Quelle: The Hollywood Reporter
50/50 – Freunde zum (Über)leben war einer der schönsten Filme von 2011 und wahrscheinlich der beste Film des Regisseurs Jonathan Levine, der letztes Jahr mit der Zombie-Romanze Warm Bodies seinen größten Mainstream-Erfolg feierte. Neben der sicheren Regie und einem pointierten, tragikomischen Drehbuch, war es vor allem die Chemie seiner beiden Hauptdarsteller, Joseph Gordon-Levitt und Seth Rogen, die 50/50 zu einem so gelungenen Filmerlebnis machte. Die Freundschaft der beiden, mit allen Höhen und Tiefen, hat man als Zuschauer bereits nach wenigen Minuten abgenommen. Umso mehr freut es mich, dass die beiden auch an Bord des nächsten Films von Levine sein werden. Wie The Hollywood Reporter berichtet, inszeniert Levine demnächst eine noch unbetitelte Weihnachtskomödie, für die er auch die Drehbuchvorlage geliefert hat. Diese handelt von drei Freunden aus Kindertagen, die sich in New York an Heiligabend wiedertreffen, um einer jährlichen Tradition folgend gemeinsam auszugehen und zu feiern. Rogen und Gordon-Levitt spielen zwei der Freunde; die dritte Rolle muss noch besetzt werden. Wie wäre es mit Rogens Kumpel Jay Baruchel (Das ist das Ende)?
besetzt hat, ist Sean Pertwee. Der britische Schauspieler (Bild unten links aus The Seasoning House) ist eine häufige Präsenz in Genrefilmen wie Dog Soldiers, Doomsday oder Wilderness. In "Gotham" übernimmt er den Part von Bruce Waynes/Batmans Butler Alfred Pennyworth und ist somit der jüngste Schauspieler, der die Rolle je gespielt hat. Sein Alfred ist ein knallharter Ex-Marine aus London. Die zweite große Rolle, die besetzt wurde, ist die des Antagonisten – Robin Lord Taylor (Bild oben aus "Person of Interest") wird niemand anderen als Oswald Cobblepot alias The Penguin spielen. Damit bestätigt sich 
„McGuffin“ bekommt eine völlig neue Bedeutung in George Clooneys komfortablen Kriegsstreifen. Darin versuchen der Regisseur und sein supersauberes halbes Dutzend Kunstkenner zu retten, was noch zu retten ist: an bedrohten Kunstschätzen und dem holprigen Plot. In seiner fünften Kino-Regiearbeit spielt Clooney den Historiker Frank Stokes, der gegenüber Franklin D. Roosevelt den zivilisatorischen Wert der von den Nazis begehrten Weltkulturschätze hervorhebt: „Wenn man eine ganze Generation der Kultur eines Volkes zerstört, ist es als hätte es nie existiert.“ Der Verlust geistesgeschichtlicher Monumente wiegt schwerer als der von Individuen, ließe sich diese Aussage interpretieren. Die Frage nach der Bedeutung historischer Kunstschätze vor dem Hintergrund historischen Massenmordes ist desto diffiziler und konfliktiver, je mehr man sich darauf einlässt. Gerade solche Auseinandersetzungen erwartet man von einem Regisseur, der in seinen bisherigen Spielfilmen gezielt delikate Politthemen aufs Tapet brachte. Umso enttäuschender ist, dass Monuments Men – Ungewöhnliche Helden seine Handlung um die ethischen Aspekte herum laviert, als fürchte er den Diskurs oder habe schlicht keine Meinung. Zweites scheint fast wahrscheinlicher angesichts des flapsigen Erzähltons. It’s a jolly good war, fellows – nur wenn ein oder auch zwei von Clooneys Männern fallen, ist das tragischer als Dachau und die durch Fässer voller Zahngold angedeutete Ermordung tausender Juden.
Die Unersetzbarkeit des Genter Altars und anderer Schätze bleibt etwas Hypothetisches, geknüpft an unsterbliche Namen. Michelangelo! Wer einen mit der Signatur ergattert, kriegt dreimal mehr Helden-Punkte als für einen Picasso. Der zählt dafür noch doppelt so viel wie Klee, denn bei den Modernen weiß man nie, was man hat. In dieser unterschwelligen Kategorisierung zeigt die Kunstschätzung der fiktionalisierten Titelhelden Parallelen zu der des Erzfeindes. Der plante, womöglich um sein eigenes künstlerisches Unvermögen zu kompensieren, in Linz ein „Führermuseum“, das die Großen der Kunstgeschichte als Zeichen der Übermacht des Dritten Reichs ausstellen sollte. Die Pervertierung eines Objekts zum ideologischen Symbol ist ein weiteres präsentes Thema, vor dessen Komplexität die Handlung zurückschreckt. Das intellektuelle Defizit, aufgrund dessen von der spannenden Originalstory nur eine Reihe patriotischer Pop-up-Bilder bleiben, sieht Clooney hingegen augenscheinlich beim Publikum. Das wird schulmeisterlich belehrt über Kulturwerte, deren Existenz mehr den Titelcharakteren angerechnet wird als den Schöpfern.
