Quelle: CBS
Der US-Sender CBS hat das Startdatum für die neue Serie "Bad Teacher" festgelegt. Am 22.04.2014 geht es los. Basierend auf dem gleichnamigen Hitfilm von 2011, handelt die Comedy-Serie von Meredith Davis, einer gutaussehenden und unverfrorenen ehemaligen Trophäenfrau, die von ihrem reichen Ehemann verlassen wird. Völlig pleite nimmt sie den Job einer Lehrerin an und sucht fleißig nach einem neuen Big Spender. Das Unterrichten ihrer Schüler steht dabei eindeutig nicht im Vordergrund.
Der Rising Star Ari Graynor übernimmt in der Serie die Hauptrolle, die im Film brillant von Cameron Diaz gespielt wurde (sie war übrigens auch der beste Aspekt des ansonsten eher enttäuschenden Streifens). Für Graynor ist die Rolle die Chance auf einen großen Durchbruch. An ihrer Seite werden in der Serie, die übrigens aus der Feder von Gene Stupnitsky und Lee Eisenberg stammt, der beiden Autoren der Filmvorlage, u. a. Kristin Davis, Sara Gilbert, Ryan Hansen und David Alan Grier zu sehen sein. Passend zur Ankündigung des Serienstarts haben wir auch die ersten drei Bilder zur Serie, die Graynor in der Rolle zeigen. Optisch passt sie immerhin zum Part.
Interessant ist übrigens, dass trotz der kommenden Serie, zugleich auch eine direkte Fortsetzung zu Bad Teacher geplant ist, in der Cameron Diaz wieder in der Hauptrolle zurückkehren soll.
Wenn ein abgehalfterter Bauernfänger fragile Konstrukte aus Naturmaterialien schafft und ihm ein Tross unbeirrter Anhänger nachreisen als wäre er die Reinkarnation von The Grateful Dead… Wenn eine Mutter in einem Zweigbauwerk den zahmen Falken ihres Sohnes einfangen will, dabei einen kranken Jungen berührt und der gesundet… Wenn ein Anhänger des Hokuspokus findet, der Falke habe alles verdorben, ihn deshalb abschießt und der Sohn später ein namhafter Falkner wird und Mama eine Geistheilerin… Dann sind das alles Wunder! Wunderbare Wundertaten vollbracht in wunderschönen Wunderwerken von wundergläubigen Wunderdoktoren im wunderschönen Wunderland. Wer jetzt denkt „Schon gut, es geht um Wunder, man muss es ja nicht x-mal sagen.“, wappnet sich besser vorab für den Overkill an Wunderwerk in Llosas Film. Dieser ist alles andere als ein solches, mag die elegische Kameraführung auch vortäuschen, er wäre ein ernsthaftes Beziehungsporträt. Goldenes Winterlicht umschmeichelt die Figuren mit Gloriolen und bringt Herzenswärme an den „kältesten Ort der Welt“ in Kanada. In der Schneelandschaft versorgt die alleinstehende Nana Ephron (Jennifer Connelly) im Haus ihres mürrischen Vaters Ike (Peter McRobbie) ihre Söhne Ivan (Zen McGrath) und dessen jüngeren Bruder Gully (Winta McGrath), der an einem inoperablen Hirntumor leidet.
Statt den Tod als naturgegeben zu akzeptieren und die verbleibende Zeit mit den Kindern zu nutzen, heftet sich Nana an den Wunderheiler Newman (William Shimell). Die Verzweiflung, die Menschen dazu treibt, in New-Age-Gurus und abstrusen Heilsversprechungen Zuflucht zu suchen, obwohl sie wie Nana eigentlich nicht daran glauben, interessiert vor der prätentiösen Esoterik-Emblematik nicht. Stattdessen verklärt die Filmemacherin Nanas Verlustangst zur spirituellen Prüfung, aus der sie als Gebenedeite hervorgeht. „Rise and shine“. So sagt sie es dem 10-Jährigen Ivan, der sich treffend als „Kollateralschaden“ ihrer Neuerfindung als Heilige bezeichnet. Die Schuld an Gullys verfrühtem Tod bei einem Unfall, der durch Nanas Nachlässigkeit entsteht, gibt sie Ivan, den sie wie zur Strafe bei seinem Großvater zurücklässt. Wichtiger als ihr Sohn ist ihre neue Karriere Wunderheilerin. Um die Jahrzehnte später in ihrem Metier zur Berühmtheit aufgestiegene Nana zu finden, sucht die junge Journalistin Ressmore (Melanie Laurent) den unglücklich liierten Ivan (Cillian Murphy) auf und zieht mit ihm auf einen romantischen Versöhnungstrip.
