Auf den ersten Blick sieht Joe Wrights Adaption des Tolstoi Klassikers Anna Karenina wie ein weiteres prestigeträchtiges Kostümdrama mit Keira Knightley. Was an sich ja auch nichts Schlechtes bedeuten soll, schließlich haben die letzten beiden Kostümfilme, die Wright mit Knightley gemacht hat – Stolz und Vorurteil und Abbitte – insgesamt zwölf Oscarnominierungen erhalten und waren durchweg überzeugende und wunderschön inszenierte Filme. Doch könnte man Wright auch unterstellen auf eine sichere Nummer zu setzen und so einen erneuten Anlauf auf die Oscars zu wagen.
Doch während die Oscarambitionen nicht zu leugnen sind, hat sich Wright trotzdem für die Inszenierung einen neuen Ansatz einfallen lassen, der das Projekt aus künstlerischer Sicht deutlich interessanter macht. Wright drehte fast den gesamten Film auf einer einzigen Bühne in den Shepperton Studios in London. Nach Wrights Aussage führte der russische Adel sein Leben wie auf einer Theaterbühne und diesem Motto folgt dann auch der Film. Auf Außenaufnahmen wurde angeblich fast komplett verzichtet. Wie das Ganze am Ende aussehen würde, war zunächst schwer vorzustellen – bis dieser erste Trailer zum Film eingetroffen ist. Das restriktive Setting ist relativ schnell anzumerken, aber diese Künstlichkeit macht den Film nur interessanter. Lieber ein ambitionierter Versuch, sich vom Rest der ähnlichen Film abzusetzen, n halbgares Kostümdrama à la Bel Ami.
In Deutschland startet Anna Karenina am 25.10.2012.
https://youtu.be/rPGLRO3fZnQ
Inhalt:
"Die schöne und kluge Anna Karenina (Keira Knightley) hat alles, was ein Mensch sich nur wünschen kann. Sie ist reich verheiratet, geht am russischen Zarenhof ein und aus und lebt auch sonst ein glanzvolles Leben.
Eigentlich könnte sie also vollkommen glücklich sein, wäre da nicht ihre Ehe mit dem reichen und gefühlskalten Fürsten Alexei Alexandrowitsch Karenin (Jude Law). Dieser ist ein hoher Regierungsbeamter und sieht in seiner Karriere die Erfüllung seines Lebens. Für seine junge Frau hat er wenig Verständnis, gibt er ihr doch genügend Geld und hohes Ansehen. Anna Karenina steht Alexei Karenin zwar treu zur Seite, vermisst jedoch die Leidenschaft in ihrem Leben.
Doch dann lernt Anna Karenina eines Tages den jungen und sehr attraktiven Grafen Wronsky (Aaron Johnson) kennen und verliebt sich in ihn. Anna ist hin und her gerissen zwischen ihrem Pflichtgefühl zum Fürsten Karenin und ihrer leidenschaftlichen Liebe zu Wronsky. Das Unheil nimmt seinen Lauf."
Und doch sind die Namen der Regisseure von einem der einflussreichsten Horrorfilme aller Zeiten in Vergessenheit geraten. Das liegt letztlich daran, dass die einst gehypeten Revolutionäre der Horrorfilmindustrie danach nie etwas Gescheites auf die Beine gebracht haben. Nach einer vieljährigen Pause für beide Filmemacher kehrten sie mit Solo-Karrieren zurück und produzierten Filme wie Vergeltung (OT: Altered), Believers und Solstice. Alle diese Filme erschienen direkt auf DVD und kümmerten kaum jemanden. Bis heute reden die beiden noch hoffnungsvoll von einem dritten Teil (der zweite wurde von Joe Berlinger inszeniert), welcher sich aller Wahrscheinlichkeit nach nicht manifestieren wird. Dieses Beispiel zeigt, dass ein großer Durchbruch nicht ausreicht, um für längere Zeit im Gedächtnis der Filmfans zu bleiben. Hätte Carpenter nach Halloween nicht Das Ding aus einer anderen Welt und Die Klapperschlange gedreht und hätte Tarantino nach Reservoir Dogs nur Müll erschaffen, wären diese Namen mit Sicherheit weniger ein Begriff. Akut läuft der Filmemacher Oren Peli Gefahr, dasselbe Schicksal wie Sánchez und Myrick zu erfahren. Pelis große Stunde kam 2009, als sein $7000 teurer Gruselschocker Paranormal Activity den phänomenalen Erfolg von Blair Witch replizieren konnte. Mit sehr simplen Mitteln erzeugte Peli eine Atmosphäre, die viele höher budgetierte Horrorfilme heutzutage nicht erreichen können. Paranormal Activity ebnete den Weg für eine neue Welle von „Found Footage“ Horrorfilmen, von Der letzte Exorzismus OT: The Last Exorcism) bis hin zu 
