Quellen: Disney, Universal Pictures
Als wir berichtet haben, dass der Regisseur von Pixars The Good Dinosaur neun Monate vor dem geplanten US-Starttermin des Films vom Projekt "entfernt" wurde, hat Pixar noch nahegelegt, dass der Film dennoch seinen Starttermin am 30.05.2014 schaffen würde. Auch wenn ich da skeptisch war (Animationsfilme sind eine langwierige Angelegenheit, neun Monate vor dem Kinostart den Regisseur zu verlieren ist dabei besonders heftig), konnte man sich nicht ausmalen, welche Konsequenzen für die Starttermine diverser Filme es nach sich ziehen würde.
Zunächst hat Disney die Änderung der Startdaten von The Good Dinosaur und Findet Dory verkündet. Dabei wurde The Good Dinosaur um ganze 18 Monate verschoben und soll jetzt in den USA am 25.11.2015 anlaufen. Für das Datum war ursprünglich Findet Dory, das Sequel zu Pixars Megahit Findet Nemo angedacht. Jener Film wurde nun auf 17.06.2016 verschoben und kommt mehr als 13 Jahre nach Teil 1. Damit hat Pixar 2015 immer noch zwei Filme (Inside Out startet am 19.06.2015 in den US-Kinos). Das bedeutet aber auch, dass 2014 das erste Jahr seit 2005 sein wird, in dem kein Pixar-Film in die Kinos kommen wird.
The Good Dinosaur blieb aber nicht der einzige Animationsfilm, der 2014 verlassen hat. Die Minions, das Spin-Off von Ich – Einfach unverbesserlich, soll jetzt statt am 19.12.2014, erst am 10.07.2015 die nordamerikanischen Kinos erreichen. Auch wenn dies nicht als Begründung angeführt wird, fällt es mir, schwer keinen Zusammenhang mit den Startterminänderungen von Pixar zu sehen. Da Findet Dory jetzt aus 2015 raus ist, hat Die Minions eine exzellente Chance, zum erfolgreichsten Animationsfilm des Jahres zu werden.
Die Verfilmung eines Romans ist immer eine schwierige Aufgabe. Die Erwartungen der Leser und künftigen Zuschauer sind immer sehr groß und auf dem Film lastet die Bürde, die Vorstellungen der Leser in treue Bilder zu umzusetzen. Buchverfilmungen sind häufig zur Mittelmäßigkeit verurteilt: im besten Fall ist der Film eine treue Adaptation, die aber nichts Neues bringt; im schlimmsten Fall wird er gehasst, weil er den Vorstellungen des Lesers nicht entspricht. Im Fall von Der Schaum der Tage vom surrealistisch geprägten französischen Kultautor Boris Vian war das Unterfangen noch riskanter für den Regisseur, Michel Gondry (Vergiss mein nicht!, Science of Sleep), da in Frankreich der Roman ein Klassiker der Literatur ist: er gehört zu den Pflichtlektüren der Selbstbildung aller Jungendlichen, die daher eine besondere und emotionale Bindung an den Roman haben. Diesen Nachteil hat der Film in Deutschland zwar eher nicht, da die Vorlage hier so gut wie unbekannt ist. Es wäre interessant gewesen, die Resonanz des deutschen Filmpublikums, d.h. eines Publikums ohne Vorurteile, zu beobachten. Leider kommt Der Schaum der Tage nach Deutschland, wie überall außerhalb von Frankreich, in einer 36 Minuten kürzeren, internationalen Fassung. Es ist schade, dass nicht mehr von dem Publikum erwartet wird und dass die Studios sich nur trauen, eine vorgekaute Version (was aber kein Erfolgsgarant ist!) hier herauszubringen, auch wenn diese Version vom Regisseur selbst gekürzt worden ist…
Von den ersten Minuten des Films an wird der Zuschauer in eine überschäumende Stimmung eingetaucht. Die Welt, die Michel Gondry erschaffen hat, ist voll mit Erfindungen (dazu zählen u.a. ein Cocktail-Klavier, eine Klingel mit Füssen und der Vorläufer des Internets), bizarren Phänomenen (die Beine der Tänzer strecken sich unverhältnismäßig, ein Zimmer wird rund, wenn die Musik von Duke Ellington gespielt wird, usw.) und weiteren lustigen Details. Das Gesamte ist visuell sehr effektiv und die Entdeckung dieser Welt – die Gondry selbst als „Retro-Futurismus“ bezeichnet – in der ersten Hälfte des Films macht Spaß. Die visuellen Effekte und der Bilderreichtum, die man als eine visuelle Übersetzung der blumigen und erfinderischen Sprache der Vorlage interpretieren kann, sind fast zu viel und machen es gleichzeitig amüsant und anstrengend, den Film zu sehen. Die Sprache erweitert diese besondere und chaotische Welt noch mehr. Wenn die Französischkurse aus der Schulzeit einige Spuren bei Euch hintergelassen haben, kann man nur empfehlen, den Film im Original zu sehen, um die sprachlichen Köstlichkeiten zu genießen: Wortspiele, Wortneuschöpfungen und Stil-Spiele sind zahlreich.
