Quelle: Sony Pictures
Sony Pictures und MGM veröffentlichten einen neuen US-Trailer (UPDATE: Deutscher Trailer jetzt online) zum kommenden James Bond Abenteuer, Skyfall. Nachdem Casino Royale die Reihe extrem erfolgreich wiederbelebt hat, enttäuschte der Nachfolger Ein Quantum Trost, unter der Regie von Marc Forster, viele Fans des Vorgängers. Sam Mendes, der oscarprämierte Regisseur von American Beauty und Road to Perdition wurde an Bord geholt, um die Dinge wieder zu richten. Den Eindrücken des langen Trailers nach zu urteilen, ist ihm das eindrucksvoll gelungen. Der Trailer vereint die beliebten Elemente der alten Bond Filme (Coolness, Q, Walther PPK Pistole) und die modernen Einflüsse (rasante Action, bei der Bond kräftig mitmischt und auch einstecken muss).
Auch wirft der neue Trailer etwas Licht auf die bislang spärlichen Details des Filmplots, die ich aber hier nicht spoilern werde. Wer mehr wissen will, schaue sich den großartigen Trailer an. Eins scheint sicher – nach seinem Auftritt als Anton Chigurh in No Country for Old Men, weiß jeder, dass Javier Bardem fiese Kerle höchst überzeugend spielen kann. Dies beweist er erneut in seinen kurzen Momenten im Trailer.
Offizeiller Inhalt:
"Daniel Craig kehrt zurück als James Bond 007 in SKYFALL, dem 23. Abenteuer der am längsten laufenden Filmreihe der Kinogeschichte. In SKYFALL wird Bonds Loyalität M gegenüber auf eine harte Probe gestellt, als seine Vorgesetzte von ihrer Vergangenheit eingeholt wird. Als der MI6 unter Beschuss gerät, muss 007 die Angreifer aufspüren und unschädlich machen, ohne Rücksicht auf den Preis, den er selbst dafür zahlen muss.
Daniel Craig übernimmt nach „Casino Royale“ und „Ein Quantum Trost“ zum dritten Mal die Rolle des berühmtesten Geheimagenten der Welt, James Bond 007. Regie führt diesmal Oscar®-Preisträger Sam Mendes. In weiteren Rollen agieren Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Ben Whishaw und Rory Kinear." (Quelle: Sony Pictures Germany)
Der deutsche Kinostart ist am 01.11.2012.
Die Ähnlichkeiten zwischen den beiden Werken sind, wie der vorangegangene Paragraph deutlich veranschaulicht, unübersehbar. Daher liegt es sehr nahe, die beiden Filme zu vergleichen. Und doch enden die Vergleiche bereits bei der Grundstruktur der Geschichte und dem eingeschränkten Setting. Schon bei der Entstehung der Filme gibt es Unterschiede, die letztlich eine Auswirkung auf das jeweilige Endprodukt haben. Polanski hat Rezas Stück gemeinsam mit Reza in Drehbuchform gebracht und mit einer hervorragenden Auswahl hochkarätiger internationaler Stars besetzt – Christoph Waltz, John C. Reilly, Jodie Foster und Kate Winslet. Gedreht wurde natürlich in englischer Sprache, wobei Polanski kaum von der Vorlage abgewichen ist. Vielleicht war es seine Ehrfurcht vor Rezas umjubelten Stück, die letztlich dazu führte, dass der Film, so gut gespielt er auch war, niemals cinematisch, sondern stets theatralisch wirkte und man das Gefühl nie los wurde, ein abgefilmtes Theaterstück zu sehen. Gut war es ja, aber als Film eben zu wenig eigenständig. Dadurch, dass den Zuschauern vier weltbekannte Stars präsentiert wurden, verstärkte sich das Gefühl nur mehr. Man sah eher große Schauspieler auf einer Bühne und weniger menschliche Charaktere. Bei Der Vorname war es sicherlich vom Vorteil, dass der Übergang von der Bühne ins Kino in gewisser Hinsicht viel direkter war. Die Autoren des Stücks, Matthieu Delaporte und Alexandre de La Patellière, haben die eigene Vorlage sowohl in Drehbuchform gebracht als auch die Aufgabe der Regie gemeinsam übernommen. Darüber hinaus ist fast die gesamte Besetzung der Originalproduktion im Film in den gleichen Rollen zu sehen. Nur die Rolle von Pierre wurde von Charles Berling übernommen, der an die Stelle von Jean-Michel Dupuis trat.