Zunächst haben wir hier sechs völlig austauschbare Protagonisten. Diese sind allesamt attraktive junge Leute zwischen 20 und 30, perfekt für einen Horrorfilm. Gute Horrorfilme profitieren immens davon, wenn der Zuschauer tatsächlich am Schicksal der Charaktere interessiert ist. Dies ist hier nicht der Fall, man kann sich ja kaum an deren Namen erinnern. Anfängliche Versuche der Charakterisierung werden schnell fallengelassen. Besonders schade ist es für Ingrid Bolsø Berdal. Die Norwegerin absolviert hier ihren ersten US-Kinoauftritt. Berdal überzeugte auf ganzer Linie als eine der besten Scream Queens der letzten Jahre im norwegischen Cold Prey und der Fortsetzung Cold Prey II. In Chernobyl Diaries hat sie wenig mehr zu tun, als erst für Fotos zu posieren und dann schreiend vor einer unsichtbaren Gefahr wegzulaufen. Den restlichen Schauspielern ergeht es nicht anders. Es ist schon bemerkenswert, dass der bärbeißige Fremdenführer Juri letztendlich der erinnerungswürdigste Charakter bleibt – doch sein Auftritt bleibt kurz.
Dabei sind bei dem Film nicht völlig Hopfen und Malz verloren. Allein schon das Setting von Prypjat (beeindruckend rekonstruiert in Serbien und Ungarn) eignet sich hervorragend für einen spannenden Film. Schließlich wurde die Stadt sehr kurzfristig evakuiert unter der Prämisse, dass es sich dabei nur um eine kurzzeitige Maßnahme handeln würde. So bleib sie zunächst so erhalten, wie sie verlassen wurde. Leerstehende, noch vollständig ausgestattete Wohnungen, verlassene Kinderspielplätze und das eingerostete Riesenrad von Prypjat bieten eine ungemein unheimliche Kulisse für den Film. Die Einstellung des Atomkraftwerks im Hintergrund von einer Szene vermittelt schöne Bedrohlichkeit. In der ersten halben Stunde wird Atmosphäre aufgebaut (auch wenn die Charakterzeichnung da ebenfalls nicht stattfindet), die in der darauffolgenden Sunde einfach zerfällt und stattdessen sich im Dunklen bewegenden Gestalten und Off-Screen Angriffen widmet. Doch für den Großteil der zweiten Hälfte bewegen sich die Charaktere einfach von einem dunklen Raum zum anderen. Ab und zu wird eine Figur dahingerafft, doch das stört auch nicht weiter. Der Film weicht nie von ausgetretenen Pfaden ab und bleibt immer auf seinem vorhersehbaren Kurs in Richtung einer bemühten Schluss-Überraschung, die bei den meisten Zuschauern nicht mehr als ein Schulterzucken auslösen wird. Mehr kann man über den Film nicht schreiben, ohne sich ständig zu wiederholen. Kein Wunder, denn genau das tut der Film ja auch.
Ein kurzer Applaus, dann verstörte Stille. Das zögerlich einsetzende Flüstern im Publikum ist von einem eindeutigen Tenor geprägt: „We Need To Talk About Kevin“, Lynne Ramsays Adaption von Lionel Shrivers gleichnamigem Roman (deutscher Titel: Wir müssen über Kevin reden), ist alles andere als leichte Kost. Schon gar nicht auf den diesjährigen Fantasy Filmfest Nights, in deren Rahmen das kontroverse Werk hierzulande erstmalig aufgeführt worden ist, und bei welchen sonst eher internationale Horrorspektakel, wie etwa der neueste Zombieklamauk aus Kuba, über die Leinwände flimmert. Das reale Grauen, das seine Nase auch in die abendlichen Nachrichten steckt, ist eben auch im gefüllten Kinosaal weitaus beklemmender als mit Macheten zerhackte Monsterleiber. Das Columbine-Massaker hat einst die gesamte Welt aus dem Schlaf gerissen – warum musste so etwas Entsetzliches geschehen, mitten in unserer behüteten, zivilisierten Gesellschaft? Auch Ramsays Film bietet auf diese Frage keine Antwort. Es ist die Geschichte der Familienmutter Eva (für ihre packende Darstellung zu Recht für den Golden Globe nominiert: Tilda Swinton), die in ihrem Leben nur einen schlimmen Fehler begangen hat: Sie wurde schwanger – mit dem Satan höchstpersönlich in ihrem Bauch – und hat mit der Geburt die Pforte zu ihrer eigenen Hölle aufgestossen.
