Halbe Brüder, D 2015 • 116 Min • Regie: Christian Alvart • Mit: Paul „Sido“ Würdig, Tedros „Teddy“ Teclebrhan, Fahri Yardim, Mavie Hörbiger, Detlev Buck, Roberto Blanco, Julia Dietze, Gregor Bloéb, Charly Hübner • FSK: ab 12 Jahren • Kinostart: 9.04.2015 • Deutsche Webseite
„Mama war ’ne Schlampe – Ohoo“ – yay, das ist das einzig eingängige Statement des Films „Halbe Brüder“. Dieser Song zu den End-Credits von Hauptdarsteller Paul „Sido“ Würdig und Tedros „Teddy“ Teclebrhan hat wahrlich ohrwurmhaften Charakter. Ansonsten schafft fast ausschließlich noch das rosa Inkassokaninchen (!) positiv aufzufallen, denn es könnte direkt aus einem bizarren Gangster-Film von Guy Ritchie stammen. Der restliche Film vereint zwar beliebte Zuschauermagneten wie Sido (sein viertes Album „30-11-80“ stieg November 2013 wieder direkt auf Platz 1 ein), Fahri Yardim (mittlerweile sowas wie Stammschauspieler bei Til Schweiger) und Tedros Teclebrhan (YouTubeStar), schafft jedoch nicht mehr als die abgegriffenen, abgründigen, abgedroschenen Klischeematchbälle über das Netz der mittelmäßigen Belanglosigkeit zu dreschen. Fans werden vielleicht wie bei vielen deutschen Produktionen auf ihre Kosten kommen, die nur sehr selten die Messlatte höher legen, als schwächliches Opium für die Gilde der Anhänger zu verticken.
Drei unterschiedliche Männer treffen sich bei einem Notar, um herauszufinden, dass sie eine gemeinsame Mutter haben. Die frisch gebackenen Halbbrüder – der abgeklärte Trickbetrüger Julian (Paul „Sido“ Würdig), der verhätschelte sponsored-by-daddy Yasin (Fahri Yardim) und der rappende Tunichtgut Addi (Tedros „Teddy“ Teclebrhan) – machen sich gemeinsam auf die Suche nach dem Erbe ihrer Mutter. Jeder von ihnen braucht Geld. Addi will seine Karriere starten, Yasin will Unabhängigkeit von seinem Vater und Julian Geld für seine Kinder. Doch der hochverschuldete Julian verschweigt, dass er die ganze Beute braucht, um sich bei Kredithaien freizukaufen. Auf dem Weg zum familiären und monetären Glück lernen die Jungs ihren verschollenen Väter kennen, treffen verwegene Schönheiten, tapsen durch Glück so wie Unheil und werden von einem schrägen rosa Inkassokaninchen verfolgt.
In der Inhaltszusammenfassung steht zu Beginn: „Was haben ein deutscher Familienvater mit Hang zu Trickbetrug, ein verwöhnter Türke und ein draufgängerischer, rappender Afrikaner gemeinsam?“. Das kann man sich erstmal auf der Zunge zergehen lassen. Klingt wie ein schlechter Witz. Ist es auch. Man könnte auch direkt Schilder mit warnenden Piktogrammen vor dem Kino aufstellen, um auf lahme und zähe Frotzeleien über/mit Plattitüden aufmerksam zu machen. Es erwartet einen überraschenderweise keine ausgefeilte multikulturelle Identitätskrise, sondern ein Road-Movie mit eigener Identitätskrise. Die Szenen im Untergrund der Kredithai-Mafia machen hingegen der sonstigen unausgegorenen Entgleisungen Spaß. Herr Klopfer (Gregor Bloéb, das Kaninchen) ist eine rosa Version des Kaninchens aus „Donnie Darko“ und schafft es, mit seinem schmuddeligen, schrägen und seltsamen Auftritten für Wiedersehensfreude zu sorgen. Nicht weniger amüsant sind Chef-Gauner „U-Bahn-Lemmele“ (Charly Hübner) und seine Handlanger. Wenn es zur brutalen Vollstreckung der Inkassoschulden kommt, sollte man meinen, dass „hartgesottene“ Ganoven nicht mit der Wimper zucken. Hier werden die Publikumserwartungen erfreulicherweise charmant unterwandert.