„Das hier beginnt mich zu amüsieren.“, sagt Stellan Skarsgård als Seligman, der die Titelfigur Joe (Charlotte Gainsboug) zusammengeschlagen und heruntergekommen in einer Gasse findet. Da ist man mittendrin in der epischen Bums-Biografie einer Sexsüchtigen, die sich selbst gegen diese Bezeichnung wehrt. Mit anderen Labeln hat die Hauptfigur von Lars von Triers melodramatischer Orgasmus-Odyssee keine Probleme: „Ich bin einfach ein schlechter Mensch.“, sagt sie Seligman, der ihr beharrlich widerspricht. Das Leutselige liegt dem asexuellen Gegenüber der hypersexuellen Joe quasi im Namen. Der verrät, dass der Regisseur und Drehbuchautor einmal mehr seiner Faszination für die Heilige Hure und weibliche Widerspruchswesen aus geschundener Leiderin und lasziver Versucherin erliegt. In „Breaking the Waves“ war es Gott, der die gefallene Protagonistin am Ende ihrer sexualisierten Selbstkasteiung aufrichtete, in „Dancer in the Dark“ waren es sentimental-verklärte Musical-Fantasien, die den Opfergang der Protagonistin überhöhten. In „Nymphomaniac“ ist es nun ein als solcher implizierter seliger Mann, der die Gefallene aufnimmt, nachdem sie augenscheinlich ganz unten angekommen ist, und ihrer Lebensbeichte lauscht.
Die ist unterteilt in zwei rund zweistündige Filmteile, die durch Kapitel, versehen mit bisweilen kuriosen Titeln wie „The Complete Angler“ strukturiert sind. Eine moderne Scheherazade soll Joe sein, die ihren Zuhörer und vor allem ihre Zuschauer mit ihren Erzählungen auf subtile Weise verführt. Die Tausendundeine Nächte der Joe (jung: Stacy Martin). Dabei entgeht von Trier ein entscheidendes Detail. Scheherazade erzählt jede Nacht eine andere Geschichte und alle Geschichten sind so wundersam, poetisch und spannend, dass sie das Zuhören eine Lust machen. Joe erzählt immer die gleiche Geschichte und jede ihrer Wiederholungen ist so vorhersehbar, trivial und langweilig, dass sie das Zusehen zur Plackerei machen. Tatsächlich ist Joe in jeder Beziehung der vollkommene Anti-Typ der literarischen Heldin. Die Literaturgestalt ist klug, während die Filmgestalt trotz daher referierter Fachkenntnisse armgeistig wirkt, frei nach Forrest Gumps Feststellung: „Dumm ist der, der Dummes tut.“ Das gilt auch für eine sie, die mit einer Freundin mit der Chiffre B (Sophie Kennedy Clark) in einem Zug einen Wettbewerb im Fahrgäste-Ficken abhält (von Triers Version eines sex train) oder sich in einem Restaurant ein Arsenal an Löffeln in die falsche Körperöffnung schiebt (nach der Szene scheint es total normal wie Jack Nicholson in „Besser geht’s nicht“ immer überall eigenes Besteck mitzubringen).
Selbst Kellner Udo Kier, der in seiner Karriere einige Sex-Spleens erlebt hat, guckt verdutzt, vielleicht auch deshalb, weil er sonst nicht viel vor der Kamera zu tun bekommt. Sein Schicksal teilt Uma Thurman, die sich in einem aberwitzigen Auftritt als betrogene Gattin austobt. Spekulationen, dass prominente Cast-Mitglieder wie Shia LaBeouf, Willem Dafoe und Jamie Bell sich beim Dreh etwaige Blöße geben, wurden vorab unterminiert. Für explizite Szenen wurden Bodydoubles eingesetzt – während die Akteure parallel versicherten, dass die sexuellen Inhalte für sie kein Problem darstellten. „Nymphomaniac“ trieft nur so von dieser Ambivalenz. Das monotone Melodrama ist nicht auf sexueller oder moralischer Ebene hemmungslos, sondern allein auf kommerzieller. Vom Titel über den Schriftzug mit dem eindeutigen () über die implizite Posterkampagne über geschickt gestreute Vorabmeldungen über die Teaser und Trailer bis zur portionierten Verwertung des Stoffs in zwei Teilen ist von Triers jüngstes Projekt ein Meisterwerk: des Marketing. Es bündelt den Witz, die Provokation und Suggestivität, die man schmerzlich vermisst, wenn Joe und Seligman über Fliegenfischen, die Fibonacci-Folge und Bach fabulieren.
