Quelle: The Hollywood Reporter
Sony/Columbia Pictures hat ein extrem erfolgreiches Jahr. Nachdem bereits die Kino-Adaption der Serie 21 Jump Street mit über $138 Mio US-Einspiel zu einem Riesenüberraschungshit in den USA wurde und Men in Black 3 mit über $610 Mio weltweit bereits der erfolgreichste Teil der Serie ist, erlebt momentan ein weiterer Sony Film seinen Höhenflug. The Amazing Spider-Man hat nach nur 17 Tagen fast $218 Mio in Nordamerika und über $500 Mio weltweit eingenommen. Da ist es kein Wunder, dass an den Sequels zu allen drei dieser Filme bereits fleißig gearbeitet wird.
In einem Interview mit The Holywood Reporter hat der Sony Präsident Doug Belgrad nun einige Infos zum Stand der Dinge durchsickern lassen. So ist es noch nicht sicher, ob Marc Webb als Regisseur für das nächste Spider-Man Abenteuer zurückkehren wird. Zwar hätte das Studio ihn gerne, doch er schuldet Fox noch einen weiteren Film nach dem Erfolg von (500) Days of Summer.
Die Dreharbeiten zum 21 Jump Street Sequel (der erste Film ist der bislang witzigste Film des Jahres) beginnen dafür schon im Herbst. Details zum Plot und ob es Jonah Hill und Channing Tatum diesmal ans College verschlagen wird, gibt es keine. Auch hat Belgrad bestätigt, dass die Men in Black Reihe auch nicht vorbei ist, dass aber die Richtung des Sequels noch nicht feststeht. Wenn man bedenkt, dass zwischen dem ersten und dem zweiten Film fünf und zwischen dem zweiten und dem dritten Film zehn Jahre lagen, könnte die Fortsetzung noch eine Weile auf sich warten lassen.
Fast schon nebenbei hat Belgrad erwähnt, dass ein Remake zum Robin Williams Hit Jumanji sich in Planung befindet. Es gab schon 2005 ein Quasi-Sequel, Jon Faveaus Zathura, doch dieser Film konnte Jumanjis Spaßfaktor nicht replizieren und floppte an den Kinokassen.
Obwohl ich Jumanji für einen überaus gelungenen Familienfilm halte, wäre ich an einer Neuinterpretation interessiert. Sicherlich wäre da mit modernen Speizialeffekten viel möglich. Was die Fortsetzungen betrifft – solange diese die Qualität der jeweiligen Vorgänger erreichen können, bin ich auf jeden Fall dabei!
Diese Frage muss leider verneint werden, auch wenn Nolans Ambitionen diesbezüglich sehr deutlich sind. An die Brillanz vom zweiten Film, der seine Stärke aus der einzigartigen Charakter-Konstellation schöpft, kommt The Dark Knight Rises nicht heran. Dennoch ist es eine mehr als würdige Fortsetzung der Reise, die in Batman Begins begann. Die Düsternis, Trostlosigkeit und Verzweiflung halten auch hier erneut Einzug, denn der Film ist keineswegs leichter verdaulich als die beiden Vorgänger. Thematisch und im Ton bleibt Nolan den anderen Filmen sehr treu. Sich der Tatsache vollkommen bewusst, dass eine wichtige Zutat für The Dark Knights Erfolgsrezept Heath Ledgers unsterbliche Darstellung war und hier keineswegs repliziert werden könnte, unternahm Nolan den wohl logischen Schritt und knüpfte den dritten Film direkt an den ersten an, indem er Batman und Bruce Wayne in vielerlei Hinsicht zum Anfang seiner Verwandlung in Batman und seiner damaligen Motivation bringt. Natürlich werden die Ereignisse von The Dark Knight nicht ignoriert, dienen die Events vom Ende des Films doch als Auslöser für Waynes Zustand am Anfang von The Dark Knight Rises. Auch der schreckliche Tribut, den Rachels Tod von Bruce forderte, wird verdeutlicht. Was fehlt ist jedoch jegliche Erwähnung vom Joker, dessen Abwesenheit hier ironischerweise trotzdem jederzeit spürbar ist.