Somit hatte man bereits ein hervorragend eingespieltes Team von Schauspielern, Autoren und Regie. De La Patellière und Delaporte konnten mit dem eigenen „Baby“ viel freier und lockerer umgehen als Polanski mit Rezas Stück. Hier wird die Intention der Filmemacher klar, dem Stück treu zu bleiben und doch zugleich einen richtigen Kinofilm zu erschaffen. Das zeigt sich gleich zu Beginn des Films, als der Weg eines Pizzaboten durch ganz Paris bis hin zur Wohnung von Élisabeth und Pierre beschrieben wird, doch bei dieser Einlage bleibt es nicht. Jeder Charakter bekommt durch flott geschnittene Einblenden eine individuelle augenzwinkernde Einführung. Hier war Jean-Pierre Jeunet in klares Vorbild, doch daran will man sich ja nicht aufhängen. Allein durch diese (scheinbar) kleinen Details wirken die darauffolgenden Ereignisse, die nun vollständig innerhalb der Wohnungsmauern stattfinden, natürlicher und authentischer. Ferner ist es zumindest für den deutschen Zuschauer vom Vorteil, es nicht mit bekannten Gesichtern wie von Jodie Foster oder Kate Winslet zu tun zu haben, sodass die Charaktere einem auch naher erscheinen.
Zugegeben, hier sticht keiner so hervor wie Christoph Waltz oder John C Reilly in Der Gott des Gemetzels. Hatte in Der Gott des Gemetzels jedes Mitglied der Besetzung seine eigenen Momente zum Brillieren und zum Ausarbeiten der Figur, so sind trotz der deutlich längeren Laufzeit die drei männlichen Charaktere in Der Vorname deutlich besser abgebildet. Die Frauen ziehen leider den Kürzeren und sind weniger vielschichtig. Insbesondere Anna als die „Außenseiterin“ der Gruppe kommt nicht sehr gut davon. Auch an Bosheit und Zynismus bei den Dialogen fehlt es hier ein bisschen. Man wünscht sich immer, dass das Ganze noch einen kleinen Schritt weiter (und tiefer) gehen würde. Doch beim näheren Betrachten zeigen sich auch andere Unterschiede zwischen den beiden Werken. Waren es in Der Gott des Gemetzels schließlich zwei sich fremde Paare, die aneinander gerieten, handelt es sich in Der Vorname um eine (erweiterte) Familienbande. Ein Punkt, an dem Polanski in seinem Film scheiterte, war es, den Zuschauern überzeugend zu vermitteln, warum Winslet und Waltz die Wohnung des anderen Ehepaares nicht endgültig verlassen. In Der Vorname fühlt es sich aber natürlich an, dass auch während der hitzigen Diskussionen niemand sich ernsthaft veranlasst fühlt, die Wohnung zu verlassen. Schließlich kennt man sich lange und weiß, dass man sich über kurz oder lang wieder vertragen wird. Die Eingespieltheit des Ensembles, in das sich Berling als Neuling perfekt einfügt, trägt auch sehr dazu bei, dass diese feste Bande überzeugend wirkt.
Es gibt für die Pixar-Fans gute und schlechte Nachrichten zu vermelden. Die „schlechte“ ist, dass man hier nicht wirklich versucht hat, neue Pfade zu beschreiten. Merida ist fast so traditionell, wie es ein Märchen aus dem Hause Disney (zu dem Pixar ja gehört) nur sein kann. Der Streifen bringt Pixars Animation nicht voran, wie WALL-E oder Oben es taten, weder in storytechnischer noch in visueller Hinsicht. Die Zuschauer erwarten mittlerweile, dass Pixar mit jedem neuen Film die Messlatte höher legt und das tut Merida nicht, sondern begnügt sich damit, einfach ein richtig gutes Märchen zu sein. Und so kommen wir auch zu der guten Nachricht. Trotz fehlender Innovationen, ist Merida ein durchweg gelungenes Werk, welches Jung und Alt begeistern wird. Auch wenn es keine einzelnen Aspekte gibt, die mehr als andere herausragen, ist das Gesamtwerk einfach unglaublich stimmig und unterhaltsam, wobei auch, wie es bei Pixar üblich ist, mit Emotionen nicht gegeizt wird.