Der zitierte Satz ist eine passende Einstimmung auf den Kameraausflug in sein filmisches Reich. Zum Leiden geboren ist man auch als Kritikerin der Reportagen von Filmemachern, die ihren Protagonisten so nahe gekommen sind, dass jede kritische Distanz zur Thematik fehlt. Solch ein undifferenzierter Romantisierer ist hier Bencini, der seine Titelhelden bei ihrem Tagwerk begleitet und ihre Gesprächen mitanhört. Die Botschaft, die daraus konstruiert wird, ist unmissverständlich: Diese rauen Männer mit ihrem urigen Handwerk und ihrer äußerlichen Genügsamkeit sind für jeden ein Vorbild! Liegt in ihren schlichten Bemerkungen nicht tiefe Weisheit? Bergen ihre gewöhnlichen Scherze nicht profunde Erkenntnis? Waren nicht auch vier Jünger Jesu Fischer? Ähm… Nein! „Es gibt Welten, die wir nie kennen werden, wenn wir sie nicht aufsuchen.“, säuselt das Presseheft. Eine dieser Welten ist die Orbetellos, von der die tendenziöse Reportage kein objektives Bild liefert. Die Ritter der Kutter erscheinen bei genauerem Hinsehen als Teil des Problems, statt als dessen Lösung. Die von Wasserpumpen gespeiste Lagune ist kein naturbelassener Ort mehr. Ihre Fischpopulation wird erhalten durch Farmfisch, dessen Haltung als gegeben hingenommen wird. Die umweltschädlichen Auswirkungen von Aquakulturen, die Qualen der Tiere und die Frage, ob angesichts globaler Überfischung kommerzieller Fang überhaupt zeitgemäß ist, werden ausgeblendet, ebenso patriarchalische Machtstrukturen und dröger Traditionalismus. „Es gibt weniger und weniger Fische, da es immer mehr Räuber gibt.“, sagt einer und ignoriert geflissentlich, dass seine Berufsgenossen und er dazu gehören. Dass die Barsche, Aale und Meerbrassen überfischte Arten sind, von deren Verzehr abgeraten wird, interessiert nicht. Das Publikum wird schon niemandem einen Vorwurf machen, wenn es die lokalen Spezialitäten sieht. Die jetzt verspeisen in einem der putzigen Restaurants mit Wasserblick, die aussehen wie aus einer Tourismus- oder ein Käptn-Iglu-Reklame… Bleibt nur zu hoffen, dass sie ihre Wirkung verfehlt.
Die amerikanisch-ägyptische Filmemacherin orientiert ihr gleichermaßen universelles und persönliches Stück Zeitgeschichte an drei Freunden, die jeden Tag im Kampf gegen das Terror-Regime ihr Leben riskieren. Einer von ihnen ist der Schauspieler Khalid Abdalla, bekannt aus „Der Drachenläufer“, der analytisch und energisch die politische Manipulation und Korruption im Zuge der Wahl des neuen Präsidenten Mohamed Morsi artikuliert. An seiner Seite protestiert der junge Ahmed Hassan, der seit seiner Kindheit von sozialer Gerechtigkeit und Freiheit träumt. Aida wiederum beteiligt sich unerschrocken an der Organisation der mit unmenschlichen Mitteln von Polizei und Militär niedergeschlagenen Dauerproteste sowie an deren Dokumentation. Letzte ist ein essentieller Teil des Widerstandes, der zu Recht nach globaler Medienbeachtung verlangt. „Wir sollten so viel davon filmen, wie wir können.“, heißt es zu Beginn des Wirbelsturms oft blutiger, schmerzlicher und dennoch hoffnungsgetragener Bilder: Soldaten, die in die Menge schießen, Menschen, die Protestsongs anstimmen, die Tage und Nächte im Freien kampieren, begleitet von der Angst, auf dem Nachhauseweg von der Geheimpolizei abgefangen und gefoltert oder ermordet zu werden. Noujaims Medien sind Digital- und Handkamera, ihr Material verstärken Handyclips und Archivaufnahmen. Vereint entfalten die visuellen Zeugnisse der Verzweiflung, Zerrissenheit und vor allem des unbeugsamen Mutes der Menschen auf dem Tahrir-Platz eine filmische Kraft, deren größte Gegner Desinteresse und Ignoranz der Weltöffentlichkeit sind. Schleichende Erosion von innen ist die Hauptfurcht der Revolutionäre. Wie Khalid warnt: „Massenaktionen können die Zukunft eines Landes verändern. Wenn das Volk aufhört, daran zu glauben, sind wir als Revolution in Schwierigkeiten.“