Die Jahreszahl, die Demange über sein verstörendes Debüt stellt, scheint eine schmerzvolle Mahnung daran, dass das Gezeigte nur ein Vorspiel der bestürzenden Ereignisse ist, die rund 500 Zivilisten im Folgejahr das Leben kosteten. Wenn der Irrweg des Rekruten Gary Hook (Jack O’Connell) durch eine von Schüssen und Explosionen zerrissene Finsternis dem Abstieg in ein danteskes Inferno gleichkommt, dann betritt der verwirrte Protagonist nie den letzten Kreis der Hölle. Was dort an Hass, Fanatismus und Brutalität lauern mag, lässt die unscharfe Kollage aus beklemmend dichten Kameraeinstellungen mit ihren schonungslos hässlichen Bildern erahnen. Alles Schöne scheint ausgemerzt in der nasskalten Krisenregion, in die Hook mit den anderen unerfahrenen Soldaten versetzt wird. Ihr Ziel ist nicht Deutschland, sondern, wie ihr Vorgesetzter sagt, „euer eigenes Land“ – das ist es jedenfalls aus Sicht der britischen Armee. Letzte schickt im Handlungsjahr Verstärkung nach Belfast, wo die nationalen Unruhen angestachelt durch die Politik des Internment außer Kontrolle zu geraten drohen. Selbst die malerische irische Landschaft zeigt sich trist durch das Fenster des klapperigen Busses, der die Soldaten ins Herz des Bürgerkriegs bringt.
Der Abschied von seinem kleinen Bruder Darren (Harry Verity) unterstreicht nur noch mehr und wie später die reziproke Endszene eine Spur zu penetrant, was längst offensichtlich ist. Hook ist ungeachtet des harten Militärtrainings, das von der ersten Minute an die Handlung determinierende Thema der Brutalisierung und ideologischen Konditionierung etabliert, psychisch ein halber Junge. Das gleiche gilt für seine Kameraden und bis hin zu ihrem Lieutenant Armitage (Sam Reid), der keine Vorstellung davon hat, welch diffiziles Schlachtfeld seine Männer erwartet. Auf der Stadtkarte sind die knapp als Freund und Feind markierten Gebiete von klaren Grenzen strukturiert. Ein Spielzeugland, in dem es nur aufgebrachte Zivilisten zu beruhigen gilt, suggeriert die Einführung, die den Rekruten ebenso gilt wie den Zuschauern. Für beide kommt die Realität gleichermaßen als Schock. Über die ersten Attacken wütender Kinder lächelt Hook noch. Doch nach den Stinkbomben fliegen Straßensteine. Die brutalen Ausschreitungen der nordirischen Polizeibrigade RUC initiieren den kaltblütigen Gewaltakt, der zum Startschuss für die animalische Flucht durch das Labyrinth aus Hinterhöfen, Häuserfluchten und Gassen mit ausgebrannten Fahrzeugen und demolierten Fassaden wird.
Nein, bei „Paranormal Activity – Die Gezeichneten“ handelt es sich nicht um eine Fortsetzung der in den letzten Jahren immer bekannter gewordenen Horrorfilm-Reihe. Diese Annahme muss zu Beginn einer Filmbesprechung sofort aus den Gedanken vertrieben werden. „Paranormal Activity“ ist eine der wenigen, sehr wenigen Filmreihen, die es auf Grund ihrer Popularität tatsächlich zu speziellen Ablegern gebracht hat. Bereits vor „Paranormal Activity: Die Gezeichneten“ gab es den japanischen Ableger „Paranormal Activity: Tokyo Night“, welcher, wie der Name schon vermuten lässt, ursprünglich für das japanische Publikum gedreht wurde und sich nur lose an die originalen Geschehnisse heftet. „Paranormal Activity: Die Gezeichneten“ hingegen stellt den „Latino-Ableger“ der Reihe dar und spielt in einer hispanischen Umgebung in den USA. Regisseur Christopher Landon („Burning Palms“), der bereits für die vorherigen Fortsetzungen die Drehbücher schrieb, möchte nun beweisen, dass er auch die Inszenierung eines solchen „speziellen“ Films im Griff hat. Doch ist ihm dies gelungen?
Das Erste, was bei der Filmsichtung auffällt, ist, dass bis auf eine Ausnahme fast komplett auf den Überwachungsstil der letzten Filme verzichtet wurde und man viel mehr in Richtung Handkamera tendiert. Dies ist auf der einen Seite eine angenehme Abwechslung innerhalb der Filmreihe sowie auf der anderen Seite ein Garant für viele andersartige Schreckensmomente als in den Vorgängern. Ja, „Die Gezeichneten“ bietet deutlich mehr Schreckszenen als der direkte Vorgänger und zusätzlich auch ein ausgeprägteres Finale. Der Gewaltanteil ist deutlich höher und auch die visuelle Action kommt nicht zu kurz. Was bei „Die Gezeichneten“ besonders auffällt, ist der starke Eingriff in die Haupthandlung der „Paranormal Activity“-Reihe. Hat man zu Beginn (mit Blick zurück auf den japanischen Ableger der Reihe) das Gefühl, dass hier sicher nicht besonders auf die Hauptgeschichte um Katie und Micah eingegangen werden wird, belehrt einen der Film spätestens ab der Hälfte der Laufzeit eines Besseren. Alte Bekannte tauchen wieder auf und vor allem gegen Ende wird an mehreren Stellen ganz gnadenlos auf die ersten drei Teile der Reihe eingegangen. Hier ist ein Wissen um jene Filme unbedingt Voraussetzung, um alle Anspielungen zu verstehen. Diese Rückgriffe gestalten sich auch als das Spannendste des Films.