Gondry hat sich mit guten Schauspielern umgegeben. Romain Duris stellt einen guten Colin dar, und Audrey Tautou eine gute Chloé und das Paar Duris-Tautou, das schon in L’Auberge Espagnole – Barcelona für ein Jahr gemeinsam vor der Kamera stand, funktioniert immer noch ganz gut : die beiden Schauspieler haben offensichtlich Spaß, sich gegenseitig das Stichwort zu geben, und die Chemie vor der Kamera ist spürbar. Der neue Publikumsliebling Omar Sy fühlt sich wiederum wie ein Fisch im Wasser in der verrückten Welt des Films. Diese Besetzung sollte als ein Erfolgsgarant wirken – und so hat sich Gondry das wahrscheinlich auch gedacht. Man ist aber ein bisschen enttäuscht, dass die Schauspieler, auch wenn sie ihren Job solide leisten, nicht mehr Raum bekommen haben, um ihre schauspielerischen Talente zu entfalten: es ist als ob die Stimmung und die Visuals des Films sie erdrücken würden.
Trotz seiner zahlreichen Qualitäten schafft der Film es deshalb leider nicht, die Aufmerksamkeit des Zuschauers dauerhaft zu fesseln. Nach der Entdeckung der fabelhaften Welt und dem Beginn der Liebesgeschichte entwickelt sich der Plot nur noch mühsam. Die dramatische Entwicklung der Liebesgeschichte ist nicht so bewegend, wie man es erwarten würde, sondern tendiert dazu, den Zuschauer zu langweilen. Es liegt vor allem daran, dass die Geschichte von Colin und Chloé, so dramatisch sie auch ist, sehr distanziert dargestellt wird und keine Emotionen bei dem Zuschauer hervorruft. Die Nebengeschichte von Chick, der sein Leben seiner Leidenschaft für den Philosophen Jean-Sol Partre (hier ist natürlich eine Parodie von Jean-Paul Sartre zu erkennen) widmet, erscheint ziellos und interessiert kaum.
Von alledem bekommt Ofelia (Ivana Baquero) wenig mit. Für das zwölfjährige Mädchen liegt eine andere Welt in Trümmern, nachdem ihr Vater im Bürgerkrieg gefallen ist. Mittlerweile ist ihre Mutter, Carmen (Ariadna Gil), wieder schwanger und hat erneut geheiratet. Ofelias Stiefvater, der grausame Hauptmann Vidal (Sergi López), holt Mutter und Tochter zu sich in eine alte, abgelegene Mühle, denn er ist überzeugt: „Ein Sohn muss bei seinem Vater geboren werden.“ Von dort aus führt er einen erbarmungslosen Kampf gegen die Widerständler. Was er nicht weiß, seine Hausangestellte Mercedes (Maribel Verdú) unterstützt die Partisanen, liefert ihnen Informationen, Verpflegung, Medikamente.
Der spanische Bürgerkrieg ist ein Kapitel der Geschichte, auf das Hollywood bisher selten den Blick gerichtet hat. Während erster und zweiter Weltkrieg, der amerikanische Unabhängigkeitskrieg, der Krieg in Vietnam und selbst der Irak schon Handlungsort zahlloser Filme unterschiedlicher Genres waren, sind die Auseinandersetzungen zwischen Franco-Regime und Republikanern weniger von Interesse. Es brauchte erst einen Filmemacher wie Pedro Almodóvar, um einen- halbwegs- populären Film in diesem Szenario zu verwirklichen – nämlich „The Devil’s Backbone“ (2001). Unterstützt wurde der Spanier damals von Guillermo del Toro. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte der Mexikaner durch die beiden Horrorfilme „Cronos“ (1992) und „Mimic“ (1997) etwas von sich reden gemacht.
