Quelle: Total Film
Obwohl The Expendables 2 noch nicht das Licht der Kinoprojektoren erblickt hat, ist sowohl den Zuschauern als auch allen Beteiligten bereits klar, dass die Serie damit kaum ein Ende finden wird. Mit größeren Rollen für Arnie und Bruce Willis, sowie den Neuzugängen von Van Damme und Chuck Norris ist Erfolg für den Film vorprogrammiert.
Und so beschäftigt den Produzenten Avi Lerner bereits die Frage nach der Besetzung für den unausweichlichen dritten Film. Schließlich lebt die ganze Expendables Reihe von dem Clue, Altstars des Action-Genres in einem Film zu vereinen und entweder als Team oder gegeneinander kämpfen zu lassen. Waren es im ersten Film nur einige Stars, auf denen der Fokus lag (Willis und Schwarzenegger hatten nur kurze Gastauftritte), so gab man in der Fortsetzung nach dem Motto "mehr ist mehr" Vollgas und konnte mit Scott Adkins, Jean-Claude Van Damme und Chuck Norris weitere Genre-Ikonen verpflichten, während man alle noch lebenden Stars des Originals, mit der Ausnahme von Mickey Rourke zurückgebracht, hat. Doch Lerner gibt sich nicht damit zufrieden, 11 Namen auf dem Filmplakat zu haben. Er hat bereits vier weitere Schauspieler im Sinn, die, wenn alles nach seinen Vorstellungen läuft, ebenfalls in The Expendables 3 mitmischen werden.
Nicholas Cage steht als Neuzugang wohl bereits fest. Cage sollte schon im zweiten Film einen Auftritt haben, doch dies scheiterte aus terminlichen Gründen. Außerdem steht das Studio momentan in Verhandlungen mit Harrison Ford. Ferner erläutert Lerner, dass eine Rolle für Dirty Harry höchstpersönlich, Clint Eastwood, vorgesehen wurde. Schließlich soll auch Wesley Snipes, der nach 2,5 Jahren im Gefängnis wegen Steuerhinterziehung nächsten Juli entlassen wird, einen Part übernehmen. Ansonsten soll jeder, der den zweiten Teil überlebt, auch im dritten Film wieder mit von der Partie sein, so Lerner. Auch für Mickey Rourke sei noch Platz zur Serie zurückzukehren – insofern er "nicht zu verrückt" sei. Rourke hat den ersten Film aus Freundschaft zu Stallone gemacht, der finanzielle Anreiz für die Rückkehr in Teil 2 war aber nicht groß genug. Interesanterweise ist es der (nicht gezeigte) Tod von Rourkes Charakter Tool in The Expendables 2, der die Ereignisse des Films in Bewegung setzt. Es wird interessant sein zu sehen, wie man ihn dennoch im dritten Teil zurückbringen würde. Nicht, dass The Expendables sich viele Gedanken um Realitätsnähe macht…
Natürlich ist es cool Namen wie Clint Eastwood oder Harrison Ford in Verbindung mit The Expendables zu lesen und doch frage ich mich, wohin es letztlich führen wird. Der erste Film war albern und zugleich enorm spaßig und der zweite sieht nach mehr vom Gleichen aus. Doch so langsam wird die Besetzung größer als die von den Romcom-Ensemble-Filmen wie Valentinstag oder Happy New Year. Bereits aus dem zweiten Teil würden wahrscheinlich Sylvester Stallone, Jet Li, Jason Statham, Randy Couture, Terry Crews, Liam Hemsworth, Bruce Willis, Dolph Lundgren, Chuck Norris und Arnold Schwarzenegger zurückkehren. Und da soll noch Platz für vier weitere Stars sein und auch noch vielleicht für Rourke? Man kann nur hoffen, dass Eastwoods Auftritt nicht auf einen "Make my day"-Spruch degradiert wird.