Es ist nicht so, dass Tom Hardys Bane keine beeindruckende Figur wäre. Jeder, der Hardy in Nicolas Winding Refns Bronson gesehen hat, weiß, dass er der Richtige für den Job ist und er enttäuscht nicht. Hartes Training und die zusätzlichen 14 Kilo scheinbar reiner Muskelmasse haben sich bezahlt gemacht. Als Bane ist Hardy eine extrem imposante Gestalt. Die Kamera komplementiert seine Auftritte extrem gut, denn er füllt mit seinen breiten Schultern, seiner Statur und seinem selbstsicheren Gang immer das Bild aus. Die Einführung des Charakters in einer beeindruckenden (und zu großen Teilen ohne Computereffekte gedrehten) Flugzeugsequenz kann es locker mit Jokers Banküberfall vom letzten Film aufnehmen. Strahlte der Joker zu jedem Zeitpunkt Unberechenbarkeit aus, so ist es bei Bane anders. Er wirkt zu jedem Zeitpunkt extrem berechnend, zielorientiert und bedrohlich. Er ist ein Sturm, den nichts aufzuhalten vermag, was sich ihm in den Weg stellt. Im Gegensatz zu den meisten Bösewichten, die man in Comicbuchverfilmungen heutzutage sieht, ist seine Präsenz extrem physisch. Es gibt keine Superkräfte, keine Tricks und keine ausgeklügelten Waffen. Sein durchtrainierter Körper und sein eiserner Wille sind seine Waffen, wie ein Vorschlaghammer bewegt er sich durch die Massen. Seine großen Kämpfe mit Batman gehören zu den wahren Höhepunkten des Films, die Nolan entgegen dem modernen Trend in Actionfilmen nur mit sparsamen Schnitten in die Szene gesetzt hat. Man sieht alles klar und deutlich, spürt die Wucht hinter jedem Schlag und glaubt wirklich, dass Bane Batman körperlich einfach überlegen ist.
Das schauspielerische Highlight des Films (was bei einem Ensemble mit vier Oscarpreisträgern eine große Leistung ist) ist aber Anne Hathaway. So wie Ledger schon Nicholsons Darstellung vom Joker vergessen ließ, so macht Hathaway die Figur von Selina Kyle, die bereits in Batman Returns beeindruckend von Michelle Pfeiffer dargeboten wurde, zu eigen. Hathaway ist zu gleichen Teilen tough, gewieft, verletzlich, zwielichtig und sexy – alle Eigenschaften, die sie zu einer grandiosen Frauenfigur in der von Männern dominierten Filmreihe macht. Alle Zweifel, die es bei ihrem Casting noch gab, sollten nach dem Film vorbei sein. Aber auch Marion Cotillard beweist gut, dass Nolan sie nicht bloß aus Freundschaft nach Inception übernommen hat.
Und doch bleibt ein Beigeschmack leichter Enttäuschung. Vielleicht ist es einfach das Pech von Rises, der Nachfolger eines auf so vielen Ebenen großartigen Films wie The Dark Knight zu sein. Jetzt, da die Trilogie abgeschlossen ist, wirken der erste und der dritte Film als sehr zusammenhängend, während The Dark Knight für sich fast eigenständig erscheint. Mit der 164-minütigen Laufzeit sind Nolans Ambitionen ein Epos zum Abschluss abzuliefern sehr klar und doch scheitert er am einen oder anderen Detail. In der Mitte erstickt der Film fast unter seinem eigenen Gewicht aus Charakteren und Handlungssträngen und so spektakulär das Finale auch es, es erinnert in vielerlei Hinsicht an den ersten Film, was für eine Art Déjà-Vu sorgt. Ebenfalls sind hier mehr Logiklöcher anzuprangern als im letzten Film. Vielleicht war der letzte ja auch einfach zu atemberaubend, um nach welchen Ausschau zu halten. Hier nimmt der Film nach einem explosiven Anfang irgendwann ein gemächliches Tempo an bis zum Finale dann wieder aufs Gaspedal getreten wird. Nolan kann zwar mit diversen Überraschungen und Plotwendungen zwischendurch aufwarten, doch sind diese hier nicht länger unvorhersehbar, wenn man Nolans Filme kennt, ein Comic-Kenner ist oder einfach viel Zeit auf Filmwebsites verbringt. Auch einige übliche Actiongenre Klischee finden plötzlich wieder Einzug wie ein stürmischer Kuss in einer brenzligen Countdown-Situation oder Bösewichte, die erst eine Rede halten, bevor sie zur Tat schreiten. Auch Nolan ist wohl von den Konventionen nicht völlig frei. Insgesamt wirkt der Film einfach nicht so konsequent in sich abgeschlossen wie The Dark Knight, wo jedes irgendwann vorgestellte Element sich zum Ende auszahlt und jeder einzelne Charakter als Teil von Nolans Uhrwerk perfekt funktioniert. Dafür ist der Fokus von Rises viel zu breit, zu Ambitionen viel zu groß und die Erwartungen schließlich viel zu hoch.
