Quelle: Marvel Entertainment
Für den Fall, dass einige der Leser sich nach dem Titel noch wundern, um welchen Film es hier geht – es ist Captain America 2, dem ein kurioser deutscher Titel verliehen wurde (da Captain America als Charakter in Deutschland offensichtlich nicht zugkräftig genug ist).
Jedenfalls hat Marvel beim Marketing nach dem anfangs eher unaufregenden Trailer aus meiner Sicht das Ruder mächtig herumgerissen, sodass ich mich jetzt auf den Film so freue, wie auf keinen anderen Blockbuster vor der Sommer-Filmsaison. Auch der brandneue TV-Spot, der seinen Weg ins Netz gefunden hat, verspricht cool inszenierte Action und womöglich einen Bösewicht, der mit Cap gut mithalten kann. Wer die Comicvorlage kennt, wird natürlich sofort wissen, um wen es sich handelt (der Originaltitel des Films lautet auch viel passender Captain America: The Winter Soldier).
Was mir aber an dem bisherigen Marketing auffällt, ist wie wenig präsent Emily VanCamp in den Trailer und Spots ist. Dabei soll sie eigentlich das neue Love Interest von Steve Rogers alias Captain America spielen – Sharon Carter, die Enkelin von Peggy Carter, die von Hayley Atwell in Teil 1 gespielt wurde. Bis auf eine zweisekündige Szene im letzten internationalen Trailer, hat man noch kein einziges Bild von ihr im Film gesehen, sodass ich zuweilen sogar bezweifelte, ob sie überhaupt im Streifen mitgewritk hat. Keine offiziellen Bilder von ihr, kein Figurenposter und auch auf dem finalen Filmplakat taucht sie nicht auf. Man könnte schon fast den Eindruck gewinnen, als wäre Black Widow (Scarlett Johansson) hier die Frau, die Cap ins Herz schließt…
Übrigens ist kürzlich zusätzlich zu den drei bisher veröffentlichten Charakterplakaten noch ein viertes im Netz aufgetaucht – von Robert Redford als hochrangiger S.H.I.E.L.D.-Agent Alexander Pierce.
Zudem wurde seitens Marvel das bestätigt, was viele bereits vermuteten – Captain America 2: The Return of the First Avenger wird direkt zu The Avengers: Age of Ultron überleiten. In dem Film sollen einige kritische Ereignisse in den Gang gesetzt weren, die unmittelbar zu der Handlung des zweiten Avengers-Auftritts hinführen werden. Der andere Film on Marvels "Phase Zwei", Guardians of the Galaxy, soll hingegen weitgehend unabhängig sein von The Avengers 2. Allerdings soll darin die Figur von Thanos noch mehr vorgestellt werden – und diese wird aller Wahrscheinlichkeit nach in The Avengers 3 der Bösewicht sein. Komplexes Universum…
Sie ist der Ausgangspunkt der Rückblende, die durch das Haftgespräch Garnetts mit einem älteren Schwarzen beginnt. Im spirituellen Sinne ist er eine Vaterfigur für den seiner Mutter (Ellen Burstyn) entfremdeten Protagonisten. Während der Jahre hinter Gittern hat er seinen Schulabschluss nachgeholt und ist zum Islam konvertiert. Der Imam spricht zu ihm von lichten Tagen, die nach den dunklen Jahren warten und verbüßter Schuld. Bereitschaft zu Vergebung und der Glaube an eine Besserung des Menschen sind ein fundamentaler Unterschied zum christlich-katholischen Ansatz des Sheriffs, der nach dem Prinzip Auge um Auge, Zahn um Zahn handelt. So wie sein der Ex-Häftling einst das Leben des Hilfssheriffs genommen hat, will Agati Garnetts Leben. Das neue Leben, das er mit der Bankangestellten Teresa (Dolores Héredia) aufbauen möchte. „Ich habe keine Zeit zu verlieren“, sagt der geläuterte Mann am deprimierenden Ende einer früh begonnenen kriminellen Laufbahn. Jobs, die ihm als Teenager zu schäbig waren, akzeptiert er nun dankbar. Zur Belohnung für seine Anspruchslosigkeit verdient er einen Tausender, ein Bankkonto und Teresa.