Kevin (Rock Duer) heisst der kleine, schwarzhaarige Bub mit den durchdringenden Augen. Wenn der stolze Papa Franklin (John C. Reilly, „
Ramsays Film beginnt mit einer grotesken Pastaschlacht, während welcher sich die Beteiligten in blutroter Sauce wälzen. Rot, das ist die Farbe, die „We Need To Talk About Kevin“ wie ein Warnsignal durchzieht. Ähnlich wie in dem Genreklassiker „Wenn die Gondeln Trauer tragen“ (1973) scheint das Schicksal Evas schon von Anfang an von der farblichen Codierung geprägt zu sein – sie kann dem Unheil nicht entfliehen, konnte es nicht verhindern: Rot die Tomatensauce, rot das Blut der Opfer, rot die Farbe, die die aufgebrachten Eltern jetzt an die Hauswand der Mutter schmieren. Anders als bei Nicolas Roegs subtilem Horrordrama folgen wir der Geschichte hier jedoch nicht linear, sondern betrachten sie in der Rückschau. „We Need To Talk About Kevin“ zeigt nach dem Auftakt Eva, wie sie Jahre nach dem Ereignis versucht, ein neues Leben zu beginnen. Vergessen wird sie den Schrecken nie, so viel ist sicher. Wie könnte sie? Es wäre zumindest ein kleiner Trost, die Hintergründe der Tat zu verstehen, einen winzigen Blick in die Seele ihres scheinbar teuflischen Sohnes zu erhaschen. Zu wissen, dass da etwas ist, für das es sich zu kämpfen lohnt. Das wäre wohl eine Art „Happy End“ in Ramsays harter, schonungsloser Arbeit. Ein Ausgang, den die Regisseurin uns und ihrer Protagonistin nicht einräumt – nicht einräumen kann.
Wir sehen Kevin nicht pausenlos vor dem Fernseher, vor wilden Actionstreifen oder den obligatorischen Videospielen, sitzen, er spielt keine okkulten Heavy Metal-Schallplatten rückwärts oder badet im Mondlicht in Ziegenblut – das einschlägige Klischeebild des jugendlichen Amokläufers wird nicht erfüllt. Es gibt keinen offensichtlichen Initiator, kein Motiv, für seine grausamen Handlungen, die mit Kleinigkeiten, wie der Verunstaltung des Arbeitszimmers, begonnen haben und in dem sorgfältig vorbereiteten Massaker münden. Durch Evas Augen erleben wir Kevin, und wir finden nichts in ihm, was man als Zeichen echter Liebe oder Zuneigung deuten könnte. Nur einen Moment lang, Kevin ist krank, flammt in der Frau die Hoffnung auf, der Junge verfüge doch über eine Schwachstelle, einen weichen Kern, tief in sich begraben. Dieser Film ist kein hitziges Plädoyer an die Eltern – „Passt auf eure Kinder auf, sonst erzieht ihr sie zu Monstern!“ -, sondern das Portrait einer Mutter, die ihrer (zu frühen) Verantwortung mit gemischten Gefühlen entgegengetreten und trotz aller ehrlicher Bemühungen an ihrer Bürde zerbrochen ist. Ihr innerer Kampf, ihre quälende Liebe ihrem verlorenen Sohn gegenüber, erinnert an das Ende von Roman Polanskis „Rosemary’s Baby“ (1968), wenn Mia Farrow trotz ihrer Abscheu schließlich an die Wiege ihrer Höllengeburt tritt und sie schaukelt. Trotz des Hasses, der ihr nun von allen Seiten entgegenschlägt, trotz der zerbrochenen Träume, die sie nie wird flicken können, macht sie auch weiterhin täglich Kevins Bett.