Beide Filme waren erfolgreich genug, dass man del Toro infolge dessen mehr künstlerische Souveränität zugestand. Die Produktion seines nächsten Filmes war zwar weiterhin nicht einfach, aber ein lange ruhendes Projekt wurde wieder reanimiert; zwei Jahre arbeiteten del Toro und seine Mannschaft daran, und 2006 wurde „Pans Labyrinth“ erstmals vorgeführt. Die Reaktionen waren sehr positiv, fast schon euphorisch. Rüdiger Suchsland sprach von „eine[m] der wichtigsten Filme der Dekade“ und Roger Ebert ging gleich in die Vollen, wenn er zu Papier gab: "Pan’s Labyrinth" is one of the greatest of all fantasy films, […].“ Vergleiche zum Maler Goya wurden gezogen, die Geschichte in eine Reihe mit den wichtigen Fantasy-Epen unserer Zeit gestellt. Selbst in einschlägigen Foren und auf Community-Webseiten war der Tenor weitgehend positiv. Also steht dem Meisterwerk doch nichts mehr im Wege, oder?
er Darstellung der Fabelwesen nicht unterschätzen. Ob der zwielichtige Faun mit seinen filigranen Bewegungen oder das makabere Gezappel des Menschenfressers, Jones beweist, dass del Toro in ihm einen grandiosen Darsteller gefunden hat. Auch die sonstigen Kostüme und die Sets, die oft an wohlige Studiobauten erinnern, sind tadellos. Sehr gelungen ist auch die Farbgestaltung der Bilder: Bei den Szenen in der realen Welt der Kriegshandlung vermischen sich das herbstliche Rot der Wälder, bedrohliches Grau von Nebel und Rauch und dreckige Brauntöne zu einer Atmosphäre zwischen magischer Melancholie und furchteinflößender Dramatik. Die Höhle des Kinderfressers, in die Ofelia hinabsteigen muss, ist in warmes, helles Rot getaucht, welches die Ambivalenz der Szene fabelhaft unterstreicht. Aus dem Rot eines wohlig wärmenden Kaminfeuers wird von einem Moment zum anderen ein glutroter Höllenschlund. Die nächtlichen Treffen mit dem Faun sind zumeist von einem dezenten, mystischen Blaustich durchzogen. Die Soundgestaltung tut ihr übriges: Knallende Gewehrschüsse, berstende Knochen, saftige Früchte, die beim Zubeißen verführerisch knacken, das nervöse Flattern der Käfer-Feen. Die Bilder, die del Toro und sein Team schaffen, laden ein, darin zu versinken. Sie sind einladend und abstoßend zugleich.
Alle diese Qualitäten können aber nicht darüber hinwegtäuschen, dass dem Drehbuch wenig einfällt. Die Märchenhandlung mit all ihren Möglichkeiten wird auf eine simple Drei-Akt-Struktur mit drei zu bewältigenden Quests beschränkt, welche auch für sich genommen nicht sonderlich kreativ sein. Zuerst gilt es, einen kranken Baum zu heilen. In dessen Wurzeln hat sich eine fette – und grauenhaft hässlich am PC-animierte – Kröte eingenistet. Ein bekanntes Märchenmotiv (bei den Brüdern Grimm saß das Tier am Grunde eines versiegten Brunnens; „Der Teufel mit den drei goldenen Haaren“), doch, gerade von del Toro, hätte man mehr erwartet als das Nacherzählen von bekannten Ideen.
Die Verknüpfung der Märchen- und Realebene funktioniert zwiespältig. Die Grenzen zwischen Phantasie und Realität verschwimmen für Ofelia immer mehr. Ob ihr Eskapismus tatsächlich nur dem Wunsch nach einem Vater und einer Heimat entspringt oder gar doch Wirklichkeit ist, darüber schweigt sich der Film aus. Stets gibt es, mal subtilere, mal deutlichere Hinweise, aber die Interpretation überlässt er dem Zuschauer. Ofelias Geschichte ist von der kriegerischen Rahmenhandlung allerdings fast komplett abgekoppelt. Von der grausamen Arbeit ihres Stiefvaters bekommt sie (im Film zumindest) nichts mit. Der Konflikt der Beiden ist ein familiärer, zwischenmenschlicher. Die Aufgaben von Ofelia und die Herausforderungen, denen sich Mercedes stellt, mögen Gemeinsamkeiten aufweisen, und Mercedes mag für das einsame Mädchen die weibliche Bezugsperson werden, die ihre leibliche Mutter ihr nicht mehr bieten kann, doch im Grunde laufen die beiden Handlungsstränge sehr lose nebeneinander her. Dadurch wirkt die Verknüpfung beliebig. Die beiden Geschichten benötigen einander zwar, sind aber nicht gekonnt genug verzahnt.
