Quelle: Comingsoon
Nach seinem Debüt Cabin Fever und dem Nachfolger Hostel galt Eli Roth als einer der vielversprechendsten Namen im Horrorgeschäft. Doch nach dem Fiasko von Hostel II hat Roth bis heute keinen neuen Film mehr gedreht. Was nicht bedeutet, dass er sich aus dem Filmgeschäft zurückgezogen hat. So spielte er eine wichtige Rolle in Tarantinos Inglourious Basterds, schrieb und produzierte gemeinsam mit RZA The Man with the Iron Fists und schrieb und produzierte den Erdbeben-Thriller Aftershock, in dem er auch einen Part spielt. Derzeit produziert er Ti Wests The Sacrament. Um sein neues Regieprojekt gab es sehr viele Gerüchte. Von Stephen Kings Cell über den Sci-Fi Streifen Endangered Species und die Ausweitung seines Grindhouse Fake-Trailers Thanksgiving auf Spielfilmlänge bis hin zur Dracula-Adaption Harker war vieles im Gespräch. Nun steht aber Roths nächster Film fest.
Am 5. November gehen schon die Dreharbeiten zu The Green Inferno in Peru los. Viel ist über den Film nicht bekannt, nur, dass es sich dabei um einen Kannibalen-Film handelt, der eine Hommage an Ruggero Deodatos Cannibal Holocaust darstellt. In The Green Inferno geraten einige naive und idealistische junge Menschen an einen Kannibalen-Stamm in Peru.
Die Besetzung für den Film steht bereits fest und besteht größtenteils aus eher unbeklannten Namen. Darunter sind Lorenza Izzo, Ariel Levy, Aaron Burns, Daryl Sabara, Kirby Bliss Blanton, Magda Apanowicz und Sky Ferreria. Außerdem spielen echte Eingeborene aus Peru in dem Film mit.
Wir halten Euch über weitere Entwicklungen auf dem Laufenden.
Der arbeitslose Uhrmacher Fred (Colm Meaney) lebt in seinem Auto auf einem Parkplatz an der irischen Küste – seit seiner Rückkehr aus England fand er den Anschluß nicht mehr. Ein Teufelskreis: Da er keine Wohnung hat, erhält er keine Sozialhilfe und ohne Geld keine Wohnung. Fred macht Bekanntschaft mit dem jungen Junkie Cathal, der ebenfalls in seinem Wagen auf dem Parkplatz wohnt, doch seine Drogenprobleme belasten den Kontakt. In einer Kirche lernt Fred Jules, eine finnische Musiklehrerin, kennen. Die Möglichkeit eines näheren Verhältnisses wird eröffnet und auch dann noch nicht ganz ausgeschlossen, als Jules Freds wahre Lebensumstände erfährt. Doch schließlich geht sie wieder zurück nach Finnland.
Als ein Werk epischen Formats tut sich „Cloud Atlas“, eine Kooperation der Wachowski-Geschwister („Matrix“) mit dem „Lola rennt“-Regisseur Tom Tykwer, vor seinen Zuschauern auf. Über einen Zeitraum von 500 Jahren verweben sich hier die Leben von sechs Individuen zu einer Geschichte, in deren Zentrum der Kampf gegen die Unterdrückung steht: Der Anwalt Adam Ewing (Jim Sturgess), der sich 1849 auf hoher See mit einem Sklaven (David Gyasi) anfreundet. Der Musiker Robert Frobisher (Ben Whishaw), der unter der Autorität eines ausgebrannten Komponisten (Jim Broadbent) 1936 sein Meisterstück vollendet. Die hartnäckige Journalistin Luisa Rey (Halle Berry), die 1973 mit Hilfe von geheimen Dokumenten einen Skandal aufzudecken versucht. Der erfolgreiche Verleger Timothy Cavendish (Jim Broadbent), der sich 2012 nach einem grausamen Streich seines Bruders (Hugh Grant) in einem Altersheim eingesperrt wiederfindet. Die Klonfrau Sonmi-451 (Doona Bae), die im Neo Seoul des Jahres 2144 für ihre Menschlichkeit kämpft. Und schließlich der Ziegenhirte Zachary (Tom Hanks), der sich auf dem postapokalyptischen Hawaii 2346 gegen ein barbarisches Kannibalenvolk auflehnt.