Um Zensur im Vorfeld so weit wie möglich zu umgehen, vermerkte Produzent Tony Garnett das Filmprojekt als „Liebesgeschichte“. Eine solche ist die 1966 ausgestrahlte Doku-Fiction, die im Rahmen der Berlinale Hommage und der Verleihung des Goldenen Ehrenbären an Ken Loach eine seltene Aufführung auf der Kinoleinwand erlebt, tatsächlich. Allerdings eine Liebesgeschichte, wie sie das Leben schreibt: deprimierend, bitter und so instabil wie die soziale Grundlage, auf der die junge Titelfigur (gespielt von der damals 23-jährigen, im Alter von 48 Jahren unter unklaren Umständen verstorbenen Carol White) und ihr Freund Reg ihr Familienleben aufbauen. Das armselige Glück der zwei währt kurz. Zuerst kommen Kinder, dann Regs Arbeitslosigkeit und schließlich der Gerichtsvollzieher. Statt im modernisierten Londoner Heim sitzt das obdachlose Paar bei Regs Mutter in der Provinz. Die nächste Station auf dem Weg ins gesellschaftliche Abseits ist eine heruntergekommene Sozialwohnung. An deren Tür hämmert ebenfalls bald der Vollstrecker. Das ständige Getriebensein verwandelt Cathy und Reg in eine schäbig-realistische Variation der Liebenden auf der Flucht. Ihr hartnäckiger Verfolger ist nicht die Polizei, sondern Armut, die ihre Kräfte und Zuneigung füreinander aufzehrt. Nach einem Aufenthalt auf einen Rastplatz bleibt nur noch die Notunterkunft und ungezieferverseuchte Absteigen. Das Sozialsystem versagt nicht einfach, nein, es macht die Lage der Hilfebedürftigen noch angespannter. Der schonungslose Realismus der Inszenierung, die kein Einzelschicksal, sondern eine weitverbreitete Notlage dramatisierte, ist ungebrochen bewegend und frei von der fragwürdigen Versöhnlichkeit der späteren Werke des milder gewordenen Loach.
Elizabeth Banks (Bild rechts aus 
„Warum beginne ich mit dem Buchstaben N?“, fragt die Off-Stimme des fiktiven Lebensresümees des französischen Enzyklopädisten Raymond Borremans. „Er ist gerade in der Mitte des Alphabets. Von da an gibt es Hoffnung, sogar Erlösung.“ Ist sie es, die der zwischen Diesseits und Jenseits umherirrende Geist des Autors des ersten Lexikons des Landes ersehnt? Oder ist die spirituelle Wanderung eine Fortsetzung der Fahrten, die Borremans zu Lebzeiten unternahm? Europa kehrte er im Alter von 23 Jahren den Rücken und bereiste in fünf Jahren West-und Äquatorialafrika. Aufnahmen eines Mannes, der auf einem alten Bahnhof Banjo spielt, erinnern an Borremans Geldverdienst als Ein-Mann-Orchester zur Unterhaltung der Kolonialherren. Ihre Prestigebauten wie die verfallene Bahnhofshalle sind heute Relikte einer vergangenen Ära. Gilt das gleiche für die „Encyclopedie Borremans“, an der Borreman nach fast 40 Jahren als Betreiber eines Wanderkinos arbeitete? „Wenn du Dingen einen Namen gibst, riskierst du, sie zu verlieren.“, warnt ihn eine geisterhafte Frauengestalt vor der Unbeständigkeit eines Schriftwerkes, das von Natur aus der Revision unterliegt. Die Furcht vor Vergänglichkeit wird zur treibenden Kraft für Borremans, der mit der Encyclopedie etwas schuf, das in mehrfachem Sinne umfassender war als sein Leben. Beim Buchstaben N war Schluss: mit dem Lexikon und seinem Autor. Auf das Ephemere verweist bereits das Anfangszitat des nigerianischen Schriftstellers Ben Okri: „Wir haben vor den Worten begonnen und wir werden vor ihnen enden.“ Krügers fluktuierende Geistesreise zwischen Filminstallation und Erzählkino kann mit ihrem bedächtigen Tempo ermüden. Hat man jedoch die Muße, sich auf die assoziativen Bilder von Kamera und Sprache einzulassen, entfaltet die sinnierende Personenstudie eine stille Lyrik – wenn auch eine flüchtige.
