein Meisterwerk abgeliefert hat, besitzt „Stoker“ wieder einen Reiz, der dessen Vorgänger „Thirst“ (2009) trotz guter Ansätze irgendwo abhanden gekommen ist. Vielleicht ist es gar das Ausloten von Grenzen auf diesem neuen Markt gewesen, das den Regisseur zu dieser inspirierten Arbeit animiert hat – die Möglichkeit, sich trotz gewisser Vorgaben stilistisch treu zu bleiben. Wie bereits zu Beginn angemerkt: Dies hätte unter schlechten Vorraussetzungen durchaus auch eine unerträglich hippe Aufarbeitung eines klassischen Thrillerstoffes werden können. Park ist hier ein Regieglücksfall, ausgestattet mit einem scharfen Auge auf das Innere der Geschichte und mit den notwendigen Fähigkeiten für eine innovative Gestaltung. Verpackung und Inhalt verschmelzen gekonnt miteinander. Selbst die moderne Typografie des Vorspanns verliert sich langsam hinter den surrealen Bildern, bis sie schließlich gänzlich in diese integriert wird. Das passt wunderbar.