Während der Pressekonferenz auf dem diesjährigen Toronto International Film Festival stellte ein deutscher Redakteur die Frage, ob „Cloud Atlas“ nun Blockbusterkino sei. „Sure. … we didn´t … think about this so much,“ zögerte Tom Tykwer mit seiner Antwort und fügte hinzu, dass dies vor allem die Art von Film sei, die die drei Verantwortlichen letztlich verbindet – etwas, das zugleich experimentell und populär sein kann. Tatsächlich platziert sich die ambitionierte Arbeit irgendwo zwischen den Spektakel- und Arthousestühlen, möchte das Publikum zugleich mit seinen gigantischen Schauwerten erstaunen und außerdem mit einem sensiblen Thema berühren. Das gelingt der Adaption von David Mitchells 2004 veröffentlichtem Bestseller „Der Wolkenatlas“ allerdings nur bedingt. Wo die betörenden Bilder und der gänsehauterzeugende Soundtrack den Zuschauern Emotionen entlocken können, verliert das Projekt aber ebenso durch die teils ungeschickte Aufstückelung der Handlungsstränge an Kraft. Vor allem der Einstieg erweist sich leider als sperrig, fällt es doch in Anbetracht der plötzlichen Menge an Jahresdaten und Charakteren zunächst schwer, sich überhaupt in das Geschehen einzufinden. Und irgendwie will sich auch im weiteren Verlauf kein wirklich homogenes Bild aus den heterogenen Mosaikstücken ergeben.
Die Berührungen der Protagonisten bestehen aus Überlieferungen: Ein Buch. Briefe. Ein Musikstück. Ein Filmausschnitt. „Cloud Atlas“ nimmt zügig Fahrt auf und verbindet wild die Seefahrtstory mit dem Künstlerdrama, den Verschwörungsthriller mit dem klamauklastigen Seniorenabenteuer und „Blade Runner“-ähnliche Science Fiction mit einer postapokalyptischen Zukunftsvision. Einzeln betrachtet sind diese Elemente durchaus reizvoll; nicht zuletzt deshalb, weil das phänomenale Make Up zum fiebrigen Rätseln einlädt, welcher Mime wohl noch zusätzlich unter welcher Maske aufzufinden ist. Auch an individueller Spannung und zum Teil purer Action mangelt es den verschiedenen Zeitebenen nicht – wo dann aber auch erneut das eigentliche Problem des Films zum Ausdruck kommt: Als Gesamtwerk mag diese bunte Mischung letztlich nicht aufgehen. Die Überleitungen zwischen den Kapiteln wirken oftmals willkürlich gewählt und lediglich das parallele Zusteuern auf den jeweiligen Klimax scheint deutlich. Man wird regelrecht mit Gewalt aus dem aktuellen Abschnitt herausgerissen, und bis man sich wieder mit dem folgenden vertraut gemacht hat, ist der nächste Wechsel meist nicht mehr weit. Unter diesem Umstand leidet dann vor allem die Zuschauerbindung am Schicksal der Helden.
Sechs unterschiedliche Charaktere in sechs unterschiedlichen Szenarios und das in weniger als drei Stunden – das muss man erstmal schlucken. Wie findet man sich hier überhaupt zurecht? Ein mysteriöses Muttermal, das in jeder Episode von einer der Figuren getragen wird, kennzeichnet den Weg einer Seele, die sich für eine bessere Welt einsetzt – hinweg über Grenzen wie Zeit, Geschlecht oder Hautfarbe. Nicht nur die guten, sondern auch die schlechten Taten treiben den Hegel’schen Weltgeist voran: In „Cloud Atlas“ steuern die Menschen einer wahren Katastrophe entgegen. Der technische Fortschritt fühlt sich leer und kalt an und was folgt, ist der Rückfall in die blutrünstige Barbarei. Was kommt danach? Es ist nun keineswegs so, dass die Arbeit des visionären Wachowski/Tykwer-Gespanns keine spannenden Themen aufgreift oder Assoziationen ermöglicht. Leider stehen neben der bereits erwähnten, zerfahrenen Vermischung der Einzelgeschichten auch der von den Schöpfern so geliebte Bombast und ein völlig unverständlicher Wille zum plattesten Ulk einem gänzlich involvierenden Resultat im Weg. Man mag den Regisseuren durchaus abnehmen, dass es sich bei der teuersten deutschen Produktion um ein gemeinsames Herzblutprojekt handelt, hinter welchem nicht bloß Studiokalkül steckt. Das Experiment von drei Filmemachern, gleichzeitig mit sechs Bällen zu jonglieren, ist aber trotz vieler schöner Ansätze und einer ganzen Riege hochkarätiger Stars am Ende nicht so ganz geglückt.
