Quelle: JoBlo
Kam der erste Trailer von The Conjuring mit sehr wenig Effekten aus und verzichtete sogar darauf seine beiden Hauptdarsteller zu zeigen, so wird dies umso mehr in der neuen Vorschau nachgeholt. Der neuste Trailer ist dadurch allerdings nicht minder effektiv und birgt den einen oder anderen tollen Schreckensmoment. Nach Insidious habe ich volles Vertrauen in James Wan, der damit bewiesen hat, dass er nicht einfach einen Glückstreffer mit Saw landete (auch Death Sentence und Dead Silence fand ich aber solide). Manch einer wird sich vielleicht über die vielen genretypischen "Jump-Scares" im neuen Trailer beschweren, doch Wan kann diese in der Regel sehr gekonnt inszenieren und in den Film platzieren. Also vertraue ich ihm wieder. Mit Patrick Wlson (Insidious) und Vera Farmiga (Orphan) hat er auch zwei genreerfahrene Stars an Bord.
Letztlich sieht The Conjuring nach einer modernen Verson von Poltergeist aus, und das meine ich so positiv wie es nur geht.
https://youtu.be/fYOnqebX98Q
Inhalt:
"Das Ehepaar Roger und Carolyn Perron (Ron Livingston und Lili Taylor) haben sich nach einigen Vorkomnissen vorgenommen, ihr Haus auf paranormale Phänomene untersuchen zu lassen. Dazu holen sie sich Hilfe bei den Eheleuten Ed (Patrick Wilson) und Lorraine Warren (Vera Farmiga), welche international bekannte Psi-Wissenschaftler und Dämonologen sind. Bei ihren Ermittlungen merken sie schnell, dass dies der schwierigste Fall ihrer Karriere ist, der alle Beteiligten an ihre Grenzen bringt."
The Conjuring sucht ab dem 15.08.2013 die deutschen Kinos heim.
Die Handlung des Filmes spielt ungefähr 1929 bis 1930. Die sich anbahnende Wirtschaftskrise liegt wie ein nahender Schatten über der Welt, und die politische Situation verschärft sich ebenfalls, wie Porco bei seiner Rückkehr nach Italien feststellen muss. Der kindliche Zeichenstil sollte keinesfalls darüber hinwegtäuschen, dass „Porco Rosso“, anders als die meisten anderen Filme von Miyazaki, für Erwachsene besser zu verstehen ist als für Kinder. Nicht nur durch die Verweise auf weltgeschichtliches Geschehen, sondern auch auf andere Filme und Bücher. Ginas kleines Hotel, vollkommen abgeschieden von den Irrungen der restlichen Welt, erinnert ein wenig an „Ricks Café“ aus „Casablanca“. Und wenn Porco einem ehemaligen Gefährten, der ihm anbietet, wieder für die italienische Luftwaffe zu fliegen, erwidert, er wäre „lieber Schwein als Faschist“, sind die Parallelen zu George Orwell offensichtlich.
Aber, Miyazaki wäre nicht Miyazaki, wenn er seinem Film nicht trotz alledem einen luftig-leichten Anstrich verpassen würde. Das schier endlose Blau der Adria sowie des darüber liegenden Himmels und der spröde Charme der alten Flugzeuge, die jenen beherrschen, sind wie immer malerisch in Szene gesetzt. Genauso sind die Kunststücke, die die tollkühnen Luftakrobaten absolvieren, flüssig animiert. Und dass die Musik von Stammkomponist Joe Hisaishi wieder wunderbar ist, versteht sich da fast von selbst. Sogar Humor findet in dieser Geschichte seinen Platz, zumeist in Form von fast schon cartoonhaftigen Slapstick-Einlagen der Luftpiraten. Dies ist allerdings eines der Elemente, die dem ansonsten sehr guten Film eher schaden. Zu krass ist der Bruch mit dem restlichen Ton, gerade die finale Konfrontation zwischen Porco und Curtis verliert dadurch viel von ihrer Dramatik. Zudem kann das Drehbuch nicht ganz überzeugen. Die Figur der Fio ist an sich eine schöne Idee, stellt sie den hauptsächlich männlichen Figuren der Handlung doch eine souveräne, zielstrebige und selbstständige Frau gegenüber. Leider bekommt sie vom Drehbuch wenig Hintergrund und wird nach ihrer Einführung doch wieder nur zum Zuschauen verdonnert. Das ist sehr schade, denn dadurch wirkt die Geschichte unausgegoren und inhomogen. Es gibt zahllose wunderbare Einzelszenen – Porcos Luftballett für Gina oder seine Erinnerung an den Krieg, um nur zwei zu nennen – aber ein stringenter Plot, der vom Drehbuch deutlich angedacht wird, will sich nicht einstellen. Am Ende kommt alles irgendwie ins Lot. Warum und wie genau, diese Antworten bleibt der Film dem Zuschauer leider schuldig.