Nichtsdestotrotz hat Nolan hier ein sehr würdiges Ende abgeliefert und ist dem Fluch des dritten Teils einer Comic-Verfilmungen Serie entgangen, der auch schon X-Men, Blade und Spider-Man befiel. Nach einigen Längen und unnötigen Plotfügungen in der Mitte, wird uns ein bombastisches und emotional beladenes Finale serviert, das in seinem Ausmaß locker den dritten Akt der ersten beiden Batman Filme toppt. Zu einem Zeitpunkt sagt ein älterer Polizist zu seinem jungen Partner „Boy, you’re in for a show tonight, son“ und genauso ergeht es auch dem Publikum, wenn Batman mit Gothams tapferen Männern und Frauen einen Großangriff gegen Banes Schergen startet. Es ist ein Spektakel, das dieses Jahr seinesgleichen suchen wird und das die CGI-versetzte Zerstörungsorgie vom Avengers Finale in den Schatten stellt. Auch wenn es in der ersten Hälfte des Films erscheint, als wäre Nolan gar nicht interessiert daran, einen Comicbuchfilm zu machen und Batman nur aus Notwendigkeit nutzt, um seine Geschichte zu erzählen (der Gedanke kommt – „Es ist ein Batman-Film ohne Batman“), wird man später mit einer Fülle von Comiczitaten belohnt, die jedem Fan ein Lächeln auf das Gesicht zaubern dürften. Es ist ein würdiger und respektvoller Abschluss, der viele Türen schließt, aber dabei auch die eine oder andere offen lässt. Eins muss man Nolan nämlich lassen. Sei es der Kreisel in Inception, die Jokerkarte in Batman Begins, Batmans Batpod Flucht in The Dark Knight oder die Enthüllung in Memento – kaum ein Regisseur weiß es seine Filme mit solch interessanten Momenten abzuschließen, die den Zuschauer begeistern und sich nach noch mehr davon sehnen lassen. Doch Nolan fand genau den richtigen Moment, um auszusteigen und seine Batman-Reihe wird als Testament des modernen Filmemachens und der Popkultur die Jahrzehnte überstehen. Wer auch immer mit dem unausweichlichen Neustart der Serie beauftragt werden wird, ist um den Job sicherlich nicht zu beneiden.
Der Film befindet sich in einem Zwiespalt zwischen einer überdeutlichen umweltbewussten Moralpredigt einerseits und dem Versuch mit möglichst vielen bunten Bildern und süßen Tierchen an die Kleinsten im Publikum zu appellieren andererseits. Dass ein Kinderfilm ernsthafte Themen anschneidet und die Erziehung fördert, ist ja durchaus lobenswert. Hat WALL-E doch erst vor vier Jahren blendend vorgemacht, wie man eine solche Botschaft künstlerisch sehr gelungen verpacken kann und dennoch auf jeder Ebene große Unterhaltung abliefern kann. Leider ist Chris Renaud von Der Lorax, der erst vor zwei Jahren mit Ich, einfach unverbesserlich (OT: Despicable Me) einen witzigen und herrlich anarchistischen Film erschaffen hat, weit weniger ambitioniert als die Pixar-Schmiede. Hier begnügt man sich bei der Übermittlung der Botschaften mittels der einfachen Holzhammer-Methode – „passe auf die Umwelt auf, solange es nicht zu spät ist und bleibe deinen Freunden treu“. Diese Moral könnte nicht offensichtlicher zum Ausdruck gebracht werden als wenn jemand das genau so im Film ausgesprochen hätte.