David wohnt in Manila bei seiner Großmutter, aber die meiste Zeit verbringt er im Internetcafé. Dort teilt er das Bett eines Hinterzimmers mit Jonathan, der mit dem unscheinbaren Computer-Junkie zu Filmbeginn Schluss macht. Dabei täte David alles für Jonathan, mit dem er während des Vorspanns bedeutungsvoll am Abgrund tänzelt, und eine Szene später unter Game-Postern Sex hat. Und plötzlich heißt es Romantic Mission failed? Was Davids Mission ist, bleibt unklar, aber sie geht scheinbar in die Richtung „Ewiges Zusammenbleiben mit dem Teenie-Schwarm“. David und Jonathan sind in der auf einer realen Nachrichtenmeldung basierenden Story nämlich Teenager. Das sieht man zwar nicht auf der Leinwand, aber dafür im Pressetext, laut dem David 15 und Jonathan 17 ist. Peinlicher als dass deutlich ältere Schauspieler Teenager spielen, ist die Unmenge an stupidesten Negativ-Klischees, die jeden Ansatz von Empathie erstickt. Handy, PC und Tablet machen Jugendliche isoliert und psychotisch! Killer-Spiele lassen liebe Kids, die mit Oma in die Kirche gehen, eine Waffe kaufen! Homosexuelle sind gefühlskalte, promiskuitive, unglückliche Außenseiter, die sich nicht mal gegen Grundschulkinder (gespielt von offensichtlich jugendlichen Darstellern) verteidigen können! Obendrein sind sie eine Gefahr für andere und sich selbst! Dass in seiner Heimat Altarejos als progressiver Regisseur schwuler Filme bezeichnet wird, wirft ein deprimierendes Licht auf das philippinische Independent-Kino. Wenn so Toleranz aussieht, was ist dann Konservativismus? Dislike!
Wie suizidale Stadtbewohner sich meist in ihrer Wohnung umbringen, erhängen sich die jungen Indios an den Bäumen des Urwalds, der einst ihr Zuhause war und ihnen geraubt wurde. Nadio (Ambrósio Vilhava) ist einer der Älteren, der die bittere Ernte einfahren muss und beschließt, die Grabstätten der Vorfahren einzufordern. Im Reservat können die letzten der Guarani-Kaiowa nur auf zwei Arten Geld verdienen: sie schuften für Plantagenbesitzer wie Lucas Moreira (Leonardo Medeiros), der mit seiner Familie in einer luxuriösen Villa lebt, oder sie spielen Statistenrollen für Touristenführer, die für ihren gelangweilten Klientel eine exotische Dschungelkulisse mit „echten Wilden“ inszenieren. Jene Touristen sind in Marco Bechis kritischer Öko-Analogie, die 5 Jahre nach ihrem Kinostart bei Berlinale Native wiederaufgeführt wird, die BirdWatchers. Ihre Beobachterhaltung enthüllt die zurückgenommene Kamera als Karikatur. Die Fremden sehen nur, was sie sehen wollen. Dies gilt besonders für Moreira, der sich seines gelebten Status als moderner Kolonialherr in seiner Selbstverblendung nicht bewusst ist. Vor dem Hintergrund des schreienden Unrechts, auf dem sein Wohlstand wortwörtlich aufbaut, sind seine fadenscheinigen Ansätze zu Verhandlungen eine weitere Beleidigung, wie die sexuelle Ausbeutung der Indianer durch seine Arbeiter. Dem Klischee des erotisierten Wilden erliegt auch der Regisseur, wenn er die verbotene Liaison zwischen Moreiras Tochter Maria (Fabiane Pereira da Silva) und dem zukünftigen Schamanen Osvaldo (Abrísio da Silva Pedro) als zärtlich-riskante Rebellion gegen die Gebote beider Seiten inszeniert. Die geisterhaften Naturbilder indes bestehen gegen den ethnologischen Stereotypen, die im Hintergrund lauern und darauf warten, in der Realität die Oberhand zu gewinnen.