Was Regisseur Juan Carlos Medina hier inszeniert hat, geht sowohl den Protagonisten, als auch dem Zuschauer unter die Haut. Geschickt verbindet er zwei verschiedene Erzählstränge, die erst gegen Ende des Films komplett zueinander finden. Den Hauptteil bildet die Geschichte um die Kinder mit der besagten, außergewöhnlichen Fähigkeit. Zu Beginn wird bereits klar, dass diese gar nicht so genau um ihre Besonderheit wissen. Als eines der Mädchen ein anderes dazu anstiftet, sich doch auch in Brand zu stecken, da das ja überhaupt nicht schmerzhaft sei, bekommt der Zuschauer aus dem Off nur noch die erschütternden Schreie des ungewollten Opfers mit. Bevor die Kinder endgültig verbannt werden, wird noch eine Schattenseite ihrer passiven Fähigkeit diagnostiziert: Sie sind nicht in der Lage, körpereigene Tränenflüssigkeit zu produzieren, was in einigen Fällen zur Blindheit führt. Warum diese Kinder so geboren wurden, wird im Film nicht geklärt. Das mag auf der einen Seite zwar schade sein, auf der anderen Seite ist es aber kein wahres Manko und man kann den Film auch ohne eine detaillierte Aufklärung bestaunen.
Die zweite Geschichte, die die emotionale Reise des Arztes David Martel umfasst, versteht nicht gänzlich zu involvieren: Es fällt schwer, Zugang zu dieser Person zu bekommen und richtig mit ihr zu leiden. Erst als seine Eltern ins Spiel gebracht werden, versteht man einigermaßen, warum David kein Mann großer Worte ist – diese Charaktereigenschaft hat er sich wohl von seinem Vater abgeschaut. Die Eltern beichten ihrem Sohn, dass er nicht das leibliche Kind der beiden ist, und setzen damit den Startpunkt für Davids eigentliche Odyssee. Während er einigen mageren Hinweisen folgt, die er von seiner Mutter auf den Weg bekommt, wird dem Zuschauer langsam klar, wie diese beiden Geschichten eigentlich zusammenhängen: Davids Adoptivvater war zur Zeit seiner Geburt in genau der Anstalt tätig, in der damals die Kinder festgehalten wurden. Der Protagonist sucht nun die Puzzleteile, die ihn zur Identität seines wahren Vaters führen, und der Zuschauer erfährt nach und nach, was mit Benigno und den anderen Kindern geschehen ist. Die große Frage, deren Antwort leider relativ schnell auf der Hand liegt, ist: Wer ist eigentlich Davids Vater? Diese Frage ist allerdings auch doppeldeutig zu verstehen, da neben der Identität des leiblichen Vaters auch für David nicht klar ist, was genau sein Adoptivvater in der Anstalt gemacht hat, und warum dieser darüber in keinster Weise reden möchte.
Die Vernetzung der beiden Handlungsstränge ist zwar nicht wirklich innovativ ausgefallen, aber sie ist durchaus fesselnd inszeniert und lässt den Zuschauer so mitfiebern. Der Film kommt ohne große Effekthaschereien aus, es ist vielmehr den tollen Darstellerleistungen zu verdanken, dass die Emotionen direkt auf das Publikum überspringen. Besonders die verschiedenen Schauspieler, die Benigno in den drei Stadien seines Lebens verkörpern (Kind: Ilias Stothart, junger Mann: Tómas Lemarquis, Greis: Mot Harris Dunlop Stothart), schaffen es, ihn so darzustellen, dass er im Gesamtbild wie „aus einem Guss“ erscheint. Das Finale, in dem die Hauptfiguren beider Handlungen endlich aufeinander treffen, ist stark umgesetzt: Wortlos kommt es aus, und obwohl viel Feuer im Spiel ist, hat man weise darauf verzichtet, die Aktionen in einem wuchtigen Soundtrack zu ertränken oder durch rasante Schnitte zu zerstückeln. Die Auflösung ist zwar letztlich zufriedenstellend, lässt aber auch viele Fragen in der Geschichte Beningos offen. Wenn man nicht auf jede dieser Fragen verbissen eine Antwort haben möchte, ist der Film ein wahres Highlight und verdient zu Recht die Genre-Einteilung Mystery.