Doch gut, schließlich ist eine solche Moral vielleicht besser als gar keine. Doch dann stellt man sich eine andere Frage. Wenn es den Machern scheinbar viel daran liegt, den Kindern die Relevanz des Naturschutzes nahezulegen, wie kommt es dann, dass alle in dem Film gezeigten Bäume so aussehen als würden sie Willy Wonkas Schokoladenfabrik entstammen? Grün ist scheinbar die letzte Farbe, die die Baumkronen der Truffula-Bäume in Dr Seuss‘ Vorlage besitzen. Stattdessen sehen die abwechselnd gelben, orangenen oder roten Bäume mehr nach Zuckerwatte am Stiel aus. Die Zuckerwatten- und Bonbon-Ästhetik zieht sich durch den gesamten Film hindurch, sodass man alleine vom Zuschauen fast einen Zuckerschock erleidet. Damit wäre man wohl wieder bei der Vorlage. Dr. Seuss‘ Buch wurde 1972 publiziert und die Thematik war auch damals schon relevant. Doch das Thema des Naturschutzes ist vierzig Jahre später wichtiger denn je. Aber wie viel nimmt jemand mit nach dem Film, der einem keinen einzigen echt aussehenden Baum zeigt, um deren Rettung man schließlich bangen soll? Für die Älteren unter den Zuschauern wird die Moral des Films viel zu offensichtlich und aufgedrängt sein, die jüngeren Zuschauer werden stattdessen zu sehr von den bunten Bildchen und ständig schneller und überdrehter Action (wirklich, der Film besitzt fast keine ruhigen Momente) abgelenkt sein. Mag die „Schuld“ einerseits bei der Vorlage liegen, so haben die Filmemacher es sicherlich nicht einfacher für die eigentlich gute Message des Films gemacht.
Da hat sich David Wozniak (Patrick Huard) aber ein passendes Pseudonym für seine hochfrequenten Samenbankbesuche ausgesucht: Starbuck bezeichnet nicht etwa den Singular eines US-Kaffeehauses, sondern war der Name des ältesten Bullen, der je in einem Besamungszentrum gehalten wurde. Dieser brachte weltweit mehr als 200.000 weibliche Nachkommen hervor. So zumindest informiert mich das Presseheft zum gleichnamigen Film von Ken Scott. In der kanadischen Produktion hat es der 42-jährige Metzger David nicht ganz so weit gebracht. Aber er ist ja auch kein Zuchttier. Für einen Mann sind 533 Kinder vermutlich schon eine ganz stattliche Zahl, selbst wenn diese eben nicht aus einem natürlichen Sexakt hervorgegangen sind. Blöd ist nur, dass David, der nicht gerade die Selbstständigkeit in Person ist und aktuell zusätzlich Probleme mit einigen Drogengangstern hat, aus heiterem Himmel erfahren muss, dass nun auch 142 dieser Töchter und Söhne ihren biologischen Vater kennenlernen möchten. „Yo no soy David Wozniak“ hilft da dann auch nicht mehr weiter. Wie würde wohl seine schwangere Freundin Valérie (Julie LeBreton) darauf reagieren, wenn sie erfahren müsste, dass ihr Loser-Freund außerdem noch der leibhaftige Sperminator ist? Die Sache muss geheim bleiben, koste es was es wolle. Während sein befreundeter Anwalt (Antoine Bertrand) schon alle Hebel in Bewegung setzt, um seinen Kopf noch einmal aus der öffentlichen Schusslinie zu ziehen, wird David neugierig, was sein Samen wohl so alles geschaffen hat. Mehr noch – er fühlt, dass sich ihm hier einmal die echte Möglichkeit bietet, Verantwortung zu übernehmen und etwas Gutes zu tun. Also macht er sich auf, seine unerwarteten Kinder unter die Lupe zu nehmen – tätsächlich haben einige von diesen eine Vaterfigur bitter nötig …