Wer glaubt, dass nach 50 Jahren die James Bond-Filme nichts mehr Neues zu bieten hätten, wird in dem 23. Abenteuer des Superagenten eines Besseren belehrt. Bereits Casino Royale war ein extrem gelungener James Bond-Film, der gezeigt hat, wie viel unerforschtes Potenzial in der Serie noch steckt und uns mit Daniel Craig einen James Bond bot, der menschlicher war denn je. Er machte Fehler und flog auch schon so richtig auf die Fresse. Wurde die Wahl von Craig als James Bond vor Casino Royale noch von den meisten kritisch beäugt, überzeugte er die meisten Skeptiker mit seiner Variante der Rolle. Die sehr hoch gesteckten Erwartungen konnte der Nachfolger, Ein Quantum Trost, leider nicht erfüllen. Der interessante Versuch war, zum ersten Mal einen James Bond-Film zu einer waschechten Fortsetzung zu machen, die nahtlos an die Ereignisse des Vorgängers anknüpft. Doch er schlug größtenteils fehl. Die Gründe dazu sind vielerlei und rangieren von der falschen Wahl des Regisseurs (Marc Forster hat in der Vergangenheit gute Filme abgeliefert, doch Action ist einfach nicht sein Forte) bis hin zu einem unausgereiften Drehbuch, welches noch weniger klassische James Bond-Elemente beinhielt als Casino Royale. Craig war erneut hervorragend in der Rolle, doch auch er konnte hier nicht viel ausrichten.
Und so taten die Köpfe hinter dem neusten James Bond-Film, Skyfall, das einzig Vernünftige und starteten die vor zwei Filmen neugestartete Serie einfach wieder neu – mehr oder weniger. In modernem Filmjargon – ein Reboot von einem Reboot. So verrückt das auch klingen mag, so perfekt funktioniert das in Skyfall. Ohne jegliche Erwähnung oder Anspielung auf die ersten beiden Filme (die wiederum untereinander stark zusammenhingen) ist Skyfall im klassischen James Bond-Sinne ein Film, der für sich selbst steht und eine in sich abgeschlossene Geschichte bildet. Zugleich werden in Skyfall aber auch alle Stärken der verschiedenen Bond-Elemente genutzt, die sich über die Jahre herausgebildet haben. Daniel Craig war vom Anfang an sehr überzeugend in der Rolle von Bond, indem er uns eine andere Art des bekannten Superagenten geboten hat. Nicht nur ständig mit Anzug und Fliege bekleidet, war Craigs Bond auch bereit sich mitten ins dreckige Actiongetümmel zu stürzen. Zugleich verfügt sein Bond über den lakonischen Humor, den man bei dem Charakter schon lange vermisst hat. Trat dieser im letzten Film leider hinter den dramatischen Plot zurück, kommt er in Skyfall voll zur Geltung. Casino Royale war ein beeindruckender Einstand für Craigs Bond, aber Skyfall zeigt uns einen Daniel Craig, der sich in die Rolle von Bond gut eingelebt hat und kein blutiger Anfänger mehr ist. Zugleich ist er auch desillusionierter, verbitterter und psychisch aber auch körperlich angeschlagen. Der Film schreckt sich auch nicht davor zurück, das voranschreitende Alter von Bond deutlich zu stellen (insbesondere ironisch, angesichts der Tatsache, dass Roger Moore den Part gespielt hat, bis er 57 war). Mangelte es Bond in Casino Royale noch an Erfahrung, ist es hier die körperliche Fitness, die ihm bei seinen Einsätzen zu schaffen macht. Das passt alles perfekt zu Craigs Darstellung von Bond als einen echten Menschen, ein Konzept, welches in Skyfall mehr erforscht wird denn je. So häufig unrasiert und ungepflegt hat man Bond kaum gesehen! Aber auch, dass er trotz seiner vielen Einsätze, der Opfer, die er bringen musste und der Vielzahl an Leben, die er genommen hat, seine Menschlichkeit und sein Mitgefühl nicht verloren hat, wird vom Anfang an klargestellt.
Judi Denchs kompromisslose Darstellung von Bonds geheimnisvoller Chefin M war schon immer eine weitere Stärke der neueren Bond-Filme, deren Potenzial nie vollends genutzt wurde – bis jetzt! Es mag ganze sieben Filme gedauert haben, bis Dench, die auch in den schlechteren Bond-Filmen immer eine starke Präsenz war, in den Mittelpunkt eines James Bond-Films rücken durfte. Ein riskanter Schachzug, der auch nach hinten hätte losgehen können, denn manche Charaktere funktionierten am besten in kleinen Portionen. Dank der immensen schauspielerischen Bandbreite von Dench ist das hier nicht der Fall, denn der Film holt mehr aus ihrem Charakter, der schon immer eine Art mütterliches Substitut für den Vollwaisen Bond war, heraus, als man für möglich gehalten hätte. Skyfall zeigt sie von ihrer kältesten und skrupellosesten Seite, aber auch zugleich ihre Verletzlichkeit und ihre tief verborgene Zuneigung für Bond. In einer gerechten Welt, wäre Dench eine Kandidatin für eine Oscar-Nominierung mit diesem Film.