Der empfindsame und hellwache Junge interessiert sich so gar nicht für die Raufbolde in der Schule und den Fußballclub, obwohl sein Vater das gern sähe. Viel lieber möchte Finn Geige spielen und wer könnte ein besserer Lehrer sein als der rätselhafte Alte (Luuk Jan Decleir)? Zwar kann er kaum noch hören, aber dafür ist er anders als Finns strenger Vater (Daan Schuurman) nicht taub für die Sehnsucht des verträumten Kinderprotagonisten. Der entzieht sich unter einer Ausrede dem Fußballtraining, um heimlich zu üben. Wenn er dem Instrument selbst nur die zärtliche Streichmusik entlocken kann, würde er damit vielleicht auch seinen Vater bezaubern… Frans Weisz schätzt die sanften Töne genau wie der junge Held seines märchenhaften Kinderfilms, der sich im Programm von Generation an die jüngsten Zuschauer richtet, und wie Finn erzeugt der Regie-Veteran gerade dadurch unabsichtlich Dissonanzen. Die stören die leiseren inszenatorischen Töne mit sentimentalen Interludien und holprigen Übergängen. So klingt der Schlussakkord nicht ganz rein, doch wie der bitter-süße Familienfilm mit seiner unaufgeregten Geschichte lehrt, braucht ein Stück nicht zwingend Perfektion, um zu berühren.
Die erste Casting-Bekanntmachung zur geplanten TV-Serie "Gotham" von Fox ist gefallen. Ben McKenzie, den die Fernseh-Zuschauer durch seine Rollen als Ryan Atwood, den Protagonisten von "O. C., California" sowie als Ben Sherman aus der Cop-Serie "Southland" (Bild rechts) kennen dürften, wurde in der Hauptrolle des Detective James Gordon besetzt. Den Part hat zuletzt Gary Oldman brillant in Christopher Nolans Dark-Knight-Trilogie gespielt. McKenzie hat sich selbst zum Casting per Twitter geäußert und versprach, "alles zu tun, um es nicht zu vermasseln". Ihm ist natürlich bewusst, dass die Augen der Comic-Fans aus aller Welt auf ihn gerichtet sein werden. Es ist allerdings nicht der erste Berührungspunkt von McKenzie mit der Welt der Batman-Comics. Im Jahre 2011 lieh er im Animationsfilm "Batman: Year One" Batman höchstpersönlich seine Stimme. James Gordon sprach damals übrigens Bryan Cranston aus "Breaking Bad". 
Der Plot klingt nach einer Seifenoper – und ist auch eine: Eifersüchteleien, Lügen, Begierde und Tragödien Galore, wie der Titel in unfreiwilliger Ironie besagt. Der Hauptunterschied zu einer australischen Filmversion von „Melrose Place“ ist das gewöhnliche Aussehen der Protagonisten. Tatsächlich ist Billie mit ihren stumpfen Haare, groben Zügen und dem Babyspeck gar nicht schön. Aber da es auf den Vorstadt-Partys des Handlungsorts Tuggeranong wenig Auswahl gibt, liegt die Messlatte offenbar niedriger. Der Name des Orts am Rand Canberras klingt nach der miefigen Provinzialität und Eintönigkeit, in der die trivialen Typen, die in einer größeren Gemeinschaft die uninteressanten Außenseiter wären, auf einmal die Angesagten sind – und dabei immer noch uninteressant. Eine dieser Typen ist Billie. Aus der frühkindlichen Phase hängt ihr noch mehr Ballast an, der ihre Attraktivität auf Dauer weit mehr beeinträchtigt als die überflüssigen Kilos. Trotzigkeit, Egoismus und eine Unreife, die ihre impulsiven Entscheidungen an die Grenze des Albernen rückt. Humor ist in dem betont lässig abgefilmten Jugendmelodram hingegen Mangelware. In Grahams persönlichen Erinnerungen, die sein selbstverfasstes Drehbuch inspirierten, wurde augenscheinlich nicht gelacht. Dafür gibt es hämisches Grinsen, wenn die Figuren sich gerade besonders toll finden, und herablassendes Kichern, wenn sie jemanden nicht so toll finden. Bestenfalls solch ein abschätziger Ausdruck steht einem beim Verlassen des Kinos im Gesicht. Die Fiktion, die der Regisseur vor dem realen Hintergrund der Wildbrände von 2003 entwirft, ist ein Strohfeuer.