Kommen wir zurück zu den sonstigen Entgleisungen. Die Waage zwischen lustig und gefühlsbetont wirkt abgehackt und manipulativ. Dies liegt vor allem an Szenen, wo die drei halben Brüder den jugendlichen, kindlichen Nachholbedarf verspüren. Furz- und Urinwitze lassen grüßen. Adam Sandler winkt auch schon um die Ecke. Diese Momente taugen auch nicht als Comic-Relief, wenn zuvor mal wieder ein Zerwürfnis die Beziehung der drei Protagonisten beinah zerrüttet hat. Diese Holzhammer-Rohrkrepierer tun irgendwo im Bereich des Stammhirns physisch wirklich in wellenartigen Schmerzschüben weh. Nach dem Streit vertragen wir uns, indem wir schauen, wer am weitesten an eine Dose pinkeln kann. Sorry für den Spoiler. Die milden Afrikanerwitzchen finden ihren personifizierten Tiefpunkt in der Figur von Roberto Blanco. Er spielt zwar herrlichen selbstironisch den „Blanco“-Pleitegeier, dient aber auch einfach nur in erster Linie für peinliche Schmunzler über Afrolook. Zumindest haben all die kleinen Cameo-Auftritte ihren Spaß. Die Rührseligkeiten wechseln mit erzwungenem Witz genau so schnell wie die Settings Berlin, Frankfurt, Köln und Fehmarn. Die Familienodyssee gerät auch durch die lange Laufzeit ins Schlingern. Die mangelhaft ausbalancierte Erzählweise erteilt dann dem Spießrutenlauf durch Klamauk und Klischee den Gnadenstoß. Eigentlich mal wieder schade, denn sympathische Schauspieler verheizen so ihr Können, das einfach nicht die handwerklichen und kreativen Löcher kitten kann. Regisseur Christian Alvart („Tatort“, „Antikörper“) kann besser Krimi, Thriller oder Horror inszenieren. Also warum in die Ferne schweifen, wenn das Gute so nah liegt?
In den US-amerikanischen Kinos wurden drei unterschiedliche Schnittfassungen von Ned Bensons Films mit unterschiedlichen Startterminen veröffentlicht. Dabei erzählt The Disappearence of Eleanor Rigby: Her die Geschichte komplett aus der Sichtweise von Eleanor und The Disappearence of Eleanor Rigby: Him macht Conor zum Protagonisten. Beide Fassungen wurden zu diesem Film zusammengeschnitten: Das Verschwinden der Eleanor Rigby (englischer Titel: The Disappearence of Eleanor Rigby: Them).
Umso mehr begeistert es dann aber, dass sich der Streifen nach dem etwas holprigen und langsamen Anfang immer weiter entfaltet und Stück für Stück die Puzzleteile der zu Beginn nicht klar vorliegenden Vorgeschichte zusammensetzt. Hier ist sehr positiv hervorzuheben, dass sich Regisseur und Drehbuchautor Ned Benson nicht in den einfachen schmalzigen Klischees von vielen anderen Beziehungsdramen verliert, sondern hier auf authentische und greifbare Charaktere setzt, die erfrischend gut ohne Wutausbrüche oder Heulattacken auskommen und stattdessen sehr menschlich wirken. So bleibt der Film am Boden und setzt sich wohltuend von dem einen oder anderen Genre-Kollegen ab.
Getragen von den fabelhaften Darstellern kreiert Benson mit dem Zusammenschnitt seines Spielfilmdebüts einen Film, der an vielen Stellen mit einer Menge Taktgefühl primär auf nuancierte Andeutungen und stille Gesten setzt und oft gerade in den ruhigen Szenen darauf baut, in seinen flüsternden Schnappschüssen zu versinken und seine Charaktere und ihre Beziehung stark melancholisch zu belichten. Dies wird auch von einem schön stimmigen Soundtrack aufgegriffen, der mit fortschreitender Laufzeit immer auffälliger wird und sich in den Vordergrund drängt. Gekrönt von einem mysteriösen und eindrucksvollen Ende bleiben es der faszinierende Stil und die imposanten Schauspieler, die Das Verschwinden der Eleanor Rigby trotz der gewissen Langatmigkeit sehenswert machen.