Es gibt einen Grund, warum die Reihe auch nach drei Filmen immer noch große Popularität genießt. Die kreativen Köpfe hinter der Serie haben genau ausgearbeitet, welche drei Zutaten das Erfolgsrezept für diese Filme benötigt. Zunächst sind es angenehme und attraktive Hauptcharaktere. Zweitens sollten diese Filme nicht sehr von der üblichen Formel abweichen und viele möglichst spektakuläre Tanzroutinen bieten, die den Film auf der großen Leinwand sehenswert machen sollen. Zu guter Letzt soll mit jedem neuen Film aber auch ein neues Element vorgestellt werden, welches den Film gegenüber den Vorgängern auf die eine oder andere Weise absetzt. In Step Up to the Streets wurde zum ersten Mal eine ganze Dance-Crew vorgestellt (im Gegensatz zu nur einem Tanzpaar, welches im Mittelpunkt vom ersten Film stand). Im dritten Step Up Film kamen zum ersten Mal 3D-Effekte zum Einsatz, welche die Tanzszenen auf eine ganz neue Ebene gebracht haben. Auch Step Up: Miami Heat wurde in der dritten Dimension gedreht und stellt dem Publikum eine weitere Abweichung von der Routine vor. In einer etwas überraschenden Variante eines Tanzfilms, bricht Miami Heat die oben erwähnte Sportfilm-Formel, indem hier kein Wettbewerb zwischen rivalisierenden Tanztruppen im Mittelpunt steht. Für den Großteil des Films gibt es nur eine einzige Dance Crew. Das einzige Wettbewerbselement äußert sich in dem YouTube Preisgeld, doch das wird schnell zur Nebensache. Die Step Up Reihe geht mit den Zeiten mit und der Hauptantagonist im neuen Film ist keine arrogante Crew, sondern Kapitalismus höchstpersönlich! Diesen Aspekt kann man angesichts der Entscheidung von The Mob, sich am Ende selbst in den Dienst des Kapitalismus zu stellen, leicht skeptisch beäugen, doch damit würde man diesen Film schon zu sehr analysieren. Den letztendlich will Step Up: Miami Heat nur eins – gut unterhalten.
Das gelingt dem Film auch in großen Teilen. Sicherlich wird eine Kritik bei der Entscheidung der Kinogänger, diesen Film zu sehen oder nicht, kaum etwas ausmachen. Die Fans der Serie würden sich von Kritiken nicht davon abbringen lassen, den neuen Film zu sehen. Diejenigen, die mit der Reihe und/oder Tanzfilmen generell wenig anfangen können, werden sich auch kaum davon überzeugen lassen, Miami Heat zu sehen. Doch während der Film die Erwartungen der ersten Gruppe voll und ganz erfüllen sollte, könnte die zweite Gruppe, sollte sie den Film doch irgendwann sehen, eine kleine Überraschung erleben. Vorausgesetzt ist hier natürlich, dass man zumindest die Ästhetik von gut umgesetzten Tanzszenen schätzen kann. Denn diese sind im Film einfach nur fantastisch. So simpel die Geschichte des Films auch sein mag, so atemberaubend sind die Bemühungen von The Mob, ihre Ziele zu erreichen. Angefangen bei der bereits angedeuteten Anfangssequenz, bei der The Mob Ocean Drive zum Vibrieren bringt, toppt jede Tanzsequenz die vorherige. Jedes Mal, wenn man glaubt, die Filmemacher haben bereits das Möglichste aus den Tanzsequenzen rausgeholt, wird man eines Besseren belehrt. Von Flashmobs in einem schicken Restaurant bis hin zu einer unglaublich umgesetzten Szene, in der The Mob die Ausstellungsstücke in einer Gallerie für moderne Kunst „zum Leben erweckt“ – der Kreativität der Filmemacher wurden hier keine Grenzen gesetzt. Alleine dadurch setzt sich Step Up: Miami Heat bereits von ähnlichen Filmen ab. Auch die Entscheidung, den Film in 3D zu drehen, kann man hier nur begrüßen. Es gab genug Filme dieses Jahr, die den 3D-Aufschlag an der Kinokasse einfach nicht wert waren. Step Up: Miami Heat gehört nicht dazu. Schon bei Streetdance 2 ist mir aufgefallen, dass die Tanzfilme die Vorteile von 3D enorm gut ausnutzen können und Miami Heat ist ein weiteres Beispiel dafür. Die komplexen Tanzeinlagen würden auch ohne 3D sehr gut aussehen, doch die 3D-Aufnahmen verleihen ihnen eine zusätzliche Tiefe, die hier für ein wahrlich einnehmendes Erlebnis sorgt und dem Tanz eine zusätzliche Energie verleiht. Dabei hilft es dem Look des Films natürlich auch, dass Miami als Schausplatz einfach unglaublich fotogen ist.