Letzteres gilt auch für Javier Bardem, dessen Raoul Silva vielleicht der interessanteste Bösewicht der James Bond-Filme und der beste Leinwand-Psychopath seit Heath Ledgers Joker ist. Genial, verspielt, extravagant, überdramatisch, brutal, effizient und vor allen Dingen komplett wahnsinnig ist er ein Gegenspieler, wie ein großartiger Bond wie Craig ihn verdient. Er ist Bond immer zwei Schritte voraus und zum ersten Mal seit langer Zeit lässt ein Bösewicht bei einem Bond-Film den Zuschauer sich tatsächlich fragen, ob Bond ihm überhaupt gewachsen ist. Bardem, der schon gekonnt einen Psychopathen in No Country for Old Men gespielt hat, fährt hier aber andere Geschütze auf als in dem Coen Brothers-Film. War er dort ein schweigsamer, präziser und kaltblütiger Killer, so ist sein Raoul Silva in Skyfall viel gesprächiger und hat einen großartigen ersten Auftritt (der überraschend spät im Film kommt), in dem er eine ganz ungewohnte Art von Chemie mit Craigs Bond entfacht – der eine oder andere Zuschauer wird überrascht sein. Keine 30 Sekunden braucht Bardem, um das Publikum für sich zu gewinnen. Sicher, Bardem hat sich das eine oder andere beim Joker und Dr. Hannibal Lecter abgeschaut, doch mit seiner extravaganten und überschwänglichen Art, einschließlich des grässlichen blondierten Haarschopfes, ist er eben ein klassischer Over-the-Top James Bond-Bösewicht.
Nicht zu vergessen ist natürlich das A und O der Bond-Serie: spektakuläre Action und exotische Locations. Während letztere uns nach Istanbul, Shanghai, Macau und Schottland führen, mangelt es an Action ebenso nicht in Skyfall. Von der spektakulären Verfolgungsjagd in Istanbul bis zum etwas kleineren aber dennoch nicht weniger spannend ausgefallenen Showdown am Ende, erweist sich Sam Mendes als äußerst fähig darin, beeindruckende Action in Szene zu setzen und wiederlegt damit effektvoll einige Befürchtungen er sei eine falsche Wahl für die Regie gewesen, da er, wie Forster, keine großen Erfahrungen mit Filmen eines solchen Kalibers in der Vergangenheit gesammelt hat. Stattdessen ist Mendes die perfekte und seltene Kombination, die sowohl die leiseren Momente des Films, aber auch die groß angelegten Actionsequenzen gekonnt in Szene setzt. Unterstützt wird er von wohl einem der momentan besten Kameramänner Hollywoods, Roger Deakins, dessen Aufnahmen den Zuschauern nachhaltig im Gedächtnis bleiben sollten.
Es ist wohl der erste oscarprämierte Regisseur der James Bond-Serie, der aus dem Franchise alles herausholt, was möglich ist. Dabei schreckt sich Mendes nicht davor zurück, viele Anspielungen auf diverse ältere Bond-Filme zu machen und sehr geschickt traditionelle Bond-Elemente in den Film einzubinden. Das Vermächtnis der Bond-Filme wird stets mit größtem Respekt behandelt und man sieht, dass es sich bei Mendes um einen wahren Fan handelt, der aber zugleich der Reihe einen ganz eigenen Stempel aufdrückt. Sein Skyfall zeugt von Liebe zu dem, was Bond populär und erfolgreich gemacht hat aber auch von Mut, neue Wege zu beschreiten. Als eine Inspiration für den Film erwähnt Mendes die Batman-Filme von Christopher Nolan und der Einfluss ist hier nicht zu übersehen, insbesondere in der zweiten Filmhälfte. War Casino Royale vielleicht Batman Begins der Craig-Bonds (und ignoriert man am besten Ein Quantum Trost), so ist Skyfall The Dark Knight dieser neuen Reihe, wobei Skyfall nie komplett in Nolans düstere Abgründe abgleitet und genug Platz für etwas leichte Unterhaltung, Humor und Augenzwinkern lässt.