• Interview mit Jessica Chastain
Zwei grundverschiedene Polizeiermittler – einer ein Trinker und Womanizer, der andere jung, pflichtbewusst und idealistisch – suchen in einer sumpfigen, gottverlassenen Gegend nach dem brutalen Mörder von zwei Mädchen (und potenziell weiterer Opfer) und stoßen dabei auf ein dichtes Geflecht aus Lügen und Geheimnissen, nicht nur in der Kleinstadt, in der sie sind, sondern auch untereinander. Wer sich bei der Beschreibung an die HBO-Serie 
In Evans (Lou Taylor Pucci) Leben läuft’s nicht rund. Seine Mutter starb kürzlich an einer langwierigen Krebserkrankung, nach einer Schlägerei sucht ihn die Polizei, auf der Arbeit wurde er wegen ebendieser Schlägerei gefeuert und auch beim schönen Geschlecht hat er kein Glück. Der Heimatkaff in den USA hat nichts mehr zu bieten, also ab in den Flieger und auf nach Italien. Recht ziellos reist, feiert und säuft sich Evan gemeinsam mit zwei britischen Partytouristen durch den Süden von Italien, bis er in einem malerischen Städtchen bei Sorrent Louise (Nadia Hilker) trifft. Sie ist bildschön, geheimnisvoll, forsch und für Evan unglaublich anziehend. An einer kurzen Affäre ist sie interessiert, an einer Beziehung jedoch nicht. Evan gibt jedoch nicht leicht auf, bleibt im Städtchen, heuert bei einem wortkargen, aber liebenswerten Bauer an und umgarnt Louise, bis sie sich ihm hingibt. Was wie ein Richard-Linklater-Plagiat für manche klingen mag (und sicherlich wurde der Film zum Teil durch Linklaters Before-Trilogie inspiriert) nimmt jedoch ganz schnell eine düstere Wendung, denn Louise ist – und das ist eigentlich kein Spoiler – ein Monster.
Irgendwann ist einfach genug, schätze ich. Das Zombiegenre hat sich für den Moment für mich einfach ausgelutscht. Zombies gehörten schon immer zu den beliebtesten Monstern von Horrorfilmemachern, allein schon aufgrund der zahlreichen Variationen, wie man Zombies einsetzen kann, weil man diese Filme als angehender Filmemacher in der Regel recht günstig umsetzen kann und zugleich ein breites Genrepublikum erreicht. Es gibt langsame Zombies und schnelle Zombies, Zombiekomödien, ernsthaften Zombiehorror, Zombies als Gesellschaftskritik, Zombies als Romcom-Helden, Zombies in Animationsfilmen, Nazi-Zombies, Zombiber und sogar Osama bin Laden als Zombie. Der Riesenerfolg von "The Walking Dead" und später World War Z startete eine neue Welle von Zombiefilmen und wenn wir ganz ehrlich sind, gab es sehr viel Müll dabei und nur wenige gelegentliche Perlen. Auch keine Fantasy-Filmfest-Ausgabe vergeht ohne einen (oder meist mehrere) Zombiefilme. Wyrmwood, der australische Beitrag zum Zombiegenre, ist keineswegs schlechter Film. Doch er ist zugleich auch so sehr aus Versatzstücken anderer Filme konstruiert und auf das Fun-Splatter-Publikum zugeschnitten, dass er über weitere Strecken redundant und dadurch leider schnell langweilig wirkt.
Mit Tusk bleibt der Kult-Regisseur Kevin Smith weiterhin auf seinem Horrortrip und liefert den klaren Anwärter auf den WTF-Film der diesjährigen Nights ab. Simpel gefasst könnte man sagen, dass Tusk Kevin Smiths Antwort auf The Human Centipede ist. Justin Long, hier mit einem unsäglichen Schnauzer, spielt den unsympathischen, arroganten Podcaster Wallace, der von Los Angeles nach Kanada einer möglichen Story für seine nächste Sendung folgt. Der Trip entpuppt sich anfangs als Zeitverschwendung, doch durch Zufall gerät er an den in die Jahre gekommenen Weltenbummler Howard Howe (Michael Parks), der einen reichhaltigen Fundus an Geschichten mit sich bringt. Wallace denkt, an eine Goldgrube gestoßen zu sein, und tappt mitten in eine Falle. Beim alten Mann fehlen nämlich die etliche Tassen im Schrank und er hat für Wallace grausame Pläne, die auch Dr. Josef Heiter aus The Human Centipede zum Kopfschütteln veranlassen würden. Aus Wallace wird ein Walross.
Meine erste Begegnung mit dem Regie-Autor-Duo Adam Wingard und Simon Barrett war alles andere als optimal. A Horrible Way to Die – ebenfalls im Rahmen des Fantasy Filmfests gesehen – war ein interessanter Ansatz im angestaubten Serienkiller-Subgenre, jedoch auch zäh wie Gummi. Umso größer ist meine Überraschung, dass die nächsten beiden Langfilme der beiden die absoluten Partygranaten der jeweiligen FFF-Ausgaben werden würden! 