Das sind auch die beiden Hauptdarsteller des Films. McCormick und Guzman haben gerade genug Chemie miteinander (insbesondere dank knisternden Tanzszenen miteinander), um die Liebesgeschichte glaubwürdig zu verkaufen. Oft muss man bei den Hauptdarstellern von Tanzfilmen Kompromisse zwischen schauspielerischen Fähigkeiten und tänzerischer Begabung treffen. Obwohl man hier eindeutig auf die tänzerischen Aspekte gesetzt hat, so hatten die Filmemacher Glück, dass die beiden Schauspieler auch mit genug Natürlichkeit in ihre Rollen schlüpfen konnten und nicht durch schlechte Darbietungen von dem Film ablenken. Das ist durchaus beeindruckend, wenn man bedenkt, dass Guzman eigentlich ein Mixed-Martial-Arts Kämpfer ist und für McCormick die bisherigen Rollenbeschreibungen auf IMDB sich „Sexy Girl 1“ und „Audience Member 1“ lesen. Peter Gallagher schafft es seinem Charakter trotz der Antagonisten-Rolle etwas Sympathie und Warmherzigkeit zu verleihen. Der Rest der Besetzung ist hier keine Erwähnung wert und ist abgesehen von den Tanzszenen völlig austauschbar.
Man muss für den Film auch etwas Lob aussprechen, dass hier zumindest ein „relevantes“ und modernes Thema aufgegriffen wird, anstatt die Protagonisten in einen weiteren Wettbewerb hineinzuschleudern. Sicher, das ist kein Ken Loach, aber alleine die Bemühungen sind lobenswert. Nur zu schade, dass obwohl Sean und seine Freunde als Argument gegen die Zerstörung der Nachbarschaft immer wieder den kulturellen Wert und die Vielfalt der Gegend betonen, man wenig von eben dieser im Film sieht. Es wird proklamiert, dass ein Teil des kulturellen Erbe der Stadt verschwinden würde. Nichts davon (wie zum Beispiel vom unbestrittenen kubanischen Einfluss auf Miami) sieht man im Film. Das schwächt die Botschaft natürlich noch weiter ab. Schließlich geht man aber nicht wegen einer Botschaft oder einer gar einer Geschichte in diesen Film. Man will ein Spektakel und das bekommt man auch serviert.
Wie beim ersten Mal, so möchte es Kay (Meryl Streep) gern wieder haben. Seit über dreißig Jahren ist sie nun mit ihrem störrischen Ehemann Arnold (Tommy Lee Jones) verheiratet. Die Kinder sind längst aus dem Haus und scheinbar hat ihre Leidenschaft zueinander zu diesem Zeitpunkt ebenfalls das Weite gesucht. Ihre Beziehung gleicht einer tristen Routine: Wortlos zusammen frühstücken, Abendessen und sich dann schnell in getrennte Schlafzimmer zurückziehen. Kay reicht es, sie will wieder das spüren, was sie einst mit Arnold zusammengeführt hat. Das Feuer. In „Wie beim ersten Mal“, dem neuen Spielfilm von David Frankel („Der Teufel trägt Prada“), kann den beiden Abhilfe verschafft werden, denn in einer Buchhandlung fällt der Frau ein Exemplar des Eheratgebers vom Psychologen Dr. Feld (Steve Carell) in die Hände. Sie können die Ehe führen, die Sie haben wollen lautet der Titel des Werkes, das es Kay sofort angetan hat. Zuhause angekommen stößt sie außerdem auf ein Videos Felds im Internet, das sie schließlich dazu ermutigt, dessen Paartherapieangebot in Anspruch zu nehmen. 4000 Dollar kostet eine Woche beratender Gespräche in dem idyllischen Örtchen Hope Springs (so auch der Originaltitel des Films). Ein ganz schöner Batzen Geld, doch die Investition soll es Kay wert sein. Arnold ist jedoch wenig überzeugt von der vermeintlichen Scharlatanerei und folgt seiner Frau nur äußerst widerwillig auf die Reise. An ihrem Ziel angekommen, möchte er am liebsten gleich wieder kehrtmachen: Das kleine Nest ist nun wirklich das Letzte und erst recht dieser Dr. Feld hat mehr als eine Schraube locker! Doch Kay schafft es, ihren Mann auch zu den folgenden Sitzungen mitzuschleppen. Dem Paar werden nach und nach „Hausaufgaben“ aufgegeben – sich zum Beispiel gegenseitig berühren und offen über sexuelle Vorlieben sprechen. Trotz größter Mühe beiderseits scheint sich das alte Gefühl nicht so einfach heraufbeschwören zu lassen. Sollte es tatsächlich möglich sein, dass ihre Ehe bereits hoffnungslos das Zeitliche gesegnet hat, oder bleibt ihnen doch noch diese eine Chance …?