Obwohl Merida natürlich auf den ersten Blick wie das typischste Märchen schlechthin erscheint, hat Pixar doch die eine oder andere Neuerung hier reingebracht. So ist es der erste Pixar-Film mit einer weiblichen Protagonistin und auch der erste Film, der nicht in moderner Zeit spielt. Passend zum emanzipatorischen Tenor des Films, sollte es auch der erste Pixar-Film werden, bei dem die Frau die Regie übernahm. Doch Brenda Chapman, die Meridas Geschichte mitentwickelte, verließ das Projekt aufgrund kreativer Differenzen. Mit Mark Andrews wurde zum Glück ein mehr als würdiger Ersatz gefunden. Merida stellt aber auch die Verschmelzung zweier Animationsepochen dar. Hier geht Pixars unverwechselbarer Stil in den klassischen Disney Stoff über. So ist Merida ja auch der erste Beitrag von Pixar zur Prinzessinen-Reihe von Disney. Doch ist Merida keine typische Disney-Prinzessin. Aufmüpfig, mit einem Temperament so feurig wie ihre wilden roten Locken, interessiert sie sich für keinen Mann. Sie sehnt sich nicht nach einer großen Liebesgeschichte, sondern will ihre Unabhängigkeit und Freiheit. Die Romantiker dürften also enttäuscht sein. Auch am Ende steht kein Prinz an Meridas Seite. Merida ist die Geschichte von einer Mutter-Tochter Beziehung.
Mit Merida hat Pixar einen weiteren großartigen Charakter erschaffen. Das Bemerkenswerte an ihr ist, dass sie zwar mutig und temperamentvoll ist, zugleich aber auch nicht wirklich reif und weise. Ein Teenager eben. Das verleiht der Beziehung mit ihrer Mutter eine zusätzlich realistische Dimension, da Merida anfangs nur auf sich und ihr eigenes Wohl bedacht ist, und die Sichtweise der Mutter nicht einnehmen will. Aber auch Elinor versucht anfangs nicht ihre Tochter zu verstehen. Erst der Zauber bringt die beiden näher zusammen und führt schließlich zu einigen rührenden und herzergreifenden Momenten, wie nur Pixar diese in seinen Animationsfilmen erschaffen kann. Doch auch der Humor kommt hier nicht zu kurz, vor allem dank Meridas kleinen Drillingsbrüdern Hubert, Harris und Hamish, die allerlei Unfug anstellen, sich aber auch durchaus als nützlich erweisen. Auch die illustren Clananführer sorgen für einige Lacher. Das Highlight stellt aber die verwandelte Elinor, die verzweifelt versucht auch in ihrer Bärenform die Anmut und das Benehmen einer Königin aufrecht zu erhalten.
Letztendlich ist Merida aus künstlerischer Sicht vielleicht einer der schwächeren Pixar Filme (dieser Erwartung wird der oscarnominierte Kurzfilm La Luna, der vor dem Hauptfilm läuft, schon eher gerecht), doch ist es dank seiner großartigen Charaktere, seiner üppigen Animation und seinem aufrichtigen emotionalen Kern dennoch eins von Pixars besten Werken. Die Mutter-Tochter Geschichte wird bei den Eltern und Kindern im Publikum auf gute Resonanz stoßen. Diejenigen, denen dieser Aspekt nicht so wichtig ist, kommen immer noch in den Genuss eines visuell beeindruckenden und von erster bis zu letzter Minute unterhaltsamen Märchen. Erneut beweist das Animationsstudio, dass es allen anderen in Hollywood haushoch überlegen ist. Wenn es mit rechten Dingen zugeht, wird sich Merida neben Buzz Lightyear, WALL-E und Remy als einer von Pixars legendären Charakteren etablieren.