Dabei ist der Film zuweilen so traurig, dass es einem schwerfällt, in der Schnelligkeit des Films wieder aus diesem emotionalen Loch herauszukommen und Spaß an den Witzen zu haben. Das liegt weniger daran, dass es wirklich niederschmetternd ist, sondern weil man solch einen emotionalen Einschlag in einem Film wie diesem nicht unbedingt kommen sieht. Nicht mehr ganz so überraschend, aber trotzdem effektiv wirken die – im Gegensatz zum restlichen, leider sehr vorhersehbaren Film – Handlungen und Emotionen des kleinen Genies Hiro im weiteren Verlauf. Wirklich spaßig anzusehen ist die Freundschaft, die sich zwischen ihm und Baymax entwickelt. Der große, knuddelige Sympathieträger sorgt dabei durchgehend für Unterhaltung, auch wenn sich der Film nicht einfach auf ihm ausruht. Neben ihm und Hiro sind auch die vier anderen Charaktere interessant gestaltet und sorgen durch ihre Unterschiedlichkeiten für die nötige Abwechslung.
Zusammen wollen die fünf Nerds und der Roboter nun gegen den unheimlichen Bösewicht vorgehen und stürzen sich so in ein zwischen Disney-typischer Lockerheit und an 
Aus diesem Anlass verlost Filmfutter mit freundlicher Unterstützung von Studiocanal Germany und NICI zwei shauntastische Fanpakete zum Film. Diese beinhalten eine Filmdose mit zwei bundesweit einsetzbaren Kinofreikarten, eine Shaun-Plüschfigur von NICI und ein Original-Filmplakat zu Shaun das Schaf – Der Film. Die Abbildungen zu den Preisen findet Ihr unten.
Nach einem vorbeiziehenden Meteoritenschauer geht in Australien alles drunter und drüber. Familienvater Barry (Jay Gallagher) wird in dieser Nacht von seiner Tochter geweckt, weil sie jemanden in der Küche hört. Es dauert nicht lange, da befinden sich Frau, Tochter und Ehemann auf der Flucht vor bissigen Zombiehorden. Barry muss seine Familie letztendlich von dem primitiven Zombiedasein erlösen, hat danach aber keine Munition mehr, um sich selbst zu erschießen. Also macht sich Barry auf die Suche nach seiner Schwester Brooke (Bianca Bradey). Unterwegs trifft er kauzige Mitstreiter wie den Aborigine Benny (Leon Burchill). Die Schwester sitzt mittlerweile gefesselt in einem fahrbaren Labor und wird von einem irren Wissenschaftler in seine Experimente verwickelt. Diese Experimente statten Brooke mit neuen Fähigkeiten aus, die sie für ihre Flucht nutzen kann.
Die Franzosen haben es mit ihrer Horrorwelle im letzten Jahrzehnt eindrucksvoll vorgemacht und nun zeigen auch die Belgier, dass sie ihren gallischen Nachbarn in nichts nachstehen. Cub machte mich ein wenig traurig. Nicht weil er enttäuschend oder gar schlecht war. Im Gegenteil, er war die vielleicht positivste Überraschung der diesjährigen Fantasy Filmfest Nights. Nein, der Film machte mich ein traurig, weil während ich ihn genoss, mir bewusst wurde, dass ein solcher Film nie aus Deutschland kommen würde. Dabei gibt es eigentlich nichts, was dies verhindern sollte. Horrorfans gibt es bei uns zuhauf, besonders üppig dürfte das Budget das Films nicht gewesen sein und es gibt darin nichts, aber auch rein gar nichts, was nicht theoretisch auch bei uns hätte gemacht werden können. Dennoch ist mir bewusst, dass ein so unterhaltsamer und durchaus auf dem Niveau seiner englischsprachigen Vorbilder inszenierter Streifen einfach keine deutsche Produktion sein könnte. Aber vielleicht ist es auch einfach ein Teufelskreis und es sind Gedanken wie die meinen, die Filmemacher davon abhalten, ein Projekt wie dieses zu wagen.