Mit Liebeskomödien ist das so eine Sache: Bei ihnen verhält es sich fast wie mit Teenie-Slashern. Sie schießen jährlich wie Unkraut aus dem Boden der Filmindustrie, folgen gerne einem ausgelutschten Schema und sind, um es kurz auszudrücken, oftmals einfach nicht gut. Nur wird darin freilich niemand mit dem Fleischermesser niedergestochen. „Wie beim ersten Mal“ startet amüsant, indem er den Zuschauern das Bild einer typischen, eingerosteten Ehe vor Augen hält. Die Frau sorgt still für den Haushalt, während der Mann knurrig den Arbeitstag antritt und später seine Beine vor der Glotze hochlegt. Das kennt man aus der Realität oder eben von Wilma und Fred Feuerstein. Da dürfte eine Menge Überzeugungsarbeit nötig sein, um erneut die Fackel der Leidenschaft zu entfachen. Und hier sollte jetzt eigentlich der Spaß der Geschichte beginnen, denn das Paar nimmt die Dienste eines eigenartigen Eheberaters in Anspruch, der obendrein von einem waschechten Komiker verkörpert wird. Tatsächlich aber geht es mit David Frankels Arbeit ab diesem Punkt eher bergab. Der Film funktioniert dann fast wie eine 100-minütige, nur bedingt vergnügliche Therapiesitzung, während der wir nochmal das erfahren, was wir eh längst wussten: Arnold ist der mürrische Bock und Kay die mit der Situation unzufriedene Ehefrau, die sich einen Neustart wünscht. Über Sexualpraktiken wird auch noch diskutiert. Arnold mag Oralsex, Kay nicht so sehr. Daraus folgt dann eine anfangs witzige Szene in einem Kino, die aber letztlich dramatischer endet, als es ihr gut tut. „Wie beim ersten Mal“ ist nun bestimmt kein abgrundtief schlechter Film, er erfüllt seinen Zweck als sympathischer Happen für den kurzweilen Pärchen-Kinoabend. Mehr aber leider wieder nicht.
Schön wäre es gewesen, wenn das Figurentrio wenigstens gleichsam die Balance zwischen Witz und seichter Tragik halten würde. Das Comedygesicht Carell verbleibt in dieser Story bemerkenswert blass und man könnte die Konstellation fast schon so vereinfachen: Tommy Lee Jones bedient die komödiantischen Aspekte, Meryl Streep das Drama und Steve Carell ist der neutrale Baum, der zwischen den beiden im Garten steht und wenig tut, außer kompetent dreinzuschauen. Dr. Feld hat stets die passenden Fragen und Tipps parat, um den Ratsuchenden auf die Sprünge zu helfen. Das darf man wahrscheinlich auch für ein Honorar von 4000 Dollar pro Woche erwarten. Um ihnen eine Lösung aufzuzeigen, verwendet er gerne seine Nasenbruch-Metapher. Man muss eine Nase schließlich erst brechen, bevor man sie richten kann – ähnlich verhalte es sich auch mit der Beziehung des Paares. Das „Brechen“ besteht eben in diesem Fall aus der ehrlichen Beantwortung heikler Fragen und der Ausübung von Aufgaben, die die beiden wieder zueinander finden lassen sollen. Alles nett anzuschauen, nur wo bleibt nun eigentlich die große Gaudi oder der Part, der einen tatsächlich tief berührt? Natürlich ist es eine Freude, Tommy Lee Jones dabei zuzuschauen, wie er sich empört auf der Couch hin- und herwälzt. Doch damit hat es sich dann fast schon mit dem Witz. Oscar-Wunder Meryl Streep vermag es zumindest nicht, viel Charme aus ihrer Rolle herauszukitzeln. Kay ist eben eine Frau, die sich nach einer echten Ehe mit allem drum und dran zurücksehnt. Das mag man ihr nicht verübeln, nur packen tut das einen auch nicht gerade. Das kleine Kaff Hope Spings hinterlässt dann zumindest einen verwunschen-romantischen Eindruck, und man mag sich durchaus vorstellen, dass dort Beziehungen wieder zur vollen Pracht aufblühen können. Auch wenn die Touristen etwas seltsam anmuten und scheinbar alle nur aus demselben Grund anreisen: Kay und Arnold stehen mit ihrem Problem wahrlich nicht allein da …