Diese zweite, fiktive Sarah entzieht sich mit einem Willensakt ihrem selbstzerstörerischen Leben in der Großstadt und sucht Abstand und Ruhe auf einem Balkan Festival. Dort teilt sie eine Camp-Hütte, diverse Drinks und nächtliche Touren durch das Dickicht mit ihrer Freundin Isolde (Phillippa Lamb), die gerade einer festen Beziehung entkommen ist. Die Gespräche der beiden sind erst scherzhaft-vertraulich, dann auf Isoldes Seite plötzlich von kühler Distanz. Dazwischen liegt ein trunkener Gang von einem nächtlichen Camp-Fest zur Hütte, die in der vom Taschenlampenschein durchbrochenen Finsternis unauffindbar scheint. Angeheiterte Albernheit weicht Nervosität, die schließlich in Streit mündet. Das von den Tänzen und Klängen der Balkanregion mit ihren Mythen und Sagen von Dämonen, Hexen und Naturgeistern aufgeladene Szenario verwandelt sich in diesen wackeligen Schattenszenen in eine Spuklandschaft, in der die Protagonistinnen jeden Moment auf eine böse Macht treffen könnten. Stattdessen trifft lediglich auf inszenatorischer Ebene David Lynch auf „Blair Witch Project“. Panische Bildfetzen und Aufnahmen von angstaufgeladener Stille wechseln abrupt, um eine undefiniertes Trauma anzudeuten. Dann kehrt die Realität scheinbar zurück, doch ist die lockere Stimmung einer schleichenden Bedrohlichkeit gewichen. Butter on the Latch fühlt sich an wie ein Mumblecore ohne Mumble. Sarah und Isolde bleiben leere Konturen und so die Intimität des Zuschauers mit ihnen wirkungslos. Ihre Dialoge untereinander und mit den anderen Besuchern klingen nach Einleitungen zu bedeutungsvollen Ereignissen, die entweder nie eintreten oder im entscheidenden Moment ausgeblendet werden. Exemplarisch für die suggestive Leere ist der Titel, der klingt, als beziehe er sich auf ein symbolträchtiges heidnisches Ritual. Tut er aber nicht. Ich hab es gegoogelt.
Dass es im Leben manchmal so geht und man dann am Besten so tun soll, als wäre nichts gewesen, ist ungefähr die Botschaft des einfallslosen Klamauks, den Heisenberg mit Co-Autor Josef Lechner ersann. Im Mittelpunkt steht wieder ein kriminelles Subjekt, diesmal allerdings ein psychologisch und verbrecherisch überaus simpel gestricktes. Nick (Georg Friedrich) hehlt mit antiquarischen Büchern. So wertvoll, dass seine Kunden sich um die Stücke reißen würden, ist seine Ware nicht, aber offenbar kostspielig genug, um ihn aufgrund nicht gezahlter Schulden in die Bredouille zu bringen. Eine Gauner-Oma mit dem Freud‘schen Spitznamen „Mutter“ hetzt ihre Geldeintreiber auf den erfolglosen Bücherdieb, der zu Filmbeginn gerade am Untertauchen ist. In der süddeutschen Provinz bedeutet „untertauchen“, sich ins spießige Familienhäuschen zurückzuziehen. Wessen Häuschen und Familie, ist sekundär. Nick tritt dank des Tipps eines Bekannten, der ihm einen Gefallen schuldet, die Stelle eines Hauspflegers an. Der greise Herr, um den er sich kümmern soll, ist der Psychologe und Schriftsteller Curt Ledig (André Wilms). Der durchschaut rasch die wacklige Fassade seines ungehobelten Hausgastes, der unfreiwillig ein willkommenes Analyseobjekt abgibt. Die Witze sind so lustlos und patzig wie der Hauptcharakter, dessen Probleme zu gering und abstrus sind, um Spannung oder nur mildes Interesse zu wecken. Der Hohlgeistigkeit ist sich der Regisseur und Drehbuchautor scheinbar bewusst und bemüht darum die stets für etwas dramaturgische Gewichtigkeit abrufbare Nazizeit. Von damals wälzt Ledig unbestimmte, aber natürlich unnötige Schuldgefühle herum. Sein vages Eingeständnis kümmert zum Ende dann allerdings niemanden mehr. Am wenigsten den Kinozuschauer.