Roboter und künstliche Intelligenz faszinieren Filmemacher und Kinogänger seit den Anfängen des Kinos. Von Maria aus Fritz Langs Metropolis über den Terminator und die Replikanten von Blade Runner bis zu den Hubots aus der schwedischen Serie "Real Humans" oder Chappie aus dem 
Bad City ist der bezeichnendste Städtename seit Sin City. Es ist eine gottverlassene iranische Geisterstadt (gedreht wurde in Kalifornien!) mitten im Nirgendwo. Hier lebt Arash (Arash Marandi). Arash hat Träume, doch seine Träume haben in Bad City keine Zukunft. Sein Vater ist heroinsüchtig und beim lokalen Dealer (Dominic Rains), der das Gesetz von Bad City repräsentiert, hoch verschuldet, weshalb Arash kurzerhand seinen geliebten 
Wissenschaftler sollten nicht Gott spielen und Tote sollte man im Totenreich lassen. Diese bittere Lektion musste bereits Viktor Frankenstein lernen und zahllose Horrorfilme haben sie über die Jahre wiederholt. Die Protagonisten von The Lazarus Effect haben diese Filme scheinbar nicht gesehen, als sie ihr Serum entwickelt haben, mit dessen Hilfe (und einem starken Stromschlag, weil das immer gut ist) Verstorbene zurückgebracht werden können. Hingegen haben Regisseur David Gelb und die Autoren Jeremy Slater und Luke Dawson sehr viele dieser Horrorfilme gesehen, haben sie sich doch scheinbar bei jedem einzelnen davon bedient, als sie The Lazarus Effect zusammengestellt haben. Um ehrlich zu sein, gibt es kaum eine Szene aus dem Film, kaum eine Plotwendung, die nicht einem anderen Genrefilm entrissen scheint. Über eine Hommage geht das weit hinaus, denn hier wird nicht mit den Augen gezwinkert und es wird auch keinem Vorbild gehuldigt. Nein, hier wird schamlos geklaut, was das Zeug hält. Die größte Ironie ist hier unfreiwilliger Natur: The Lazarus Effect entspricht seiner Thematik und ist selbst ein filmisches Frankensteins Monster, das aus Versatzstücken anderer Filme zusammengesetzt wurde. Doch davon funktioniert leider wenig so recht…
Der älteste Sohn der Familie Peterson namens Caleb ist im Afghanistan-Einsatz gefallen. Die noch trauernde Familie erhält unerwarteten Besuch von David (Dan Stevens). Der freundliche David stellt sich als ehemaliger Kamerad und Freund des verstorbenen Sohnes vor und möchte der Familie in der Zeit der Trauer beistehen. So lädt Mutter Laura (Sheila Kelley) David für ein paar Tage ein, der sich prompt bei ein paar Bierchen mit Vater Spencer (Leland Orser) anfreundet. Calebs junger Bruder Luke (Brendan Meyer) wird von den Sportskanonen der Schule gemobbt, wessen sich David beflissentlich mit starker Hand annimmt. Tochter Anna (Maika Monroe) hält David für einen scharfen Draufgänger, wird David gegenüber aber zunehmend misstrauisch, wenn sich die ungewöhnlichen Ereignisse im Umfeld der Familie häufen.
Was hat „The Guest“ auf der Plus-Seite? Der Retro-Soundtrack macht schon mal glücklich und Regisseur Adam Wingard komponiert dazu ein paar hochwertige, ansehnliche Bilder und Sequenzen. Dan Stevens meistert die Rolle des süffisant charmanten Soldaten bis zum abgeklärten Killer im Gegensatz zum Rest der Familie (ausgenommen Maika Monroe) gut. Leland Orser und Sheila Kelly sind Bauernopfer ihrer Rollen. Das Drehbuch lässt sie zu gutgläubig und naiv tapsig, nichts ahnend durch das Geschehen herumstolzieren. Ob sie sich im Zuge des Trauerfalls einer klaren Sicht auf die Dinge verschließen und ihr „Glück“ mit dem unbekannten David nicht fassen können, der ihnen von dem verstorbenen Caleb erzählt, bleibt mehr als seltsam und unlogisch. Mobbing-Opfer Luke gibt den klischeehaften Nerd mit Beatles-Frisur und macht leider ebenfalls keine gute Figur, da er hölzern lediglich das Klischee abspult. Maika Monroe holt aus ihrer Figur mehr als das Minimum heraus, da sie diejenige ist, die David nach und nach durchschaut. Dabei darf sie schließlich von anfänglicher Bewunderung bis hin zu Misstrauen, Unbehagen und physischer Gegenwehr einiges mehr zeigen als der restliche Cast der Familie.
Adam Wingard schreibt mit „The Guest“ einen Liebesbrief an vielerlei kultige Genres und zitiert sich munter durch die 70er/80er-Jahre von Slasher-, Action-, Trash- und B-Movies bis hin zur Neuzeit (von „Halloween“ über „Scream“ bis zu 