Point Blank ist ein kleiner aber feiner Beitrag zu einem weiteren Genre für Frankreich – dem klassischen Krimithriller. Der Film erfindet mit seiner Geschichte das Rad nicht neu, aber er konzentriert sich auf die Essenz eines guten Thrillers. Hier gibt es kein Vorgeplänkel, keine detaillierten Einführungen der Charaktere oder ausschweifenden Erklärungen. Der Zuschauer wird in die Handlung hineingeworfen und bis zum Ende nicht losgelassen, während die Spannungsschraube immer kräftiger angezogen wird. Die Handlung betritt hier vom Anfang bis zum Ende keine neuen Pfade. Doch schadet das dem Film? Wohl kaum. Bei näherer Betrachtung ergeben sich mit Sicherheit diverse Logiklöcher, doch wie soll das einem auffallen, wenn einem die ganze Zeit vor Anspannung der Atem geraubt wird? Dazu trägt natürlich auch die knapp 80-minütige Laufzeit (ohne Abspann) bei. Da bleibt für die Langeweile einfach keine Zeit. Dennoch ist der Film etwa drei Minuten zu lang, denn es wird ein komplett unnötiger Epilog angehängt, den man sich hätte wirklich sparen können.
Ansonsten gibt es aber kaum etwas auszusetzen. Obwohl solche zeitaufwendigen Details wie Charakterentwicklung hier einfach eingespart werden, fiebert man dennoch mit dem Hauptcharakter mit. Das ist einzig und alleine Gilles Lellouche in der Hauptrolle zu verdanken. Ähnlich wie François Cluzets Charakter im großartigen Kein Sterbenswort ist sein Charakter ein ganz durchschnittlicher Kerl, dessen Leben von einem Tag auf den anderen auf den Kopf gestellt wird. Roschdy Zem ist ebenfalls solide als der schweigsame Meisterdieb. Glücklicherweise macht der Film nicht den Fehler, Samuel und Hugo im Verlauf der Ereignisse gute Freunde werden zu lassen. Es ist und bleibt eine Zwecksgemeinschaft und genau so funktioniert es auch gut.
Der Schlüssel zu „Liebe“ liegt in seinen zwei Hauptdarstellern. Egal, wie sorgfältig Regisseur Haneke seine Geschichte hier auch komponiert: Ohne die bemerkenswert authentische Darstellung von Jean-Louis Trintignant und Emmanuelle Riva könnte das Werk niemals diese Durchschlagskraft erreichen, mit der es in sein Publikum vordringt und es von innen an das Geschehen fesselt. Die Grenze zwischen Realität und Fiktion wird aufgelöst, wenn wir diesen zwei Menschen an ihr Lebensende folgen und hautnah miterleben, wovor wir sonst gern die Augen verschließen: Dem unaufhaltsamen Prozess des Alterns und letztendlichen Sterbens. „Liebe“ stellt die erste Spielfilmarbeit von Trintignant, 81, seit „Janis et John“ von 2003 dar, jenem Jahr, in dem seine zweite Tochter, die Schauspielerin Marie Trintignant, von ihrem Freund im Alkoholrausch erschlagen wurde. Solch ein Ereignis geht an niemandem spurlos vorüber, es hinterlässt Narben, prägt. Die fassungslose Trauer ist in Hanekes Film spürbar, auch wenn das Drama hier ein anderes ist. Manchmal dringt ein Lächeln in das Gesicht von Georges hervor – aus einer Tiefe, die wir nur erahnen, aber nie wirklich ergründen werden. Das, was uns Trintignant mit dieser Rolle bietet, ist vollendetes Schauspiel, aber eben auch ein Stück seines eigenen Lebens. „Ich schätze Hanekes Filme sehr, deshalb war ich interessiert“, gibt der Darsteller in einem Interview mit der Wiener Zeitung an und begründet so die Rückkehr in das Medium, dem er so viele Jahre den Rücken zugekehrt hat. Für Haneke also dieses erneute Sammeln von Energie, dieser Aufstieg aus einem tiefen, persönlichen Loch und noch einmal vor die Kamera und in das Scheinwerferlicht. Ein stimmigeres Werk hätte er sich für diese womöglich letzte Arbeit nicht auswählen können.