„Starbuck“ bietet mit seiner haarsträubenden Idee eigentlich die perfekte Grundlage für eine Zwerchfell-erschütternde Komödie. Leider scheint Regisseur Scott gar nicht so sehr der Sinn danach gestanden zu haben, sein Publikum ernsthaft zum Lachen zu bringen, sondern eher danach, den menschlichen Hintergrund der Geschichte zu beleuchten. Kurz ausgedrückt: Nach einem amüsanten Start menschelt uns der Film von allen Seiten zu, als ob es kein Morgen gäbe. David Wozniak, der edle Gutmensch, ist plötzlich überall, um seinen Kids in allen Lebenslagen beizustehen. In der Musikwelt wird für jeden neuen, nervtötenden Trend eine eigene Sparte bemüht. Wenn man das nun auch mit „Starbuck“ versuchen würde, wäre Menschelcore die treffende Bezeichnung. Ja, wir Menschen müssen einfach eng zusammenrücken, stammen wir doch alle aus derselben Quelle ab…wirklich?! Soll das möglicherweise die unangenehm-penetrante Botschaft der Geschichte sein? Gibt es hier überhaupt noch mehr zu entdecken, abgesehen von all dieser…Menschlichkeit? Nicht, dass das jetzt ein Leser falsch versteht: Ich habe prinzipiell natürlich nichts gegen Filme mit einer positiven Message. Wer liebt es schließlich nicht, aus einem Kinobesuch zusätzlich noch eine frische Inspiration mitnehmen zu können? Nur so etwas geht auch ohne Holzhammer. Dafür braucht es nicht die 142 Kinder eines liebenswert-tölpeligen Samenspenders, die laute Versammlungen abhalten, um endlich ihrem Erzeuger gegenübertreten zu können. Irgendwo geht mir auch nicht auf, wo nun überhaupt der Knackpunkt der Story liegen soll. Samenspende ist kein Verbrechen, im Gegenteil. Es gibt nun einmal Eltern, für die diese Methode die einzige Möglichkeit darstellt, den Kinderwunsch zu verwirklichen. Oder ist es vielleicht moralisch verwerflich, in einer Kabine in einen Plastikbecher zu ejakulieren? Wo ist hier das große Problem, wenn schon der Witz fehlt?
Was außerdem verärgert ist die Feststellung, dass es sich bei der großen Ankündigung der 142 Kinder, die mit David in Kontakt treten wollen, mehr oder weniger um eine Mogelpackung handelt. Nicht, dass es nicht so viele Personen sind, die hier nach ihrem Papa schreien – allerdings beschränkt sich der Regisseur darauf, nur eine Miniauswahl von diesen direkt zu zeigen, der Rest bleibt eine anonyme Masse. David Wozniak, stolzer Vater von 20 künstlich erzeugten Kindern. Langweilig, oder? Nun ist es nicht so, dass Ken Scott nicht bereits mit der Einführung dieser Anzahl überfordert wäre. Wir bekommen den Fußballstar, den schauspielernden Kellner (oder andersrum?), die heroinsüchtige Tochter, den geistig behinderten Sohn, den schwulen Bademeister und den aufdringlichen Emo-Punk. Oh ja, den aufdringlichen Emo-Punk! Selbst die meisten dieser Figuren werden nur episodenhaft angerissen; dem Regisseur sei’s gedankt, würde „Starbuck“ doch sonst bestimmt drei Stunden oder länger unsere wertvolle Zeit in Anspruch nehmen. Allerdings wird so auch wieder gar nicht deutlich, was wir mit diesen ganzen Individuen überhaupt anfangen sollen. Schon klar, David kümmert sich um sie und wir sollten sie auch lieb haben, wie die kleinen Stoff-Wauzis – wo wir wieder beim gnadenlosen Rummenscheln wären. Man kann es also vermutlich drehen und wenden wie man will: Entweder die Geschichte trifft einen mitten ins Herz oder sie schießt ins Hirn und führt dort zu einigen ernsthaften Ausfällen.