Simon (Juanlu Sevillano) ist gerade 20 und Vater eines kleinen Sohns. Der Junge ist ihm genauso zuwider wie dessen Mutter (Alba Nieto), mit der er im Haus seiner Eltern mit den kleinen Geschwistern und der Großmutter lebt. Jede Chance der erstickenden Zwangsgemeinschaft für ein paar Stunden zu entfliehen, ist Simon willkommen. Mit seinem Kumpel Jota (Víctor García) stiehlt er von den umliegenden Gehöften Tauben, um sie zum Essen nach Hause zu bringen, sowie Schweine oder Pferde, um sie zu verkaufen. Geld machen lässt sich in der harten Lebensrealität der grob skizzierten Handlenden nur illegal. Man verkauft Diebesgut, zieht Gleichaltrige ab oder dealt mit Drogen. Was die kriminellen Geschäfte, die mal mit folkloristischen Bauern, mal mit markigen Gangsterbossen abgeschlossen werden, einbringen, reicht für ein Auto und haufenweise Dosenbier und Pizza. Um ein Heim einzurichten, reicht es nicht, erst Recht nicht, wenn ein Baby unterwegs ist. Das will Jotas 18-jährige Freundin Debi (Débora Borges) genauso wenig haben wie Simon seinen Sohn will, aber um ihre Entscheidung für eine Abtreibung durchzusetzen, kümmert Debi ihre Schwangerschaft augenscheinlich nicht genug. Ein Leben in die Welt setzen, das eigene verbauen oder eines beenden, dies tun die abgestumpften Protagonisten einfach so nebenbei. Die flachen Motivationen, die Velázquez dem Publikum des kargen Jugenddramas hinwirft, genügen nicht annähernd, um die drastischen Aktionen plausibel oder psychologisch nachvollziehbar zu machen. Die optische und dramatische Distanz, die Kamera und Regisseur zum Geschehen wahren, verhindert letztendlich jede Anteilnahme an den ineinander verzahnten Tragödien in der in diesige Farben getauchten Landschaft. Während monoton ein Klischee auf das nächste folgt, bleibt höchstens das über allem hängenden Gefühl der Gleichgültigkeit.
Es könnte die Kontrolle über ihr heikles Video-Experiment sein oder die enge Beziehung zu ihrer Mutter Jane, bei der Billie nach der Scheidung ihrer Eltern lebt. Aber am meisten scheint es ihre Identitätsperspektive. Viele Charaktere in der 14plus Kategorie von Berlinale Generation sind auf der Suche nach ihrem Platz im Leben. Nicht so Billie. Sie weiß, wo sie zu Hause ist: bei ihrer Mutter, deren beliebig kommenden und gehenden Bruder Harry (Mario Spate) und gelegentlich bei ihrem Vater Tom (Beau Travis Williams), der das halbe Sorgerecht hat. Aber Jane heißt jetzt James (Del Herbert-Jane), bekommt Hormoninjektionen und erwartet eine Brust-OP. „Transitioning“ nennt sie gegenüber Billie den langwierigen und nicht ohne Komplikationen ablaufenden Prozess ihrer Geschlechtsumwandlung, die Billie gelassen beobachtet. So scheint es auf den ersten Blick, dem bei Hyde fast immer ein präziserer zweiter folgt. Die Zielstrebigkeit der Mutter, die genau weiß, wer sie sein will, konfrontiert die Tochter mit der eigenen Ziellosigkeit. Dass Janes/James‘ Selbstgewissheit hart erkämpft ist und beständig neue behördliche, soziale und physische Hindernisse überwinden muss, begreift Billie erst durch ein schmerzliches Hin und Her zwischen Distanzierung und Annäherung. Um den innigen Kontakt zu bewahren, verspricht ihr Jane/James pro Woche einen Tag, der nur ihnen gehört. Es sind diese 52 Tuesdays, die den Plot strukturieren und Stichproben der Entwicklung der Figuren geben: wechselhaft, emotional und manchmal dramaturgisch unzureichend, dafür aber immer unverstellt. Eine befriedigende Antwort auf die Frage nach Authentizität? Nicht ganz, aber eine sehenswerte.
